Dialogos con una Manzana

ACADEMIA-TALLER DE ARTE Y CREATIVIDAD ATELIERS

2010-07-13T23:59:00.000+01:00

¿QUÉ ES ATELIERS?

Ateliers es mucho más que una Academia de dibujo y pintura, Ateliers es un Taller de Arte y Creación artística integral para todas aquellas personas que quieran aprender técnicas artísticas, pero sobretodo experimentar y crear desde su propio estilo y subjetividad, huyendo de los planteamientos académicos estrictos y apostando por la didáctica desde el juego y la experimentación.

Ateliers ofrece a sus clientes eseñanza artística personaliza (para todas las edades, niveles y estilos), personal altamente cualificado con amplia experiencia docente, grupos reducidos, flexibilidad de horarios, turnos de mañana y tarde y precios asequibles. Nuestros talleres, separados por materias disponen de toda la infraestructura necesaria pensada para su comodidad y aprendizaje.

¿QUE ACTIVIDADES OFRECE?

Ateliers pretende acercar a sus alumnos el arte de una forma integral, para ello nuestra academia cuenta con diferentes talleres separados para realizar cada una de las actividades que ofrecemos y una amplia oferta de posibilidades artísticas donde el alumno pueda elegir según su demanda y necesidades.

Ateliers te ofrece:

* Clases de dibujo y pintura artísticas para todas la edades y a todos los niveles

* Clases de apoyo y preparación para alumnos de Bellas Artes

* Clases y Talleres de grabado y técnicas de estampación

* Taller de creatividad infantil para niños de 3 a 12 años

* Taller de Arteterapia para todas la edades

* Cursos monográficos sobre técnicas, estilos o géneros artísticos

Os invito a visitar su página web donde podeis encontrar toda la información mucho más detallada y no dejes de visitar sus instalaciones en Avd Costa Blanca, 16, locales (San Joan d´Alacant)

http://www.academiatallerateliers.blogspot.com/

Cuatro arteterapeutas trabajan la violencia de género en una exposición en el museo de San Javier

2009-11-21T13:25:00.006Z

La violencia de género entendida como cualquier forma de opresión sobre la mujer es el tema sobre el que han trabajado cuatro arteterapeutas cuyos trabajos, en pintura, escultura y fotografía, se pueden ver hasta el 29 de noviembre en el museo municipal de San Javier. La alcaldesa de San Javier, Pepa García y la concejal de Igualdad, María Ángeles Chumillas inauguraron anoche la exposición que se enmarca en los actos organizados por la concejalía de Igualdad para conmemorar el Día Internacional contra la Violencia de Género.

Las cuatro artistas, Eva Mª Santos, Charo Fernández, Fabiola Andreu, y Eva Cristina Mesas, han trabajado especialmente para esta exposición a la que traen obra nueva, “bajo el tema central del aislamiento de la mujer, y sobre cómo construirse formas para salir, sobrevivir y ser libre”, explicó Eva Cristina Mesas. La muestra acoge una serie de fotografías sobre la manzana como símbolo de la mujer, que está siendo agredida de diferentes maneras, y otras obras en las que la mujer es consciente de una situación que decide cambiar.

En el centro de la sala , una escultura en tela, resume una visión de la mujer oprimida por los roles impuestos que la acaban estrangulando. Multitud de brazos, hechos en tela rellena y cosidos, que representan a la mujer “que quiere abarcarlo todo porque la sociedad le exige ser ideal en todos los sentidos, aunque le acabe estrangulando un poco”,aclara su autora, Eva Mª Santos.

La arteterapia en la que trabajan las cuatro artistas que exponen en la muestra busca abrir vías de comunicación y nuevas formas de expresión a través de la creación como un modo de ayuda a las personas ya sea como manera de mejorar su desarrollo personal o en la ayuda para superar diferentes patologías. En los trabajos presentados en la exposición las autoras han indagado en la violencia no física sino “en otra violencia oculta que se ejerce a través de los roles que ya vienen impuestos y que se pueden ir modificando”, explica una de las autoras, transmitiendo al público una invitación a la reflexión a través de la imagen sobre un tema que comparte sus vertientes íntima y pública, y que supone un problema tanto personal como social.

Vía noticia: www.murcia.com

EXPOSICIÓN COLECTIVA CONTRA LA VIOLENCIA DE GÉNERO

2009-11-08T22:30:00.005Z

Exposición colectiva para conmemorar el 25 de Noviembre, día internacional contra la violencia de género.

Sala de exposiciones del Museo de San Javier (Murcia)

Del 19 al 29 de Noviembre.

Eva María Santos

Charo Fernández

Fabiola Andreu

Eva Cristina Mesas

Comisariado a cargo de: Luis-Asencio Lucas

Te esperamos

Fuck the fourth comandment (o a la mierda el cuarto mandamiento

2009-11-07T21:09:00.004Z

Excelente reflexión de Maria LLopis vía: www.elimbo.org

Alice Miller sostiene que nuestro ser adulto depende de forma directa de la infancia que hayamos tenido. Que los abusos a los que hemos sido sometidos como niños constituyen la esencia de nuestro ser. Y no habla tan sólo de casos extremos de abuso sexual o violencia física, sino de la forma en la que la sociedad cría a sus hijos, que incluye violencia a otro nivel.

Alice sostiene que dejar llorar a un niño solo en su cuna es violencia, que darle una bofetada a un niño es violencia, que la forma en la que "por su propio bien" se castiga a los niños es en extremo violenta. Y que el niño no puede defenderse, y que asimila esa violencia como amor. Alice sostiene que la maldad no es inherente al ser humano, sino que la maldad se gesta en nosotros a través del abuso. Alice dice que el cuarto mandamiento ha hecho mucho daño, que sólo aceptando el daño que nuestros progenitores han infringido en nosotros, seremos capaces de avanzar como personas y no hundirnos en depresiones y psicosis varias.

Alice ha estudiado la infancia de algunas de las personas más crueles del mundo, como Hitler, por ejemplo, cuya infancia se vio marcada por un padre estricto en extremo que martirizó a su hijo hasta el punto de convertirlo en el ser inhumano que sería como adulto. Alice dice que es importante ser conscientes del daño que hemos recibido en nuestra infancia para así no repetir el mismo patrón con nuestros hijos y no continuar el círculo. Y de paso ahorrarnos tantos sufrimientos, adicciones, depresiones, y suma y sigue.

Para ello es fundamental mandar a la mierda al cuarto mandamiento, valga la redundancia: Honraras a tu padre y a tu madre. Ser capaz de hablar y pensar con claridad sobre la forma abusiba en la que fuimos criados (y todos los hemos sido, en mayor o menor grado, porque la sociedad en la que vivimos así lo propicia) es fundamental para poder constituirnos como adultos felices, o mínimamente felices.

Leyendo a Alice Miller y viendo la película de Orgasmic Birth, tras meses de terapia, en esta casa perdida en Canadá donde me encuentro, pienso en las cuestiones de mi vida que me preocupan y llego a tremendas conclusiones:
Desde mi nacimiento sufrí el maltrato de mi madre, una mujer psicótica. Sentí la injusticia que sufrió al quedarse embarazada de mí siendo una adolescente. Desde muy niña me dije que a mí nunca me pasaría eso. Que nunca me quedaría embarazada así. Que nunca sería como ella. Y cerré los músculos de mi útero en una eterna contracción que tendría tres grandes consecuencias en mi vida como adulta.

La primera, un dolor extremo en mi menstruación. La cosa es sencilla, si el músculo está contraído, la sangre no fluye, provocando agudos dolores. La segunda, la dificultad para tener orgasmos, la cosa es muy sencilla también, si no puedo relajar los músculos de mi útero, difícilmente podré correrme. Sólo con personas que han conseguido que me relajara y confiara lo suficiente. Pero el orgasmo sigue siendo un tema complicado en mi sexualidad. La tercera consecuencia es la más práctica: pese a llevar años y años de vida sexual activa y no siempre segura, nunca me he quedado embarazada. Claro, el cuello de mi útero es una fortaleza. Todo encaja.

Una cuarta e hipotética consecuencia sería un parto difícil. De forma instintiva nunca he querido quedarme embarazada porque sabía que el parto sería una experiencia dolorosa en extrema. Políticas reproductivas a parte. Y últimamente me estaba planteando que tal vez no fuera fértil, ya que nunca me había quedado embarazada por error. Pero hoy he unido todos los cabos, llegando a la conclusión de que todo está relacionado. Y que tengo que encontrar la manera de abrirme otra vez, no sé cómo ni de qué manera, pero la encontraré.

REFLEJOS DEL ÁNGULO MUERTO

2009-07-13T23:50:00.001+01:00

Sólo algunas personas saben que nuestros ojos tienen un ángulo muerto, un lugar donde nos es imposible acceder con la mirada por más espejos retrovisores que usemos. Sólo algunas personas saben que somos ciegos a la parte más importante de nuestro mundo. No sabemos porque razón se nos ha cegado a ver la parte más idílica de este, quizás porque como seres humanos imperfectos que somos, el brillo directo que emite la felicidad podría cegarnos para siempre. Sin embargo, ante ese déficit de nuestra percepción algunas personas han desarrollado la capacidad de inventar, de simbolizar, de ilusionar en nuestro ángulo muerto, aquello que el ojo nos impide ver.

En el ángulo muerto nos parece ver a un amigo a quien hacía tiempo que no veíamos, da igual si era él o no, el ángulo muerto te ofrece la oportunidad de verle de nuevo y de ilusionar el encuentro. Quizás después de ese reflejo decidas buscar o llamar a esa persona que deseabas encontrar o simplemente ese reflejo ya te haya conformado. Las imágenes del ángulo muerto siempre procuran provocarnos una sonrisa o un suspiro de felicidad.

En el ángulo muerto el enamorado ve a su amada cuando esta no está, la hace presente en la palabra porque la nombra a cada instante, la conceptualiza para que ella pueda estar, en el ángulo muerto ella, su amada, está presente para siempre en un reflejo pretérito, borroso, que invita al enamorado a construir el encuentro de su amada real o imaginada.

En ese ángulo muerto de nuestra visión somos capaces de ver lo que no está, lo que nunca estará y lo que perdimos para siempre. Gracias a ese ángulo muerto somos capaces de inventar un objeto que está entre la realidad externa (Lo objetivo) y nuestra realidad interna (lo subjetivo). Lo que vemos en nuestro ángulo muerto tiene que ver con la realidad y con nuestra propia subjetividad, nuestro ángulo muerto se manifiesta en los sueños diurnos y nocturnos, en nuestros deseos y nuestras ilusiones, es la mayor defensa que poseemos ante la perdida y la frustración, si no fuera por las imágenes de nuestro ángulo muerto muchas personas tendrían una gran dificultad para vivir, los reflejos del ángulo muerto nos ponderan de vitalidad, estos reflejos consiguen dar brillo a nuestra realidad, emitiendo imágenes ilusorios allí donde falta el objeto deseado.

EL BOSQUE

2009-07-07T22:52:00.004+01:00

El Bosque es como un laberinto, No es posible pensar el laberinto sin paredes convertidas en ásperos troncos, sin sus ramas en forma de obstáculos amenazantes y sin la sensación de acercarnos a la desorientación y al vértigo.

El Bosque es un límite, una frontera, un extremo siempre alejado de la vida, habitamos el medio y no queremos saber nada de los extremos, solo acudiremos a ellos cuando necesitemos huir. Sea como sea, el bosque es un lugar de tránsito, de cambio, de movimiento. No se puede estar en él porque puede atraparte para siempre, sólo puedes recorrerlo, atravesarlo corriendo y sin mirar hacía atrás.

El Bosque es infinito, inabarcable y vacío, tierra que se funde con el cielo en sinuosos movimientos en formas de ramas, es la extensión de nuestras propias complicaciones y de nuestros propios miedos. Ante sus múltiples direcciones las huellas efímeras no sirven para el encontrar el oasis y los pájaros se habrán comido las migas de pan cuando decidas volver a casa.

En el Bosque siempre encontrarás dos direcciones; dos momentos culminantes atraviesan el retorcimiento de un gemido; dos lugares de camino, de vía, línea y dirección. Camino que multiplica sus dificultades en presencia de límites o en ausencia de éstos. Un laberinto recorta su interminable sucesión de espacios, es allí donde el veloz vértice de un recodo sorprende la agonía del aliento contenido, ¿será la salida? o, por lo menos: ¿habrá salida?

ARTE, CUERPO Y ARTETERAPIA

2009-06-07T15:19:00.002+01:00

LA CREACIÓN COMO EXPERIENCIA CATALIZADORA EN LA ENFERMEDAD.

Eva C. Mesas Escobar

«La adicción a la poesía es el resultado de una mente inquieta en un cuerpo
incómodo.»
LORD BYRON

I) INTRODUCCIÓN

El primer punto de encuentro de la experiencia catalizadora de la creación en la enfermedad es posible encontrarlo hacía 1920 en los trabajo de algunos pacientes tuberculosos que usarán la actividad plástica como terapia ocupacional[1], o en los experimentos arteterapeuticos del británico Adrian Hill[2] con enfermos convalecientes durante la II Guerra Mundial.
A través de la Historia del Arte mucho se ha hablado, sobretodo en el Romanticismo, de la enfermedad como medio para dotar al individuo de una sensibilidad exacerbada. El poeta alemán Novalis, conocido como el poeta de la muerte, lo expresaría de la siguiente manera, « ¿No será que la enfermedad es un medio para llegar a una síntesis más elevada, un fenómeno de una gran sensibilidad a punto de transformarse en un poder superior? [3]». Afecciones dramáticas, como la tuberculosis, la anemia, el asma, la epilepsia e incluso el suicido, fueron consideradas por los románticos como símbolos de prestigio, ya que los estados de cercanía hacía la muerte constituían un pasaporte hacía la gloria.
Lo cierto es, que a lo largo de la Historia del Arte contamos con numerosos ejemplos de artistas que ante situaciones límites, enfermedades orgánicas o trágicos accidentes, han utilizado el arte como medio catalizador de sus malestares. Para algunos artistas el deseo de crear puede vencer hasta la más devastadora incapacidad física o psíquica. El pintor Francés Pierre Renoir pintó violentamente durante sus últimos años a pesar de la dolorosa artritis que le obliga a envolverse las manos con algodones y a sujetar el pincel entre el dedo índice y el anular. Más tarde, observamos ejemplos de perseverancia similares en la obra del ilustrador Ivar Arosenius, en los últimos autorretratos de Henri Matisse y Paul Klee, en las dramáticas pinturas de Frida Khalo, en la obra póstuma de Hannah Wilke o en los espectáculos malsanos de Bob Flanagan o Ron Athey.
La enfermedad se expresa en el cuerpo y el cuerpo se expresa en el arte para sobrellevar la enfermedad. Arte, cuerpo, enfermedad y terapia son conceptos hermanados, el escritor Marcel Proust dejó establecida esta simbiosis cuando afirmo: «Todas las grandes cosas del mundo han sido creadas por neuróticos. Ellos han compuesto nuestras obras maestras. Gozamos de música encantadora, de las pinturas bellas, así como miles de pequeños milagros del arte, sin considerar lo que les ha costado a sus creadores en noches sin sueño, asma, epilepsia y lo peor de todo, el temor a la muerte[4]»

II) LA ENFERMEDAD EN LA ACTIVIDAD CREADORA

La enfermedad, expone Noemí Martinez Diez, es cualquier trastorno anormal del cuerpo que provoca molestias y cambios en las funciones normales[5]. La enfermedad altera nuestra normalidad, desestabiliza nuestros sentidos, nos arrebata nuestro cuerpo y nuestro yo. La enfermedad es una extraña presencia que se apodera de todo. El médico y aficionado del arte Philip Sandblom define la enfermedad como esa otra presencia que ocupa tu cuerpo y que te separa de la feliz manada de los seres normales[6]. La escritora y ensayista Susan Sontang, tras pasar varios años en cama, describe la enfermedad de la siguiente manera: «La enfermedad es el lado nocturno de la vida, una ciudadanía más cara. A todos, al nacer, nos otorgan una doble ciudadanía, la del reino de los sanos y la del reino de los enfermos. Y aunque preferimos usar el pasaporte bueno, tarde o temprano cada uno de nosotros se ve obligado a identificarse, al menos por un tiempo, como ciudadano de aquel otro lugar.[7]»
La enfermedad altera nuestra normalidad, nos propone una transformación de una realidad inicial (normalidad) hacía un nueva realidad (anormalidad), nos propone un viaje hacía un lugar desconocido (reino de los enfermos). Esta transformación o este viaje hacía un lugar desconocido, al que nos somete la enfermedad, ejerce poderosa influencia en la actividad creadora. La enfermedad se convierte, en ocasiones, en el detonador de un talento artístico oculto, en otras, es el elemento determinante del producto creativo, a veces, es el elemento transformador de la técnica artística, o incluso, el motor de alguna experiencia límite en el arte actual. En cualquiera de estas vías, lo cierto es que el arte supuso el mejor atajo terapéutico para transitar la enfermedad.
Que el arte tiene poderes terapéuticos es algo que ha sido nombrado por muchos creadores, Heinrich Heine lo expresa con el siguiente verso: «Si mi mal bien pudo ser la causa primera de mi impulso creativo, mi creación purgó mi cuerpo y mi organismo, creando recobré juicio y salud. [8]», Graham Greene apuntaría lo siguiente: «Escribir es una forma de terapia, a veces me pregunto cómo logran escapar de la locura, de la melancolía y del pánico, que son estados propios de la condición humana, los que no escriben, ni componen ni pintan.»[9] Y la escritora Karen Blixen, autora de Los siete cuentos góticos, diría que «Puede uno aguantar cualquier sufrimiento si lo compensa escribiendo una novela»[10]

II. A) LA ENFERMEDAD COMO DETONADOR DE UN TALENTO ARTÍSTICO OCULTO

Muchos son los artistas que saben, ya que lo han vivido en sus propias carnes, que la creación puede ayudar a resolver los inevitables conflictos de la vida. Durante la enfermedad o las experiencias difíciles el ser se retuerce sobre sí mismo, busca recobrar su identidad robada por esa extraña presencia que se apodera de todo, Narciso está herido, sangrando salvajemente, y su única curación es reafirmarse, sentirse. Durante la enfermedad sólo importa recobrar el yo perdido y el arte es una manera única para ser. Cuando Anatole Broyard cayó víctima de un cáncer de próstata, reflexionó sobre su necesidad de escribir, sobre todo en los momentos vitales difíciles:
Cómo cualquiera que atraviesa por una experiencia extraordinaria, yo quería describirla. Parece ser que ésta es una reacción natural, especialmente para un escritor o un artista. Quería (…) decirle a la gente cómo es una enfermedad grave, las ideas y las fantasías sin precedentes con la que nos llena la cabeza, las inesperadas sensaciones de inquietud y las alteraciones que introduce en nuestro organismo. Para una persona gravemente enferma, hablar con otras conciencias es como la sangría que recomendaban los médicos para reducir la presión[11]

Muchos artistas recurrieron por primera vez a la actividad artística tras una enfermedad o una experiencia dolorosa, el pintor Henri Matisse, que ha pasado a la Historia del Arte por ser el máximo representante del Fauvismo francés de principio de siglo y un antecesor de la pintura moderna, ejercía de abogado cuando un apendicitis le obligó a mantenerse inactivo durante un tiempo. Fue entonces cuando empieza a pintar para distraerse en el hospital, y de esta manera descubre su verdadera vocación. De su mano nace un nuevo impresionismo caracterizado por la simplicidad de las formas, la sinuosidad de la línea, que se completa con un colorido vivo y resplandeciente.
En los últimos trece años de su vida, El pintor sufrió una obligada reclusión en cama cómo consecuencia de una eventración abdominal a causa de una operación quirúrgica por cáncer de colon, pese a su incapacidad Matisse necesita seguir creando, necesitaba traer todo su imaginario de color a su espacio póstumo. Para ello, realizaba pequeños recortables de colores con sinuosas formas y los disponía, con ayuda de sus visitas o de herramientas, por toda su habitación. Los papeles recortados de Matisse son composiciones directamente dibujadas con tijera, formas sencillas y altamente expresivas que fueron utilizadas como elementos decorativos para telas, vidrieras, carteles y libros.
Otro de los casos más reveladores de la relación arte y enfermedad lo encontramos en la Mexicana Frida khalo. Con dieciocho años tuvo un accidente de autobús que le destrozó la espina dorsal, la pelvis y uno de los pies. A causa de este accidente sufrió más de 32 operaciones, muchas de ellas innecesarias y equívocas, que terminaron con la amputación de una de sus piernas, lo que para ella fue un golpe terrible que expresó en uno de sus cuadro titulado Pies para que os quiero si tengo alas para volar, con el cual aludía a esa escape de la realidad que le proporcionaba la creación. Frida empezó a pintar para sobrellevar el dolor, necesitaba dar una forma física a todo su sufrimiento. Diría H .Herrera « Mediante la pintura, Frida trasmutaba su dolor en arte con una notable franqueza atemperada por el humor y la fantasía»[12]
Se la relacionó con el movimiento de vanguardia surrealista, aunque este fue un vínculo que ella siempre desmintió, «Yo no pinto sueños, pinto mi propia realidad» afirmaba solemnemente. Toda su realidad se reflejaba en su intensa producción de autorretratos, Pintora y lienzo cara a cara en un despiadado diálogo de dolor y lágrimas. En sus lienzos podemos ver los capítulos más dramáticos de una vida marcada por la adversidad y la perseverancia, se pintó a sí misma llorando de dolor con su columna fracturada en varias partes, se pintó desangrándose durante un aborto, acompañada de un esqueleto y de fantasmagóricas figuras, atormentada en su soledad, herida como una gacela por la traición de sus seres queridos, desarraigada de su medio y sus costumbres, y sobretodo descorazonada, sufriente por el empeoramiento de su enfermedad, suplicante de atención y profundamente obsesionada por el amor, no siempre correspondido, del muralista mexicano Diego Rivera.

II.B) LA ENFERMEDAD COMO TRANSFORMADOR DE LA TÉCNICA ARTÍSTICA

Ya hemos nombrado como el pintor Pierre August Renoir trabajó durante sus últimos años a pesar de la dolorosa artritis que padecía en sus manos. Como es de esperar, esta dificultad o incapacidad física, que le obligaba a sujetar el pincel con dificultad entre el dedo anular y pulgar, supuso una transformación en su técnica artística, que en el caso de Renoir resultó absolutamente enriquecedora, ya que fueron precisamente sus últimas obras las que han sido consideradas por la Historia del Arte como las grandes obras maestras del artista. El pintor francés Matisse, del cual hemos hablado, conoció a Renoir en sus últimos años y fue testigo de su sufrimiento y su lucha vital con la pintura, lo describe de la siguiente manera:
Fue un prolongado martirio, las articulaciones de sus dedos estaban hinchadas y tremendamente deformadas, ¡Y, sin embargo; ahora estaba pintando sus mejores cuadros! Mientras su cuerpo se desgastaba, su alma parecía cobrar fuerza y él expresaba sus ideas con una gran facilidad.[13]

Los cambios originados en el lenguaje expresivo de un pintor como efecto del envejecimiento y la enfermedad, quedan representados en la transformación sufrida en la obra del pintor impresionista Claude Oscar Monet. La técnica de este pintor impresionista consistía en el empleo de pinceladas yuxtapuestas, cortas, fragmentadas y rápidas, exaltando los objetos a plena luz, dando lugar a imágenes evanescentes, difuminadas, brillantes y luminosas. Con el envejecimiento esta capacidad expresiva aumenta, sus pinceladas se volvieron toscas, profundamente agresivas y expresivas, y los colores cambiaron considerablemente hacía tonos cada vez más irreales, sus últimos paisajes resultaron dolientes y pesados, con una predominancia de rojos y negros, debido, posiblemente, a las cataratas que el artista sufrió con la vejez.
Otro artista, que creo relevante traer en este momento, es el americano Mark Rothko, considerado uno de los pintores más importantes de la segunda Guerra Mundial, representante del movimiento artístico Expresionismo Abstracto. Su radical negación hacía el arte convencional desembocó tras varias fases creativas en grandes superficies abstractas de color, denominados campos sensitivos de color. El color es la base expresiva de su obra, la profundidad espacial del color inducen al espectador al dialogo con la obra. El coleccionista Americano Ben Heller, quien descubre el talento artístico de Rothko, lo expresa de la siguiente manera: «Uno tenía que internarse en la obra y (…) vagar por su interior. (…)Es la experiencia pictórica más directa que había tenido jamás.»[14]
Sus últimos años combinó continuos ingresos en el hospital por un aneurisma en la aorta a consecuencia de su hipertensión arterial, con continuos estados depresivos a causa de la separación de su segunda mujer. Sus planos de color se vieron profundamente afectados por su estado psíquico y físico, los colores empezaron a oscurecerse y a ensuciarse. El amarillo, color que expresaba vitalidad y que era un continuo ocupante de su obra empezó a desaparecer, en su lugar tomaron autoridad los grises y marrones surtidos con rojos o granates. Todo en su pintura gritaba dolor, enfermedad y tristeza. El color se iba alejando tristemente de su obra y de su vida, sería el momento de su obra más dramática, donde el color fue desapareciendo hasta llegar a la absoluta monocromía del negro. Durante su último año se dedicó a trabajar monocromías de grises y negros. La obra sin título (negro sobre gris), realiza entre 1969-1970, fue posiblemente su última obra, ya que Mark Rothko se suicidó cortándose las venas con una cuchilla de afeitar en febrero del 1970. (Imagen 2)
Podemos observar en estos casos, como la pintura se vuelve el autentico revelador de los estados físicos de su creador. La mancha, la pincelada, el color de un cuadro es inseparable del estado vital del artista. Si la enfermedad afecta a la vida del artista, esto se ve reflejado necesariamente en sus creaciones.

II.C) LA ENFERMEDAD COMO ELEMENTO DETERMINANTE DEL CONTENIDO CREATIVO

En casos como los que hemos visto y seguiremos analizando, la enfermedad se torna el elemento determinante del contenido artístico, se vuelve el centro, motivación y tema de la creación. El yo artista es equiparable al yo enfermo. La enfermedad, la otra presencia, se torna una marca de identidad, les singulariza y les ofrece una distinción que en muchos casos es tomado como eje de su inspiración artística.
El Pintor e ilustrador de cuentos de hadas Ivar Arosenius murió de hemofilia, la enfermedad de la sangre que provocaba grandes hemorragias en algunos casos mortales. Se trata de una enfermedad hereditaria que ya había cobrado la muerte a su padre y de un hermano de apenas 14 años, que murió desangrado después de que le sacaran una muela. Arosenius era muy consciente de la amenaza de sangre constante en la que vivía, y su obra artística es una muestras de ese sangriento realismo. Nunca una ilustración de un dragón herido había sangrado tanto como en su dibujo de San Jorge y el Dragón (Ilustración 1), donde podemos evidenciar la lucha de san Jorge con un dragón, que no es otra cosa que la lucha del artista con su amenazante enfermedad.

Otro pintor que cabe rescatar sería Paul Klee, pintor suizo vinculado al Expresionismo Alemán creador del grupo artístico de Munich Die Blaue Reiter (El jinete azul) y que más tarde perteneció a la Bahuaus. Su tragedia personal le llegó a los cuarenta años cuando contrajo una enfermedad de la piel llamada esclerodermia, enfermedad en la que se encogen los músculos de la piel afectando a todo el cuerpo y causando la muerte en aproximadamente cinco años. A partir de su enfermedad empezó a tener grandes dificultades para seguir pintando, describe su estado de impotencia en un cuadro llamado Un creador, donde se dibuja a sí mismo muy triste sosteniendo una cera en la mano visiblemente afectada por la enfermedad, sus estado nos recuerda a los dibujos de Renoir o Monet, al igual que en el caso de la pintura de estos dos artistas, la pintura de Klee también se vio afectada, su obra perdió el carácter alegre y vivo que tenía en sus inicios, el niño que se afirmaba vivía dentro de Klee se había hecho mayor y sabía que su final estaba cerca, sus dibujos fueron desde ese momento de una total soledad, sin embargo pintó en sus últimos años más que nunca.«Nunca había dibujado tanto, ni tan intensamente, pinto para no llorar»[15]
Sus últimos cuadros, la mayoría dibujos, conforman una despedida planeada con títulos como Will Dabei sein (prefiere quedarse) y Trennt sich schwer (se va a su pesar) y uno de los últimos Durchhalten! (Persevera), Todos representan el esfuerzo perseverante del artista por afrontar con valor los duros momentos del final de su vida.
En ambos casos, tanto Arosenius como klee, sabían que sus días estaban contados, todos sabemos que vamos a morir algún día pero, en cierto modo, ese momento es ocultado por la brevedad de la vida. Sin embargo, Arosenius se enfrentaba, con Jorge al dragón, al momento de la muerte en cada una de sus fuertes hemorragias y Klee podía ver cada día como el proceso degenerativo de su enfermedad iba afectando a todas las zonas de su cuerpo. Ambos trabajaron intensamente en sus últimos años de vida, adivinar su muerte cercana les insuflaba aire sobre la chispa de la creación y esta ardía con un vigor prodigioso. Quizás este impulso creador incontrolable se debiera a que sus creaciones le otorgaban les otorgaban la única forma de permanecer vivos más allá de su muerte, le proporcionaban de algún modo una forma de inmortalidad.

II. D) LA ENFERMEDAD COMO MOTOR PARA LA EXPERIENCIA LÍMITE EN EL ARTE ACTUAL. ACCIÓN Y CUR(ACCIÓN)

Hoy en día, el enfermo que exaltaban en el Romanticismo poetas como Novalis o Baudelaire, es considerado como una inmundicia corporal dentro de nuestra aséptica sociedad. Una sociedad donde el cuerpo estético, bello, limpio y sano es la única realidad posible. A pesar de ello, los artistas que vamos a analizar no dudaron en presentar su cuerpo enfermo y elevarlo a objeto artístico. Pese a la polémica que estas acciones puedan suscitar, por su valor transgresivo o provocador, es cierto que de alguna manera la creación ofrece también para estos artistas un forma de terapia, que facilita el tránsito por su poderosa enfermedad.
La artista Hannah Wilke quiso dejar constancia de forma autorreferencial de las etapas de su tratamiento hasta morir de forma trágica afectada por un linfoma cancerígeno en su obra póstuma Intra-venus. Su trabajo artístico intenta recoger con toda su realidad y crudeza los últimos años de su vida transitando lastimosamente por la enfermedad de nuestro tiempo: el cáncer. En su producción artística podemos encontrar varias fotografías en color de la artista agonizante, autorretratos en acuarelas que expresan de manera altamente expresionista los estados más dramáticos de la enfermedad, pinturas realizadas con el cabello que se iba cayendo a consecuencia de la quimioterapia, y algunas piezas de ensablages diversos realizados con productos médicos desechados.
No menos importante en este territorio resulta el trabajo de artista polifacético de performance Bob Flanagan, enfermo de Fibrosis quística[16] desde su nacimiento, desde los dieciocho meses fue radiografiado, pinchado con agujas y sometido a operaciones para sacarle pus y las flemas que acumulada en sus pulmones, finalmente murió en 1996 a los cuarenta años de edad, su caso supuso un ejemplo único de supervivencia, ya que la mayoría de los enfermos de Fibrosis quística mueren en la infancia, y muy pocos son los que han superado los veinte años de edad. Su trabajo artístico nos ofrece todo un catálogo de prácticas sadomasoquistas, su lema fue «Combate la enfermedad con la enfermedad»[17].
Uno de sus trabajos más representativos, tuvo lugar en 1992, bajo el título Visiting Hours (horas de visita), se trata de una instalación autobiográfica de su enfermedad. El museo queda transformado en una sala hospitalaria, tras un paseo por varios objetos e imágenes fotográficas de Flanagan sometiéndose a experiencias médicas y sadomasoquistas nos encontramos al artista acostado en una cama de hospital donde responde a las preguntas del público sobre su enfermedad. Durante los días de exposición la sala se llenó de un público expectante que deseaba conocer los entresijos de esta extraña enfermedad. Si bien, este tipo de acciones no siempre son aceptadas por el público, que no comprenden la manera en que Flanagan frivoliza con un tema de tanta seriedad, cabe resaltar el enorme apoyo y cariño que recibió en la visita de un campamento estival de niños con fibrosis quística, con los que compartía desgraciadamente esta dolencia.
Otro de los artistas que considero pertinente nombrar es Ron Athey, escritor, crítico de arte y artista performance. Su vida estuvo marcada por la religión, el sadomasoquismo, la pasión por la sangre, los rituales primitivos y en sus últimos años por su enfermedad: El sida. Una de sus últimas performances es Mártires y santos, se trata de una representación sangrienta cuya tema principal es el Sida, pero que hace referencia también a cuestiones que tienes que ver con el cristianismo exacerbado, los rituales primitivos, los miedos contemporáneos y la experiencia del dolor. Para definir, a grandes rasgos, la performance a la que hacemos referencia, traigo las palabras de Javier Martínez de Pisón y Pilar Cano en su artículo: El arte del dolor:
La obra comienza antes de que el público se dé cuenta, sin anuncio previo, sin telón: a un costado del escenario, una mujer sentada en una silla de espaladas a la audiencia, con las manos elevadas y atadas a un poste mientras alguien le pasa unas gasas de alcohol por la espalda desnuda.
De repente, el hombre saca un bisturí y le hace una serie de incisiones en la espalda. La sangre de la mujer empieza a manar. El hombre le hace varios torniquetes y le saca la sangre de las venas con jeringas, tras lo cual se la echa por el cuerpo. La representación más fiera, desgarrada y sangrienta sobre el SIDA acaba de comenzar. Su autor Ron Athey [18]
El cuerpo es para Athey, al igual que para Hannah Wilke y Bob Flanagan el protagonista absoluto de su forma de hacer arte. El cuerpo supone para estos artistas el mejor medio de expresión para hablar de su deterioro, de su enfermedad y de su muerte Entendamos que todos estos creadores, frente al rechazo público que puedan ocasionar, están comunicando y mostrando una parte de su enfermedad, y que la enfermedad potencia el intereses de auto-representación de sí mismos, yo-artista / yo- enfermo, como si tal acto, auto-representarse, de alguna forma liberara una parte de su dramática situación. Mostrar el dolor es de alguna manera compartirlo, comunicarlo, hacer al otro partícipe de tu tragedia personal.
Diría Philip Sandblom que los artistas tienen, sobre todo, una gran necesidad de buscar nuevos y particulares medios de expresión, vías de comunicación con aquellos congéneres que sepan apreciar y compartan sus más profundos pensamientos[19]. Esta tremenda necesidad de establecer contacto en ocasiones se canaliza de un modo verdaderamente extremo, donde el interlocutor es en ocasiones agredido por el mensaje. Si en el siglo XIX el pintor sueco Carl Fredrik Hill, que estaba confinado en su habitación por una grave enfermedad, arrojaba violentamente sus cuadros y dibujos sobre los transeúntes que paseaban por la calle. un caso extravagante pudo contemplarse en Minneapolis en 1994, cuando el performer Ron Athey, seropositivo por más señas, arrojó al público que presenciaba su “arte” servilletas de papel empapadas en sangre, provocando una estampida fácil de imaginar.

Resulta paradójico, observar cómo el arte persiste y se torna la razón de ser del creador, cuando este se halla en situaciones trágicas, enfermedad, dolor, tristeza, o en la cercanía de la muerte. El arte, de alguna manera, retoma la posibilidad de alejar el drama diario de estos artistas mediante el juego simbólico, les otorga alas para escapar de la realidad, como aludía Frida Khalo en su diario personal «Pies para que os quiero, si tengo alas para volar» o para sustituir una acción por otra que resulte más satisfactoria, como nos decía Paul klee. «Pinto, por no llorar». El filosofo Nietzsche en su obra El nacimiento de la tragedia afirma que «sólo el arte tiene el poder de alejar ese sentimiento de disgusto que nos causa nuestra espantosa e inútil existencia, y nos hace adoptar concepciones con las que se puede vivir»[20]

III) CONCLUSIONES

Cómo hemos visto, la creación y la enfermedad parecen tener vínculos y relaciones estrechas, varios artistas, así como escritores nos han demostrado el importante papel que desempeñó la enfermedad en su actividad creadora, debido en gran parte a su relación con lo terapéutico, que puede venir dado por varias razones:
1. Lo terapéutico de inmortalizar a través de la huella y la creación., Si recordamos los casos de ilustrados Arosenius y Klee, podríamos decir que en ambos casos los artistas eran conscientes de que sabían sus días estaban contados. Arosenius se enfrentaba, como Jorge al dragón, al momento de la muerte en cada una de sus fuertes hemorragias y Klee podía ver cada día como el proceso degenerativo de su enfermedad iba afectando a todas las zonas de su cuerpo. Ambos trabajaron intensamente en sus últimos años de vida, adivinar su muerte cercana les insuflaba aire sobre la chispa de la creación y esta ardía con un vigor prodigioso. Quizás el impulso creador incontrolable se debiera a que sus creaciones le otorgaban les otorgaban la única forma de permanecer vivos más allá de su muerte, Puesto que es la creación la que proporciona mediante el dejar la huella un medio para conseguir la inmortalidad.

2 Lo terapéutico de reorganizar la enfermedad en un proceso parecido al de la creación. Se podría decir, salvando las distancias, que ambas condiciones la creación y la enfermedad surgen y se desencadenan en un proceso parecido. La creación parte de un malestar que desestabiliza al individuo y la enfermedad también, ambas condiciones buscan alcanzar una resolución de la situación problemática, en el arte a través de la reproducción de un objeto artístico y en la enfermedad a través de la curación. Ambos fines, objeto artístico y curación, regenerarían y reordenarían temporalmente al individuo, es por ello que algunos artistas han encontrado una forma de estabilidad poniendo en objeto artístico en el lugar de la curación.

3. Lo terapéutico de representar la enfermedad. Separación/ autoconocimiento. La enfermedad puede ejercer una poderosa influencia en el desarrollo del arte y que el arte puede ser un acompañante para el enfermo en los momentos más dramáticos. Esto es así, porque el artista al representar la enfermedad a través de una obra artística, así sea con una pintura, una escultura, una fotografía o con el mismo cuerpo como elemento artístico, se desprende una parte de la enfermedad misma en forma de objeto o en forma de acción, esto ofrece una mirada desde fuera hacía la propia enfermedad y esta mirada desde el exterior ofrece una nueva concepción de cómo entender la enfermedad. Poder observar y trabajar la propia enfermedad puede proporcionar nuevas herramientas para aceptarla en un primer lugar, y después afrontarla.
4. Lo terapéutico de establecer contactos con el otro a través del objeto artístico y comunicar la enfermedad. Cómo ya hemos afirmado, el artista tiene una gran necesidad de establecer contactos con el público, en los casos más extremos ya hemos hablado de Carl Fredrik Hill, encerrado en un psiquiátrico por una importante enfermedad metal, que arrojaba sus cuadros por la ventana a los transeúntes que pasaban por la calle o el caso del Performer Ron Athey , enfermo de sida, que en uno de sus espectáculos lanzó servilletas manchadas con su propia sangre provocando la estampida general. Cierto es, que en ese acto comunicativo el artista deposita una parte de su malestar en el otro que debe contener con su mirada, la necesidad de compartir y depositar en otro tu malestar a través de la creación permite un estado de comunicación profundo que resulta para el enfermo altamente liberador.

5. Lo terapéutico de acercar la enfermedad al espacio público, erradicar la anormalidad. En casi todos los creadores que hemos visto resuena una voluntad de exhibición de su enfermedad, así sea de una manera pictórica, escultórica o performativa, todos estos artistas han buscado sacar la enfermedad de los hospitale, lugar privado de sufrimiento, y proporcionar un nuevo espacio público para entender la enfermedad. El espacio escenográfico que predomina en muchas de las obras tiene que ver con el ambiente hospitalario. Este ambiente hospitalario va desde los vendajes que observamos en los dibujos de Renoir, en la oreja cortada de Van Gogh, en las prótesis y corsés de las pinturas de Frida Khalo, pasando por la recogida de accesorios clínico específico, como en la obra de Hannah Wilke o en el traer el espacio hospitalario al museo como hizo Bob Flanagan en su instalación Visiting Hours (horario de visitas). Con estas obras de arte la distancia entre lo público y lo privado en la enfermedad de desdibuja, el lugar hospitalario se desacraliza, convirtiendo en un lugar más cercano. Aquella distancia a la que hacía alusión Susan Sontang, separando a la salud y a la enfermedad en dos ciudadanías diferentes, se acorta. El reino de los enfermos[21] se muestra como un lugar más accesible para la manada de los seres normales[22]

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS:

[1] LAING, Joyce H, Tuberculous Paintings, Ciba Symposium 12, 1964
[2] HILL, Adrian, Art versus illness [El arte contra la enfermedad] Londres, George Allen and Unwin, 1948
[3] NOVALIS, citado en SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995.
[4] PROUST, Marcel. Enfermedad, Creatividad, decencia y oscuridad. Editorial Centaurus, 1999
[5] MARTINEZ DÍEZ, Noemí y LOPEZ FERNÁNDEZ CAO, Marián, Arteterapia. Conocimiento interior a través de la expresión artística. Editorial Tutor psicología. Madrid, 2006. pág. 94
[6] SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995
[7] SONTANG, Susan citado en MARTINEZ DÍEZ, Noemí y LOPEZ FERNÁNDEZ CAO, Marián, Arteterapia. Conocimiento interior a través de la expresión artística. Editorial Tutor psicología. Madrid, 2006. pág. 94
[8]HEINE, Heinrich, Ibid. Pág. 37.
[9] GREENE, Graham, Ibid. Pág. 37
[10] BLIXEN, Karen, Ibid.Pág 131
[11] BROYARD, Anatole, The New York Times Book Review, nº1 (Abril, 1990)
[12] HERRERA. H, Frida, editorial Harper & Row, Nueva York, 1983.
[13] JACK, D, Matisse on art. Londres, 1926, citado en SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995
[14] HELLER Ben, citado en BAAL-TESHUVA, Jacob. Rothko, editorial Taschen, Bonn 2008
[15] KLEE, Paul, citado en SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995, pág 167.
[16] La Fibrosis quística es una enfermedad hereditaria que produce en el cuerpo una acumulación de espesas y pegajosas mucosidades que obstruyen el aire que pasa por los pulmones, hasta el momento es incurable, la mayoría de los enfermos mueren siendo niños o antes de los veinte años de edad
[17] BOB FLANAGAN citado en KAUFFMAN, Linda S, Malas y Perversas, fantasías de la cultura y el arte contemporáneos, Editorial Frónesis Cátedra, Universitat de Valencia, Madrid , 2000, pág. 37.
[18] MARTÍNEZ DE PISÓN, Javier y CANO, Pilar, Artículo El arte de dolor, citado en SANTAMARÍA BLASCO, Lourdes, Ron Athey. Escenas de una vida dura. Tecnologías estrategias para la creación artística, publica Universidad Miguel Hernández de Elche, Departamento de Artes, Humanidades y Ciencias Sociales y Jurídicas, Grupo de investigación TECREA, 2006.
[19] SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995
[20] NIETZSCHE, El Nacimiento de la Tragedia,
[21] SONTANG, Susan citado en MARTINEZ DÍEZ, Noemí y LOPEZ FERNÁNDEZ CAO, Marián, Arteterapia. Conocimiento interior a través de la expresión artística. Editorial Tutor psicología. Madrid, 2006. pág. 94
[22] SANDBLOM, Philip. Enfermedad y creación. Cómo influye la enfermedad en la literatura, la pintura y la música. Editorial Tezonte. Fondo de cultura económica, México, 1995

EXPOSICIÓN COLECTIVA

2009-06-06T00:32:00.005+01:00

Imágenes del Inconsciente

¿Qué significa una imagen visual determinada? ¿Qué misterios encierra un conjunto de líneas y colores construyendo formas, a veces reconocibles e inquietantes, otras abstractas y anecdóticas? Cada fragmento de la vida, cada experiencia es motivo de reflexión e inspiración para el artista. Detrás de cada trazo, detrás de cada color y cada acción que se implica con el espacio, existe un artista que se piensa, que se muestra y que se entrega al descubrimiento de sí mismo a través la imagen.

Imágenes del inconsciente es un proyecto expositivo que reúne en el centro social universitario de la Universidad de Murcia, con motivo del II Congreso de Arteterapia, a un total de 19 artistas: Fabiola Andreu, Meritxell Batsa, Carlos Cartaxo, Paloma Chávez, Raúl Domínguez, Alba Fandiño, Bárbara Fernández, Cháro Fernández, Natsumi Kanno, Eva C. Mesas, Cayetano Navarro, Sara Oblisar, Evelina Podjapolskaja, Robert Podjapolskis, Tsering Riera, Katarzyna Rogowigz, Noelia Sánchez, Eva Santos, Manel Santos.

La exposición pretende ser un espacio de expresión multidisciplinar, donde encontraremos lenguajes plásticos muy diversos, con la intención de abrir nuevas vías de reflexión entre el arte, la expresión, el psicoanálisis y la terapia. Un espacio para transitar, para pensar desde la imagen, para buscar y para encontrarse.

Universidad de Murcia. Campus de Espinardo
Sala de exposiciones del Centro social Universitario de Murcia
Inauguración día 11 de Junio a las 11.00h
hasta el 20 de Junio

2009-05-31T15:44:00.001+01:00

OMAR BARQUET. POÉTICAS DE LO INHABITADO.
Revista Elniuton (www.elniuton.com)
Redactor: Eva Cristina Mesas

Las bestias tienen madrigueras, el ganado, establos; los carros se guardan en cobertizos y para los coches hay cocheras. Sólo lo hombres pueden habitar. Habitar es un arte. Únicamente los seres humanos aprenden a habitar.
ILLICH, Iván, (1978) «El mensaje de Ghandhi»

Habitar lo inhabitado podría ser, desde una mirada holística, el tema central de la obra de Omar Barquet. El espacio buscado o encontrado se establece como el inicio a partir del cual el artista despliega todo su imaginario constructor, proyectos habitables a modo de objetos, instalaciones e intervenciones que pretenden trasformar en casa un sitio determinado.
Barquet reflexiona sobre el lugar, sobre lo habitable de cada espacio, se apropia de lugares públicos y privados para reestructurar y cuestionar sus usos. El dibujo, la fotografía, la pintura y las técnicas gráficas le sirven como herramientas de planteamiento para desarrollar sus proyectos, también utiliza el lenguaje del diseño, las artes plásticas y elementos cotidianos encontrados en la calle para modificarlos a modo de collage o ready-mades, y reflexionar a partir de ellos sobre diversas situaciones espaciales.
En su trabajo artístico observamos sobretodo dos vertientes diferenciadas, una primera dedicada a su obra gráfica y una segunda dedicada a sus instalaciones en el territorio. Sin embargo, ambas se construyen bajo un proceso similar, puesto que a partir de los materiales existentes se comienza a articular un mundo de relaciones, donde espacios posibles e imposibles se estructuran, para dar paso a un nuevo lugar reconvertido de experiencias estéticas.
Omar diría que su trabajo parte principalmente de situaciones donde el individuo es vulnerable ante su entorno natural y el entorno que el mismo se construye para protegerse, es por eso que su obra está cargada de estructuras de resguardo, distribuciones de cubierta, techos a dos aguas y casas donde el exterior y el interior se confunden en los habitáculos cerrados de muros abiertos. En su obra denominada techo azul (2005) el artista construye un techo que proyecta luz, la luz proyectada permitirá dibujar un espacio virtual que delimita la planta de esa casa imaginaria. En ocasiones reinventan sus habitáculos en construcciones que han sido preparadas para otros usos, pondremos de ejemplo su proyecto titulado Rampa- Habitación (2007), donde construye su habitación en un rampa de skateboarding. En este caso, además de cuestionar el uso de los elementos constructivos, establece reflexiones de cómo es posible obtener un diálogo poético entre lugar de reposo (habitación) y un lugar de movimiento y aceleración (rampa de skateboarding) que son, en definitiva, uno mismo. Otras veces sus proyectos se establecen en torno a espacios cambiantes y transportables, en el caso de su proyecto cabinas (2007), donde realiza unos artefactos móviles que permiten poder cargar con su estructura de resguardo a modo de mochila sobre sus espaldas. El cualquiera de los casos la obra de Omar Barquet reinventa lugares hechos de sugerencias sensibles que podrán rehabitarse en la experiencia subjetiva de cada espectador.

El Filósofo Alemán Martín Heidegger en su obra Construir, Habitar, Pensar, diría: «Por muy dura y amarga, por muy amarga y amenazante que sea la carencia de vivienda… La auténtica penuria del habitar reside en el hecho de que los mortales primero deben buscar la esencia de habitar. Es decir, tienen que aprender primero a habitar»[i] Quizás, esta afirmación es algo que conozca bien Omar Barquet, el cual ensaya una y otra vez la esencia de habitar sobre varios escenarios, espacios que perdieron lo habitable en la ferocidad de las llamas (casa quemada, 2005) o en el desuso (línea azul, 2005), para recuperar desde la poesía un resquicio de esa esencia, que dura sólo un instante, para después escapar silencioso hacia nuevos espacios antes que estos se tornen habitables del todo.
Y es que, la esencia de habitar consistiría en tomar y marcar un territorio con nuestras propias herramientas emocionales, pasearlo, recorrerlo, dormir en él, manipularlo, construirlo sentimentalmente dejando en él un segmento de nuestro paso, para que una vez fuera de él podamos comprenderlo, habitarlo.

[i] MARTIN HEIDEGGER. Construir, habitar, Pensar. Darmstadt, 1951

DIS-(LEXICA) - Querida Eva Cristina:

2009-04-08T14:01:00.004+01:00

Cada vez desconfío más de la casualidad, ni siquiera sé si es cierto eso de que el que busca encuentra o quizás encuentra sólo quien evita buscar. Quizás yo me resistí a buscar. Me obligue a buscar como si fuera una niña malcriada estirándome de las orejas y me resistía a encontrar agarrándome a los muebles y a las puertas, en una injusta pataleta conmigo misma mientras otro “yo” me estiraba fuertemente de la chaqueta.

Querida Eva Cristina:

¡Ojalá no existiera el colegio! Han pasado los años y sinembargo, sigo escuchando esa queja profunda en los muros sordos, cada vez más sordos, de un patio de colegio. Un gran escudo se alza en las puertas de un colegio de prestigio. Nos conocimos por “casualidad”, nos empeñábamos en borrar absolutamente los rastros de una operación matemática que había salido mal, pero el papel estaba cada vez más sucio y terminaste rompiéndolo de tanto frotar, en ese momento te distes cuenta de lo difícil que resulta borrar las huellas y de lo difuso que resulta mucha veces escribir encima. ¡No me gustan los papeles socios! Te costó bastante aprender las tablas de multiplicar. Es más, creo que nunca las aprendiste, pero un día tuviste que aprender a restar (llevando una) mientras decías: ¡Adiós!.

Es verdad que nunca entendías lo que leías, pero ahora te das cuenta de que en eso no eras la única.

Finalmente decidieron que tenías que debías tener una educación especial, te sacaban de clase para hablar con la psicóloga y aquello para ti era mucho más que un desahogo, realizábamos una serie de ejercicios personales que ni tú ni yo entendíamos y que cada vez parecían más enrevesados. ¡No entiendo nada de lo que me dicen en el cole!. Todo un galimatías recogido en un cuaderno “inri” rojo con las puntas rehusadas y abiertas, en el que ponía: “Cuaderno de Eva”. Un cuaderno sucio, lleno de borrones (recuerdo que cuando el borrador no daba para más, te chupabas en dedo e intentabas borrar con tu cuerpo), hojas rotas, guías borradas, separadas las palabras y unídas las frases, letras montadas y giradas. Confundías las vocales y cambiabas las consonantes, perdida en un mundo de letras rotas que se disgregaba sobre las líneas obsoletas de un cuaderno donde era imposible mantener el equilibrio. ¡No me gustan los papeles sucios, quiero un cuaderno nuevo!

Te asomabas a las papelerías siempre en busca de un cuaderno y un lápiz lo suficientemente bonito como para tapar el horror. El horror de las letras inconexas, de lo caótico de un espacio separado, des-integrado, de unos muros que encierran las palabras y las callan. El Horror de unas aulas que sentencian. Querida Eva: Eva la fea y Eva la tonta, seguiremos buscando la belleza en los colores y la sabiduría en los libros llenos de ilustraciones que tanto nos gustaban, siempre fuimos una y una multitud, quizás nunca seamos capaces de ordenar las palabras ni de vestirnos a la moda, pero lo que más me gusta de ti, es que siempre estarás ahí para seguir siendo “yo misma”.

QUEDA PROHIBIDO SUICIDARSE EN PRIMAVERA

2009-03-30T22:01:00.002+01:00

Queda prohibido suicidarse en Primavera,
Dejar de escuchar los pájaros y de buscar formas en las nubes.
Queda prohibido olvidar los sueños,
No buscar la felicidad y no creer en el destino,
Queda prohibido mirar hacia otro lado para no decir: Te quiero
Desearte solamente cuando no te tengo.
Queda prohibido intentar caer bien a todo el mundo
Y fingir interés por las personas que no me importan.
Queda prohibido fingir que olvide mi pasado,
Y convertirlo cada día en mi presente.
Queda prohibido no abarcarte con mis brazos como si fueras a desaparecer en un instante,
Olvidar las risas por las que empecé a quererte.
Queda prohibido no vivir cada segundo como si fuera el último suspiro,
Pensar que existen más días que longanizas.
Queda prohibido dejar de saltar en los charcos y de cantar bajo la lluvia,
Queda prohibido suicidarse en primavera.

Caótica Ana

2009-03-24T16:57:00.006Z

Quisiera ser inmortal y morir sólo en la películas, quisiera ser ordenada como mi vecina y que mis lapiceros de color siempre estuvieran ordenados por gamas y con punta. Quisiera que no hubiera más calcetines desemparejados en mi armario. Qusiera ordenar los desastres de mi cajón. Quisiera entender mi orden y mi caos.

10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1, 0… Hemos entrado en hipnosis.

A partir de ahora todas nuestras ideas sobre cómo se ha de contar una historia han sido borradas. Ahora somos poetas y sentimos como ellos. Ya no hay personajes, no hay principio ni final, no hay trama, ni nudo, ni desenlace. Estamos viendo una poesía. Estamos ante una metáfora, una forma distinta de transmitir la dramática relación entre dos simbólicos todavía muy disociados: lo masculino y lo femenino. Se nos presentan estos simbólicos en forma de cetrería: halcón oscuro y paloma blanca representan estos contrarios. En lenguaje burdo se nos muestra la poderosa fuerza del halcón cazador: varón al acecho que busca la presa débil para alardear de su poder y grandeza. La paloma muere desangrada, víctima de la garra poderosa e infalible del presumido halcón. Dramática visión se nos muestra, acabando así, con su muerte, la primera de las estrofas.

Y pronto comienza la segunda: expresión del protectorado patriarcal que aleja a la mujer de todo conocimiento e implicación social: sólo vale la enseñanza guiada de la “bestia parda” que, sin embargo, se sabe limitada y caduca. Pronto aparece la “mecenas” femenina que rescata a la protegida e indefensa paloma de su cueva y vida cavernícolas. La “bestia parda”, el animal, el hombre ya longevo, sabio y cansado, se sabe impotente y la deja volar. Nuevos aires mueven ahora las alas de la paloma; pero esta vez no hay quien la sujete: es para ella una sensación nueva ser libre. Busca con sus manos la protección de siempre, pero no encuentra sujeción: sonríe.

La “mecenas” femenina es la liberación de lo sensible: busca jóvenes especiales que, a pesar de sus miedos y costumbres, tienen en su interior el potencial de lo femenino y lo poético. Son ellos el futuro, la esperanza creadora de un nuevo mundo. Pero todos ellos tienen algo en común: miedos, traumas, puertas cerradas pendientes de abrirse para acabar con sus pasados y el pasado de la historia: es el arte y lo estético su salida. Se busca dar un sí a la libertad sensible para superar lo meramente racional, la frialdad lógica patriarcal y su violencia.

Entre tantos miedos y temores irracionales aparece fortuitamente el amor. La inmensidad el conocimiento, como no, representada en un varón, deja embriagada de amor a la paloma débil hasta ahora aislada. Said es un ejemplo del oscuro masculino, el halcón que con su garra penetrará en el corazón y cuerpo de la paloma ingenua que morirá en vida presa de su pasión. Pero el varón oscuro, también víctima de la violencia masculina, huirá dejándola sola y sin respuestas, haciéndola sentir culpable y responsable de algo que desconoce.

Aparecen ahora alusiones indirectas al resentimiento femenino. El dolor de Linda expresa exageradamente la disociación masculino/femenino. De forma hostil enseña las consecuencias del rumbo de la historia: ellos violadores, ellas putas. Ana, la paloma, es sometida a regresiones. Se enseña así la cantidad de injusticias históricas que ha sufrido lo femenino. A modo de reminiscencia platónica, se resucita la conciencia femenina, se recuerda la memoria de tantas féminas sufridas y negadas: metáfora perfecta que evoca al segundo plano que ha tenido la mujer en la historia. Ana, la paloma, se erige como la elegida salvadora. Pero falta un paso más. Las voces de Linda son ahora un barco que llevará a Ana hacia una nueva liberación: ahora toca actuar. Ana es la reencarnación permanente de lo femenino: ya sea en forma de ave, ya sea en forma de sufrida saharaui.

En la ciudad “más libre del mundo” se desarrolla la última acción de este simbólico femenino. Una nueva regresión muestra otra terrorífica injusticia: la opresión del pueblo indígena norteamericano. Ella, víctima otra vez del ave poderosa que siembra discordias entre los hombres, muestra también en su proceso una parte más de la decadencia masculina: hombres embriagados y holgazanes, pero poderosos, que magullan lo femenino.

Ya el destino es inevitable: toca buscar al nuevo “señor de la guerra” para ejecutar la venganza. Y de forma fortuita consigue llegar a él. Acaba le película de idéntica forma a la que empieza. El excremento de la paloma sobre el “señor de la guerra” enlaza con la escena primera de la cetrería, donde el halcón es cegado con el mismo acto. Ese es el punto débil de lo masculino. Y lo femenino sabe cómo cegarlo y desquiciarlo. Pero en esta última ocasión la fémina no muere: desde la conciencia es capaz de aguantar el sufrimiento. Ya es inmune. Ya lo masculino no puede vencer a lo femenino: por eso sonríe. El trabajo está hecho. Se rompe con nuestra herencia griega de la misoginia. El rumbo del futuro será a partir de ahora uno nuevo: un mundo feminizado.

“Caótica Ana” es una apología de lo femenino, de la fecundidad. En muchas ocasiones sólo la sensibilidad poética es capaz de ordenar el caos para convertirlo en cosmos racional (que es ciego ante el desorden) El caos de Ana es también el aparente caos de la película. Es también el caos del origen de todo, pues caos es, etimológicamente, lo primigenio, lo que está antes del cosmos: es lo femenino, lo fecundo, lo que da el origen de la vida. “Caótica Ana” es también una denuncia del escaso desarrollo cultural que ha sufrido la sensibilidad poética y femenina, una denuncia ante la permanente ocultación de este esquema interpretativo de la realidad (por eso cuesta tanto entender el orden de esta película). El Caos de Ana es una muestra del origen de nuestra historia y su desarrollo. Gracias a ella recordamos lo que tanto hemos olvidado, negado y oprimido: lo femenino, al indefenso, al pobre, lo diferente…. Todo aquello que se salga de lo heredado, de lo aprendido, de la costumbre, es negado, rechazado, masacrado. ¿No debiéramos dar un paso más y romper viejos esquemas para dar paso a nuevas sensibilidades? Quizás así, películas como ésta no serían tan cuestionables.

Publicado por ABEJITO, Vía: http://revistacanaria.blogspot.com/

FRANCIS BACON. SECUELAS DE UNA VIDA DAÑADA

2009-02-20T11:59:00.003Z

«Bacon supo como nadie retratar la soledad de los seres desgarrados por la vida,
que tratan de limpiar sus pecados en sucios y desolados lavabos; seres
alumbrados por el sol degollador y concentrados en una anémica bombilla, la cual
ilumina de malas maneras las estancias huidizas»

[1]

ARTE Y VIDA

Como veremos a lo largo de esta monografía, la vida de Francis Bacon fue una vida marcada por el dolor y la muerte. Bacón fue el tercero de cinco hermanos y nació en Dublín en 1909. Su padre, de carácter rígido y violento, era militar y se dedicaba a la cría de caballos. Su madre, una burguesa adinerada mucho más joven que su padre, no fue demasiado maternal. Conoció la angustia de perder a un ser querido muy joven, con tan solo siete años ve morir a su hermano menor y cuatro años más tarde muere su otro hermano varón víctima del tuétano.

Toda su vida vivió los padecimientos del asma crónica, enfermedad que empeoraba cuando Bacon se acercaba a los caballos de su padre. Aún así, trabajo durante toda su infancia cuidando y limpiando a los caballos y recibiendo importantes palizas (quemaduras con cigarros y azotes con las correas de los caballos) cuando el trabajo realizado no era del agrado de su padre. Pasó toda su vida buscando el reconocimiento de un padre que le repudiaba y le maltrata. Con el desarrollo de su sexualidad se dio cuenta que su padre se había convertido en el centro de su deseo sexual. Desde muy joven aprendió a asociar el amor y el dolor, así fue como aparecieron sus primeras conductas homosexuales y masoquistas con los mozos irlandeses en las oscuras cuadras donde aguardaba con deseo y temor las duras represalias de su padre.

A la edad de dieciséis años fue descubierto por su padre probándose la ropa interior de su madre, este hecho sumado a su declaración de homosexual e intenciones de ser artista colmaron la paciencia de su padre, de modo que fue expulsado del hogar para siempre. Bacon se vio obligado a buscarse la vida por sí mismo, lejos del respaldo familiar, en ese momento nació el Bacón altanero y rebelde que utilizó el pincel a modo de catana, para matar freudianamente a su padre, algo que Bacon jamás consiguió ya que su padre fue el único hombre al que realmente amó en los cuerpos de todos los amantes que desfilaron por su vida.

Bacon se convirtió en un mito antes de morir, amigo inseparable de todos los vicios (jugador, alcohólico y promiscuo), un hombre de experiencias extremas, siempre al borde del delirio, considerado en vida un genio maldito. Un ateo que se atrevía a pintar Papas cadaverizados y escandalosas crucifixiones. La pintura de Bacon ofreció por primera vez el cuerpo a la redención de la carne, acerco la pintura al límite de lo humano, construyó una obra sin precedentes en su época y se convirtió en un icono de la Historia de Arte de Occidental.

[1] VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo. Francis Bacon. La deriva del yo y el desgarro de la carne. Publicado en la Revista Arte, individuo y sociedad, vol. 18, Universidad Complutense de Madrid, pp. 151-164 , Madrid, 2006

EL DOLOR DE CUERPO PRESENTE. SOBRE LA (RE)PRESENTACIÓN DEL DOLOR EN LAS EXPERIENCIAS DOLOROSAS DEL BODY-ART

2009-01-08T16:44:00.005Z

«Ser artista significa curar continuamente las propias heridas y,
simultáneamente, abrirlas de nuevo en el mismo proceso»[1]
Annette Messager, 1972

BODY ART. EL CUERPO COMO DOMINIO PARA LA EXPRESIÓN

El cuerpo ha ocupado desde siempre un papel fundamental en la Historia del Arte. A propósito de esto, Tom Flynn diría que: «el cuerpo humano se encuentra como punto de referencia del discurso artístico desde sus comienzos»[2]. Y es que, el hombre ha representado desde su origen lo humano en sus creaciones y lo ha interpretado desde todas las formas plásticas que existen. Sin embargo, la presencia del cuerpo como soporte plástico no será una realidad hasta el último tercio del siglo XX, momento en que surgen las manifestaciones artísticas unificadas dentro del movimiento de post-vanguardia body art.
Con el body art se introduce por primera vez el discurso del cuerpo como objeto de arte. Diría el crítico francés y teórico de los manifiestos body-art François Pluchart: «El cuerpo es el dato fundamental, el placer, el dolor, el sufrimiento, la enfermedad y la muerte se inscriben en él, dibujando un individuo socializado, es decir, capaz de satisfacer todas las exigencias y apremios del poder en cada momento»[3]. Según estas palabras, parece que para los artistas del body art ningún otro material resultaría lo suficientemente orgánico como para representar el paso del hombre por la tierra. Y es por ello que el cuerpo se vuelve para estos artistas lienzo, barro, pincel y plataforma para la expresión artística.
El cuerpo emerge como el protagonista de la experiencia artística y, aunque no todas las acciones del body art conllevan un peligro real para la integridad del cuerpo del artista, el dolor y el sometimiento del cuerpo a experiencias límite constituirán una de las estrategias más reiterantes entre los representantes de este movimiento. Desde el body-art, y de forma más literal en las acciones que veremos a continuación, la representación del dolor empezará a rechazar toda forma de ilusionismo y sublimación para evocar, como veremos, destructivamente lo Real en sí mismo.

EXPERIENCIAS ARTÍSTICAS LÍMITE: ACCIÓN /ATRACCIÓN

En 1963 Günther Brus, conocido por su pertenencia al grupo de los accionistas vieneses, realiza una acción que sería el pistoletazo de salida a toda una serie de acciones donde el sometimiento de cuerpo y la experiencia dolorosa empieza a dejarse ver considerablemente. Brus lanza su cuerpo bruscamente contra cuatro muros de piedra rebotando como si fuera una pelota de tenis, el estruendo de los golpes se extiende durante varios minutos. La acción resultó tan impactante que los espectadores creyeron que se trataba de un acto suicida, lo cual provocó que algunos asistentes huyeran horrorizados de la sala. Finalmente, y a pesar de la brutalidad de la performance, su autor no obtuvo daños graves, únicamente algunas magulladuras y hematomas en su cuerpo, que se convirtieron en la huella pasajera de esta brutal acción.
Unos años más tarde, exactamente en 1976, otra acción provocó la conmoción en el panorama artístico. Se trata de la performance de la artista Yugoslava Marina Abramovic titulada Rythm 0, en esta acción la artista ofreció su cuerpo al público y colocó sobre la mesa varios instrumentos que podían provocar dolor o placer para que el público interaccionara libremente sobre el cuerpo de la artista. En un primer momento, el público permaneció inmóvil dando vueltas alrededor de ella, pero a medida que fue pasando el tiempo empezó a intervenir rajándole las ropas y realizándole heridas en la piel con cuchillas y otros utensilios. La situación sobrepasó los límites cuando un espontáneo colocó una pistola cargada en la mano de Abramovic, impulsándola a apretar el gatillo. Fue entonces cuando intervino la policía y la acción se dio por concluida.
Muy cercana a las convicciones de Marina Abramovic, encontramos las acciones de la francesa Gina Pane, que toma como base de su trabajo la herida. En su obra el maltrato del cuerpo constituirá una suerte de ritualismo donde el proceso liberador que le proporciona el dolor le devuelve la integridad dañada. En 1971 realiza una acción titulada: Escalada sin anestesia, en la cual desliza sus pies y sus manos, sin nada que los proteja del dolor, por una escalera hecha de planchas metálica de aceradas aristas, provocándose profundas heridas sangrantes.
Otros artistas que continuarán ahondando en la experimentación de los límites de lo corpóreo y el aprendizaje del dolor serían los norteamericanos Vitto Acconci y Chris Burden. Acconci estaría interesado en la experimentación del dolor sobre su cuerpo sin intermediarios, a partir de las herramientas de agresión que le ofrece su propio cuerpo. Para ello cubre la boca con sus manos hasta el punto límite del ahogo o se realiza marcas a través de arañazos y mordiscos. En 1971 realizó una acción titulada: marcas registradas en la que el artista desnudo muerde con gran violencia su cuerpo y después aplica sobre las zonas mordidas tinta de color negro para después realizar una impresión de esas huellas-dolor sobre una lámina de papel.
Las acciones de Burden, por otro lado, llegaron a ocasionar verdaderos peligros tanto para él como para los espectadores que asistían a sus performances. Una de sus performances más famosas es la titulada Disparo, en ella Brus fue disparado por un colaborador con un rifle a una distancia de 4`5m, el disparo alcanzó su brazo arrancándole un buen trozo de carne. La finalidad de Burden, según nos cuenta, era vivir la experiencia de recibir un disparo sin que existieran intermediarios, Burden dice así:
Cuando hice que me dispararan, intenté saber de una manera científica y física lo que ello significaba. La mayoría de la gente intenta evitar estas situaciones, pero, sin embargo las ha hecho suyas, las ha interiorizado, tiene una idea de lo que ello significa[4]

Dentro de estos parámetros podríamos nombrar también el trabajo de artistas como Sterlac y Fakir Mutafar, conocidos por sus dolorosas técnicas de distorsión corporal, modificación y perforaciones. Sterlac se ayuda de la estimulación muscular y de descargas eléctricas para ejercerse dolor. En su performance Para soportar la estructura, realizada en 1979, pasó tres días atrapado entre dos tablas colgadas de un haz de estacas, con la boca y los párpados cosidos con un hilo quirúrgico. El trabajo de Fakir Mutafar destaca por las prácticas dolorosas en las que eleva su cuerpo mediante ganchos de acero inoxidable ensartados en la piel.
Otro artista que cabe citar sería el madrileño David Nebreda, sus fotografías retratan toda clase de auto-mutilaciones y auto-torturas reales, el dolor y la tortura constituyen la base principal de su trabajo artístico, además de la única forma de terapia para sobrellevar su esquizofrenia.
Como hemos visto, estas representaciones del body art nos muestran la imagen más dolorosa del cuerpo, nos muestran el dolor a través de las heridas sangrantes de esos cuerpos mutilados y mutiladores. Estas acciones han sobrepasado en los últimos años los límites reales de la vida y de la muerte para convertirse en acciones/atracciones donde la posibilidad de un peligro real genera una importante descarga libinal tanto para los artistas que lo ejercen como para el público que lo observa. Podríamos decir, que el dolor en las acciones del body art tendría que ver con una forma de somatización de otras cuestiones: cuestiones de identidad, políticas, sociales o incluso religiosas, para todas ellas el cuerpo es un lugar donde dejarse ver, donde el pensamiento se hace carne. Diría François Pluchart: «Mediante el sufrimiento y el riesgo (…) el cuerpo se proyecta como conciencia del ser. Es pensamiento puro»[5]

PENSAMIENTO-LACAN

El problema esencial que se plantea en las acciones que nos ocupan es su relación con la realidad, se trata de una forma de arte donde se difuminan las fronteras entre la presentación y la representación, entre la vida y la muerte, entre lo que forma parte de la ficción y lo que forma parte del mundo real. Se nos presenta un dolor real, explícito, sin intermediarios, superando las fronteras de la literalidad y del exceso, sin embargo esta presentación real surge en el territorio del arte, un territorio que pertenece a la representación y a la ficción.

El teórico y crítico de arte Hal Foster utilizó la noción de lo Real en su obra El retorno de lo real para hablar de este tipo de acciones y en general de una serie de preocupaciones comunes en el arte del final del último siglo que giran en torno al cuerpo. Desde entonces este término se ha convertido en un término maestro de la crítica de arte utilizado para analizar el arte que trabaja en torno al trauma, lo obsceno y la abyección. Foster diría: «La obra de estos artistas se engloba bajo la idea de un realismo traumático que opera desde lo real entendido como efecto de la representación a lo real como un evento del trauma»[6].

Cuando Foster se refiere a lo Real, lo hace aludiendo al término Lacaniano, para el psicoanalista Jacques Lacan[7], existen tres registros o dimensiones del sujeto: lo Imaginario, lo Simbólico y lo Real. A partir de los años sesenta, Lacan comienza a dejar de lado el pensamiento estructural y la atención a lo simbólico para centrarse en el estudio de lo Real. Lo Real, para Lacan, resultaría un imposible para el sujeto, una dimensión que este jamás podrá alcanzar. Lo Real se escapa a su significación, por ello es también denominada por Lacan como la Cosa, por su incapacidad para nombrarse o simbolizarse, ya que se encuentra fuera del lenguaje, más allá del significado, y por tanto no puede ser simbolizado.

Lo Real, en palabras de lacan es «lo que vuelve siempre al mismo lugar», Por tal razón sólo puede ser repetido y nunca puede ser representado. Su repetición es lo que hace que siempre retorne y que genere en el sujeto una ansiedad y angustia traumática, ese Real sustenta al sujeto, es en centro alrededor del cual este gira incansablemente, el objeto y fin que persigue el sujeto víctima de un deseo irrefrenable. Y sin embargo, este objeto es siempre inalcanzable, ya que cuando el sujeto se acerca demasiado a la satisfacción de su deseo, este literalmente se desmonta, se desintegra y su significado se pierde. Diría Miguel A. Hernández-Navarro en su ensayo titulado la so(m)bra de lo real:
La Cosa, podríamos decir, es la ausencia necesaria que cohesiona y mantiene al sujeto, el vacío que sostiene la estructura borromeica del Real, Simbólico, Imaginario. La cosa es, por tanto, un lugar. Un lugar que sólo está cuando no está: Por eso no es posible llegar a ella, porque cuando nos acercamos, desaparece. [8]
Como vemos en gran parte del arte del siglo XX y de manera literal en las acciones artísticas que hemos presentado, el artista ha intentado penetrar de manera destructiva en el terreno de lo Real, el artista se ha convertido en una víctima de un deseo de realidad que le separa cada vez más del objeto. Las formas de arte que hoy nos ocupan son la consecuencia de un deseo excesivo del hombre por acercarse a la muerte, de un deseo excesivo por abordar el cuerpo en términos de realidad, de un deseo excesivo por sentir el dolor, un deseo que al acercarse tanto a la realidad acaba aniquilándose. Según esto, traemos las palabras del teórico Francés Marcel Proust, que en su obra titulada de la imaginación y del deseo, diría: «Cuando más avanza el deseo hacía su del satisfacción más se aleja de su objeto, porque el deseo no nace ni subsiste del de la realidad»[9]
Esta pasión por la Realidad es un deseo que se escapa a toda forma de representación o simbolización, un deseo que no puede ser nombrado, es un deseo al que sólo puede ser a través del paso a la acción, y en esta delgada línea entre la vida y la muerte, entre la presentación y representación es donde el deseo de desintegra arrastrando consigo al objeto. El sujeto queda hueco, desprovisto de todo lo que le había llevado hasta allí, condenado, por tanto, a la angustia de un eterno volver.

CUERPO, DOLOR Y REALIDAD.

A Pesar del impacto o rechazo que puedan provocar estas acciones y al margen de intentar elaborar un medidor de su valor artístico, veremos como estas manifestaciones artísticas tienen mucho que decir sobre la concepción del cuerpo en la vida cotidiana, en relación al arte y al fenómeno de la Realidad.
Desde los inicios de la vida el ser humano se ha visto envuelto en actos morbosos y despiadados que constituían un importante eslabón entre su vida social y sus formas de religiosidad, los sacrificios humanos, los rituales sangrientos, las luchas de gladiadores romanos e incluso las fiestas orgiásticas medievales participan de la misma atracción que las acciones artísticas que hemos tratado. La presencia de un peligro eminente, la aproximación de la muerte, la experimentación del dolor ajeno o propio atraen a la humanidad, resulta que la condición humana en sí es inherente al gusto por la transgresión y el impacto. La herida nos atrae, como seres morbosos nos asomamos a esas grietas sangrantes para encontrarnos una interioridad que por un lado nos asusta, porque nos recuerda a nuestro patetismo como seres vivientes, y por otro lado nos atrae, puesto que de alguna manera la cercanía del dolor nos invita a sentir de una forma más real la integridad de nuestro cuerpo, que en ocasiones se nos presenta como olvidado.
Pedro A. Cruz en su obra: La vigilia del cuerpo, afirma que todas estas estrategias dolorosas tienen como objetivo despertar al cuerpo ante el adormecimiento en que lo sume la cotidianeidad[10]. Según esto, existe en nuestro día a día un deseo de no sentir el cuerpo, de olvidarlo cuando todo va bien y sólo regresar a él cuando se rompe nuestra estructura. Retornamos al cuerpo en los momentos de fatiga, de dolor, cuando se abre una herida, o en los momentos de sexualidad y placer, mientras el resto del tiempo se hace del disimulo del cuerpo un acto de normalidad. Evitamos sentir el cuerpo porque como dice José Miguel Cortés: «Una existencia corporal es producto de ese desgarramiento profundo que se produce en la aceptación del nacimiento y la muerte. El cuerpo nos conduce a la muerte, es el responsable de nuestra desaparición»[11]. En este mismo sentido traemos también las palabras del profesor Seber Ugarde, que en la obra cartografías del cuerpo, diría lo siguiente:
En ocasiones nos es difícil reconocer nuestro cuerpo. Pero, ¿Cómo asumirlo cuando éste se convierte en nuestro propio verdugo? El sufrimiento físico es uno de los grandes contrafuertes de la propia compresión de nuestro cuerpo. Una tela de araña que nos cautiva y que exploramos de forma fantasiosa y cruel. Somos una prisión Carnal en cuyo interior encontramos una extraña mezcla de preguntas, una especie de torre de Babel que silenciosamente embarga nuestra compresión y donde nuestro yo, nuestra conciencia, nuestra alma…intentan distinguir un dilatado nirvana.[12]

El territorio del arte es el territorio de la comunicación. Sin embargo, si algo caracteriza al dolor en toda su expresión es que es siempre incomunicable. El dolor carece de formas de formas de lenguaje para ser expresado, las palabras y los símbolos no alcanzan o no son suficientes. El dolor reclama el cuerpo, suscita el llanto, el movimiento, el grito, el gemido, el suspiro, incluso el silencio. El dolor no puede ser nombrado, no puede ser representado ni simbolizado, sólo puede ser vivido, presentado, hecho acción a través de la herida y de la sangre.
Aunque el dolor sea una experiencia puramente física va unida siempre de una reacción mental, esta resonancia mental es lo que llamamos sufrimiento. No existe, por tanto, ninguna forma de dolor real sin sufrimiento, sin su reflexión a nivel afectivo. Cierto es, que ciertas prácticas del body art pretenden aplacar el sufrimiento mental a través de la experiencia corpórea dolorosa. El dolor alivia el sufrimiento, esta forma de alivio viene dada al transportar un malestar inabarcable en el interior al terreno limitado de lo real, en su paso a lo corpóreo tenemos la sensación de poner bordes al dolor, de racionalizarlo y controlarlo cercándolo dentro de unos límites: los límites del cuerpo. Diría la artista Gina Pane:
El cuerpo es un planeta, una geografía y la herida es su memoria, nos recuerda su fragilidad, su dolor, pero también es su defensa contra las prótesis mentales (…) 6.Sabía muy bien, que un día, cuando consiguiera formular una herida que me desbordara pararía, la última fue una herida, aquí en la sien, una herida muy peligrosa, por un momento perdí los límites.[13]
Para Pane, como para sus compañeros, el dolor se inscribe en el terreno de lo real a través del cuerpo, el medio literal resulta la única forma de expresión para estos artistas que intentan revelar o hacer visibles los fantasmas del infierno interior. Otro artista, el madrileño David Nebreda, que vive entregado absolutamente a la tiranía de la tortura y el dolor, diría en una de sus escasas entrevistas al sociólogo Léo Scheer. «No sé porque la gente se sorprende al ver mi trabajo, lo que cada uno vive por dentro es mucho peor»[14]. El dolor se impone en estos parámetros como un síntoma, una satisfacción sustitutoria que mantiene al individuo, el dolor sustenta al artista, le proporciona una identidad recobrando el estigma romántico del artista que vive dolorosamente para poder seguir creando, ya que según diría Antonin Artaud: «No hay nadie que haya escrito, pintado, esculpido o modelado y no fuera para salir del infierno.»[15]

ATRAVESAR LA PIEL. DOLOR, LÍMITE Y TERRITORIO

Cabe destacar que en muchas de las acciones del body-art las formas o estrategias de proporcionar dolor tienen lugar sobre la superficie cutánea. La piel constituye la envoltura del cuerpo, se establece como una frontera que separa el adentro y el afuera, cualquier herida en la cobertura de la piel significa una intromisión extraña. El adentro y el afuera nunca deben encontrarse, puesto que el yo se desestabiliza, el cuerpo se pone en alerta hasta que esa herida se cierra y éste recobra su unidad.
Diría además, Miguel Á. Hernández-Navarro que la razón por la que todas estas acciones dolorosas se realizan sobre la piel tendría mucho que ver con el carácter de la representación[16]. Cierto es, que el body-art es un arte visual. Por tanto, como cualquier otro arte necesita un campo de visualización, en estas acciones la piel se ofrece como ese espacio de representación en el cual se deja ver como cualquier incursión hacia el interior se proyecta en el exterior a través del cuerpo. No sólo la herida y la sangre se exponen en ese espacio, también el gesto del artista, como cambia su rostro ante el dolor, su gemido o su grito forman parte de la muestra de ese lugar para ver que es el cuerpo.
El cuerpo es espectáculo, atracción, espacio para mostrar y exponer el dolor, sin embargo con el body-art el espectáculo va más allá de los límites concebidos socialmente. El cuerpo en el body-art es un cuerpo que confronta al individuo con la imagen ideal de sí mismo. Diría Miguel Á. Hernández-Navarro:
El cuerpo que ofrece el espectáculo es un cuerpo aséptico, perfecto, sin dolor, sin restos. El dolor hace bajar al cuerpo de su pedestal, tambalea su equilibrio, rompe su ficción, llevándolo a lo Real y a la Realidad. [17]

Gina Pane, Chris Burden, Sterlac o David Nebreda, entre otros muchos, nos han hablado de la muerte a través de sus heridas sangrantes, nos han mostrado sus cuerpos Reales, sangrientos, enfermizos, pero sobretodo mortales, considerados casi una inmundicia carnal en nuestra pulcra y viva sociedad. Sus cuerpos convertidos en obra de arte se desvisten de cualquier disfraz, entregándose al espectador con toda esa crudeza a la que llamamos Realidad. Estos artistas han afrontado con valentía el dolor, han traspasado la piel deliberadamente por una necesidad de un sentir real. El sociólogo, filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek diría así «Al sentirse el sujeto desconectado de sí mismo se le impide percibir que siente. Sólo a través del dolor y la tibieza de la sangre se les hace posible volver a conectarse y sentirse personas reales.»[18]

El dolor se convierte para estos artistas, no sólo en una forma de ser, sino también en un afirmación suprema de sí mismos ligada al narcisismo, la sangre que brota de sus heridas está recalcada por el yo-artista. El yo-artista herido que se hiere y que se cura, una y otra vez, en el mismo proceso para no perder jamás la identidad que le mantiene. Podríamos ver en esta forma de disciplina dolorosa auto-impuesta una dimensión terapéutica, ya que el dolor se impone en un sentido liberador, cuya intención final y cuya quimera no será otra que hacer visible lo invisible, comunicar lo incomunicable, abolir la distancia entre lo social y lo personal, eliminar las fronteras entre la vida, la muerte y el arte a través del espectáculo de la sangre.

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REFERENCIAS

[1] MESSAGER. Annette citado en: Mujeres artistas de los siglos XX y XXI, edit. Uta Grosenick, Taschen, pág 128.
[2] FLYNN, T. El cuerpo y la escultura. Barcelona. Akal, 2002 citado en:VV.AA, Miguel Á, Cartografías del cuerpo. La dimensión corporal en el arte contemporáneo, Varios Autores, Cendeac, Murcia, 2004. Ad Hoc. Serie Seminarios 4, pág. 14.
[3] PLUCHART.F, Primer manifiesto de l´art corporel, 20 de diciembre en París, 1975, pág 60-61, citado en: GUASCH, Ana María. El arte del siglo XX en sus exposiciones, 1945-1995. Ediciones Serbal S.A, 1997, pág 198.
[4] BURDEN, Chris. Conversación con Chris Burden. Citado en MONTERO VILAR, Pilar. El cuerpo en peligro, Revista arte, individuo y sociedad, nº 12, editado por la Universidad Complutense de Madrid, Madrid , 2000, pág.165
[5] PLUCHART, François. Risk as the Practice of Thought, Flash Art, 80-81 (febrero-Abril 1978), citado en HERNÁNDEZ-NAVARRO, Miguel A. LA so(m)bra de lo real. El arte como vomitorio, Colección Novatores. Edita Diputación de Valencia. Institució Alfons el Magnànim, Valencia, 2006
[6] FOSTER, Hal, El retorno de lo real, Editorial Akal, Madrid, 2001
[7] LACAN, Jaques. Escritos 1, Siglo XXI, Buenos Aires, 1985
[8] HERNÁNDEZ-NAVARRO, Miguel A. LA so(m)bra de lo real. El arte como vomitorio, Colección Novatores. Edita Diputación de Valencia. Institució Alfons el Magnànim, Valencia, 2006
[9] PROUST, Marcel, De la imaginación y del deseo.
[10] CRUZ. Pedro Alberto, La Vigilia del Cuerpo: Arte y experiencia corporal en la contemporaneidad, Editorial Tabalarium, Murcia, 2004
[11] CORTÉS, José Miguel. El Cuerpo Mutilado (La angustia de muerte en el Arte) editado por Generalitat Valenciana, Valencia, 1996, pág 233
[12] UGARTE, S. Oh Madonna! Del dolor y la vulnerabilidad, Mexican pin-up. VV.AA, Miguel Á, Cartografías del cuerpo. La dimensión corporal en el arte contemporáneo, Varios Autores, Cendeac, Murcia, 2004. Ad Hoc. Serie Seminarios 4, pág. 14.
[13] FERRER, Esther, El territorio del cuerpo. Entrevista a Gina Pane, pág. 38. Citado en MONTERO VILAR, Pilar, El cuerpo en peligro , revista arte, individuo y sociedad, nº12, 2000, pág. 147
[14] DAVID NEBREDA, citado en: SCHEER, Leo, catalogo: Autoportraits David Nebreda. Ediciones Léo Scheer, Francia, 2000
[15] ARTAUD, Antonin. Van Gogh el suicidado de la Sociedad. Editorial Argonauta, Barcelona, 1968, PÁG 26

[16]HERNÁNDEZ-NAVARRO, Miguel A. LA so(m)bra de lo real. El arte como vomitorio, Colección Novatores. Edita Diputación de Valencia. Institució Alfons el Magnànim, Valencia, 2006, pág 134-135.
[17] Ibid.
[18] ZIZEK, Slavoj citado en: CASTRO, Eduardo y TRONCOSO, José Luis, La virtualización del cuerpo a través del Cutting y Body Art Performance.

ENTRE LA CREACIÓN Y LA TERNURA; UN RELEVO PARA LA VIDA

2008-11-11T14:20:00.005Z

sÍ, hace un año que escribí este texto, pero la brutalidad de la vida nos empuja como el mar a golpearnos una y mil veces con la misma piedra, y de vez en cuando es necesario recordar cosas que pensabas que la vida ya te había enseñado....

“Sentí de repente por aquel hombre algo parecido a la ternura,
Sentí la ternura que se siente por la común vulgaridad humana,
Por lo trivial cotidiano del cabeza de familia que va a trabajar,
Por los placeres alegres y tristes, de que forzosamente se compone la vida,
Por la inocencia de vivir sin analizar nada”

Fernando Pessoa. Libro del Desasosiego

Dicen Marisa y Ricardo Rodulfo que el niño dibuja para habitar el mundo, se rinde a la creación en un acto que incluye el dejar la huella, el dejarse en la huella por un trazo ligado al tacto y a la caricia, transferencia de la caricia recibida, que en el gesto artístico es dada. Huella de nosotros en el mundo, y huella del mundo en nosotros.

Tras leer esto, no pude evitar el volver a sentir aquello a lo que llamo ternura, la magia del momento en que algo de lo que estaba en mi, conecta con unas palabras escritas en un libro, y sientes que las palabras pueden tocarte, enternecerte, erizar tu piel, como si de repente
hubiera sentido una intensa caricia por todo tu cuerpo.

No pude evitar visualizar esa aguda metáfora una y otra vez, dejándome llevar por la ternura, veía el bebe que intenta reproducir las caricias de la madre, acariciando las paredes con los dedos manchados de chocolate, en un acto de marcar, de dejar la huella de su afecto a través de la creación, en un intento de que las caricias perduren en el espacio y se hagan visibles.

Los pediatras saben que el origen de muchos trastornos infantiles son la falta de ternura, muchos médicos han estudiado las dermatitis rebeldes que sufren los niños que no son acariciados. No es ningún secreto que la piel necesita ser acariciada cálidamente para desarrollarse bien, pero la ternura no se detiene en el ámbito de lo maternal, sino que inicia una expansión, una colonización hacía otros territorios, y uno de ellos, según esto, podría ser el arte.

Otro carácter expansivo de la ternura, se ha transferido como falacia a las relaciones sexuales. El sexo es brusco, siempre ha sido así, existe desde siempre una estrecha relación entre el sexo y la violencia, entre el placer y el dolor, violencia es un sinónimo de pasión. El sexo es un acto de agresión y violencia al que abatimos todos los seres humanos en un acto de egoísmo e ingratitud, en una búsqueda hacía nuestra propia satisfacción pulsional, sin embargo el rodearlo de ternura ha sido una operación transfiguradora, Supone un salto cualitativo y cuantitativo que engrandece nuestras relaciones. Mediante la ternura los amantes se “aniñan”, experimentan por este proceso una extraña regresión infantil sin dejar de ser adultos, mediante el cual dulcifican el sadismo natural de sus actos sexuales. Porque la ternura esta directamente proyectada a lo “pequeño”, y para disfrutar de ella hay que “empeñecerse”. Y los besos y las caricias forman parte de esta “pequeña” estrategia. Los amantes se alimentan boca a boca, se piden los labios como un bebe que se amamanta.

Sospecho entonces, que la pérdida de esa ternura adaptada es la causa de muchos fracasos sentimentales, es como si los amantes en un determinado momento envejecieran de repente, se vuelven adultos y dejan de expresarse mediante diminutivos, se endurecen los sistemas de defensa, se marcan los roles, se seca el cemento y todo lo que pueda resultar enternecedor queda más cercado en las áreas del ridículo. Y como consecuencia de este prematuro envejecimiento, llega la muerte de la relación.

Pienso que esto mismo se puede aplicar a todos los campos de nuestra vida, el dejarnos enternecer continuamente, apasionarnos dulcemente por los actos cotidianos de la vida, vivir en una intensidad total los acontecimientos, nos “aniña”. Nos dispara a la ternura, nos hace estar receptivo a los pequeños guiños de ternura que se nos devuelve como un boomerang desde la dura antipatía de la vida.

Heidegger decía que la angustia ante la muerte era el sentimiento básico del hombre, pero en mi opinión no es necesario esperar esa angustia para sentir algo que vuelque todos nuestros frutos, yo creo en la ternura como el sentimiento que nos vuelve humanos, porque conecta directamente con el primer soplo de vida que sentimos cuando aún éramos bebes, y aunque hallamos olvidado, nos recuerda a algo que aún no queda de nuestra inocencia, antes que el conocimiento de la realidad consiguiera insensibilizarnos.

http://es.youtube.com/user/FinaBonitayMarvel

LA CHICA TRIPOLAR

2008-10-31T23:47:00.003Z

No te comas los espaguetis crudos,
te sentará mal.
No estés ni un segundo a mi lado,
te sentará mal.

No te pido nada complicado,
sólo di que soy especial,
que invadiremos Leningrado,
que no importa despertar.

Sólo voy a quererte a mi manera,
romper a veces tu corazón,
dormir juntos haciendo eses,
no se detenga, señor conductor.

La chica tripolar en tu nevera
sólo vino para hacerte el amor.

Al menos te enseño a silbar,
a cantar, a reír, a llorar, a bailar,
a reír, a soñar, a silbar, a cantar,
a reír, a llorar, a bailar, a robar,
a cantar, a robar, a reír, a silbar.

Olvida los ascensores sin espejo,
te sentará mal.
No estés ni un segundo a mi lado,
te sentará mal.

Sólo voy a quererte a mi manera.

MOTOHIKO ODANI

2008-10-26T01:25:00.010+01:00

"Me gustan las exposiciones que proyectan sobre el espectador

una sensación de tensión, en especial las lo logran manteniendo cierte distancia

entre la obra que se está mirando y la persona que la contempla.

Creo que es importante para una obra expuesta crear una atmósfera tensa y ser,

al mismo tiempo, transparente invisible y fria al tacto,

Como el cristal de un esparate par un ciego"

MOTOHIKO ODANI

MOTOIKO ODANI, Erecto Bambi, 2003

MOTOHIKO ODANI, Erecto Clara, 2004

Escuchando música en la habitación de Guille Milkyway

2008-09-20T09:50:00.009+01:00

Guille Milkyway nos abrió las puertas de sus habitación y nos contó anécdotas de su vida mientras nos enseñaba su colección de discos favoritos. Nos habló de sus gustos musicales y de sus influencias. Entre su colección privada encontramos discos de Julio Iglesias y Mocedades.

Nos referimos a la nueva propuesta de arte, fotografía, música y nuevas tecnologías de la CAM (Caja de ahorros del Mediterráneo), que recibe el nombre de CAMoN y que pretende ser un espacio innovador dedicado a las Nuevas tecnologias, cine, música y arte. Donde podrás servirte de toda la tecnología a tu disposición para poder crear tus proyectos y compartirlos. Proponen además, una extensa programación de masters class, conferencias, talleres Y exposiciones. Si te interesa ....desúbrelo en WWW. tucamon.es.

Guille, después de regalarnos sus recuerdos en forma de canción entre risas y complicidades, cantó para nosotros en el Aula Cultural de la CAM (Av. Ramón y Cajal, nº5, Alicante). Su música: una mezcla de PoP tecnológico con reminiscencias niponas de última generación, unido a un espectáculo de Arte multimedia que no dejó de sorprendernos.

Gracias Guille !!!

¡¡ Si bebes, no te enamores!

2008-09-09T21:52:00.005+01:00

Being Both a romantic and a nymfha is tough

Barbarella nos presenta hoy un cortometraje chulísimo titulado El columpio que si no recuerdo mal se estrenó hace unos años en el festival de Cine de Alfás de pi. Una historia que sin ninguna duda te hará sentirte identificada en algun momento del diálogo seas hombre o mujer, una historia dedicada a todo aquellas historias de amor que pudieron ser y no fueron..

La frase clave: "being Both a Romantic anda nymfha is tough" Y esque quizás todas buscamos ser amadas, aunque nos empecinamos en hacernos trizas el corazón en relacciones vacías de sentido y cargadas de lecho, de esas que la día siguiente te hacen despertarte con una extraña sensación de resaca de garrafón, dolor de cabeza y pesadez en el estómago. Y aunque pienses que ya está bien de cogorzas inecesarias a los pocos días acabas de nuevo amorrada al primer bidón de vino barato como una alcóholica sentimental.

Quizás más Romantic que Nymfha esperamos que el amor asome en cada una de las borracheras nocturnas, aunque sabes que esa esperanza se anula a sí misma por el exceso de alcohol.

Un consejo:

!!!!! SI bebes, No te enamores!!!!

EMPIEZA EL TOUR

2008-09-03T14:48:00.006+01:00

Por fin todos los esfuerzos de un total de catorce artistas españoles por elaborar una exposición itinerante de pintura por Europa se ven recompensados. El próximo 18 de Septiembre se ignagura en Bruselas, concretamente en el centro de exposiciones Atalier les Menines una exposición de pintura colectiva titulada spaint tour a cargo del grupo az-art ( http://www.az-art.es/ ).La exposición continuará su recorrido en los próximos meses por Berlín para terminar la temporada en Moscú.

Aquí teneis los nombres de sus participantes:

CriStian Blancer (Barcelona)
Evelina Podjapolskaja (Barcelona)
Omar Arráez (Alicante)
Yolanda Aguilar (Madrid)
Vanesa Díaz Sánchez (Alicante)
María Ruitort (Barcelona)

Margarita Tsering Riera (Alicante)
Manel Santos (Valencia)
Inés González de Frutos (Valladolid)
María Isabel Hidalgo (Málaga)
Eva Cristina Mesas Escobar (Alicante)
Orión Santana (Gran Canaria)
Daniel Tabasco Guzman (Valdepeñas)

Más información en los siguientes links:

http://www.lasmeninas.be/activites.htm

http://www.art-et-peinture.fr/expositions/expo-spainttour-87.php

SOBRE LA PULSIÓN DE MUERTE EN LAS EXPERIENCIAS LÍMITES DEL BODY ART A TRAVÉS DEL PENSAMIENTO DE SIGMUND FREUD

2008-08-29T16:02:00.003+01:00

Pulsión de muerte y experiencias artísticas límites

Uno de los temas que obsesionó a Freud durante toda su vida, fue llegar a encontrar cuales eran las fuerzas motivacionales, a las denominó pulsiones, que dirigían al hombre en su paso por la vida, siempre supo que las motivaciones o pulsiones del hombre no eran puros instintos como pudieran ser las de los animales, puesto que el hombre disponía de una compleja construcción psíquica que irrefrenablemente guiaba en sus acciones. Todas las teorías en torno a las pulsiones elaboradas por Freud fueron dualistas, tenía claro que la complejidad del psiquismo humano siempre disponía al individuo a moverse entre las contradicciones.

En un primer momento, Freud dictaminó que todas las pulsiones del hombre se dirigían a la preservación de la especie, fueron las llamadas pulsiones de vida, que impulsaban al hombre a conseguir alimentos y relaciones sexuales, tanto como a cumplir sus funciones vitales. No obstante las pulsiones de vida no eran suficientes para explicar todos los movimientos del ser humano, tras varios años de observación y análisis Freud postuló en su obra titulada Más allá del principio de placer, que al lado de las pulsiones de vida o de preservación existía otra pulsión paralela a la que denominó pulsión de muerte, explicaremos su razón a continuación:

La energía motivacional que impulsa al individuo fue denominada por Freud como Líbido, y esta íntimamente relacionada con las pulsiones sexuales y la búsqueda de placer. Esta energía libidinal era la que impulsaba al individuo hacía la supervivencia. La libido perturbaba la tranquilidad del individuo obligándole a estar en continuo movimiento. La líbido era algo viviente que invitaba al movimiento, pero la finalidad de todo movimiento no es otra que encontrar la quietud, es decir satisfacer un deseo de comer tiene como finalidad dejar de tener hambre, el estado ideal del hombre sería estar siempre satisfecho y no tener más necesidades. Según esto, consideró que la verdadera meta de la vida, el lugar hacía donde el hombre dirigía toda su energía libidinal no era otro sitio que hacía su propia muerte. El deseo más importante del hombre sería, por tanto, morir.

Freud empezó a considerar que más allá de las pulsiones de vida, había una pulsión mayor que era la pulsion de muerte, y que parte de ese deseo humano del volver a la materia inanimada, y lograr la quietud eterna, tras este descubrimiento empezó a defender la idea de que en cada persona hay una necesidad inconsciente de morir.

La creación, en todas sus categorías, resulta también una pulsión innata en el ser humano, una pulsión que hasta ahora siempre ha venido de la mano de la vida, de la capacidad de dar forma, de construir de la nada. Lo que esta claro es que el arte constituye para el hombre un mecanismo para satisfacer deseos, para poner en juego una situación simbólica, para satisfacerse. Sin embargo esa búsqueda de satisfacción no tiene porque ir siempre del lado de la vida. Como veremos a continuación y en las performances que analizaremos en esta investigación existe sin lugar a dudas un deseo del hombre por acercarse a la muerte, por examinar cada una de las experiencias que le permiten de algún modo llegar a conocer algo más sobre su muerte y sobre las experiencias extremas cercanas a ella.

Acción / Atracción

En 1963 Günther Brus, conocido por su pertenencia al grupo de los accionistas vieneses, realiza una acción que sería el pistoletazo de salida a toda una serie de acciones donde la eminencia de la muerte empieza a dejarse ver considerablemente, Brus lanza su cuerpo bruscamente contra cuatro muros rebotando como si fuera una pelota de tenis, el estruendo de los golpes se extiende durante varios minutos, la acción resultó tan impactante que los espectadores creyeron que se trataba de un acto suicida, algunos huyeron horrorizados ante el impacto de la acción, por suerte el protagonista de la acción no tuvo lesiones graves.

Unos años más tarde, exactamente en 1976 otra acción provocó la conmoción, se trata de la performance de la artista Yugoslava Marina Abramovic titulada Rythm 0 donde se expuso directamente a la muerte. La artista ofreció su cuerpo a la interacción del público y colocó sobre la mesa varios instrumentos que podían provocarle dolor o placer para que el público interaccionara libremente, en un primer momento el público permaneció inmóvil dando vueltas alrededor de ella, pero a medida que fue pasando el tiempo empezó a intervenir rajándole las ropas y realizándole heridas con cuchillas sobre el cuerpo, la situación sobrepasó los límites cuando un espontáneo colocó una pistola cargada en la mano de Abramovic impulsándola a apretar el gatillo. Fue entonces cuando intervino la policía y la acción se dio por concluida. Podríamos presuponer que en esta acción el componente lúdico y altamente mediático reside justamente en la idea de que existe un peligro real, los instrumentos utilizados: una pistola cargada, cuchillos, cuchillas, punzones nos recuerdan que la muerte esta ahí, en ello reside justamente esa atracción ante la inminencia del peligro. Una atracción que sobrepasa los límites de la vida, de la locura e incluso de la criminalidad .

Imagen 2 MARINA ABRAMOVIC. Rythm 0, 1974.

Imagen del momento de la acción en que abramovic se apunta con un arma cargada

Abramovic no fue la única que quiso exponerse a las experiencias cercanas a la muerte, otros muchos artistas como el norteamericano Chris Burden seguirían ahondando en el estudio y la experimentación de los límites de la vida y la muerte, sus acciones llegaron a ocasionar verdaderos peligros tanto para él como para los espectadores que asistían a sus performances. Para Burden el peligro es el plato fuerte de cada una de sus acciones, en la entrevista para uno de sus catálogos dice así:

Cada obra, o mejor dicho cada acción se convierten en una situación en la cual conceptos y situaciones se someten a prueba, lo que inevitablemente comporta un cierto riesgo y desasosiego tanto por parte de creador, como de la audiencia implicada.[1]

Una de sus performances más famosas, y que esta directamente relacionada con lo que Freud llamaría la pulsión de muerte, sería Disparo. Esta acción se realizó en california en 1971, Brus fue disparado por un colaborador con un rifle a una distancia de 4.5m, el disparo alcanzó su brazo arrancándole un buen trozo de carne. La finalidad de Brus, según nos cuenta, era vivir la experiencia de recibir un disparo, sin que existieran intermediarios, vivir en su piel todo lo que significa ser disparado con un rifle. Dice así:

Cuando hice que me dispararan, intente saber de una manera científica y física lo que ello significaba. La mayoría de la gente intenta evitar estas situaciones, pero, sin embargo las ha hecho suyas, las ha interiorizados, tiene una idea de lo que ello significa (…) En todo caso es curioso que la gente siga poniéndose de mala leche con esa performance 30 años después. Eso indica que les ha debido afectar de alguna manera. Creo que la gente asume más de lo que cree determinadas cosas[2]

Imagen 3 CHRIS BURDEN. Disparo, imágenes de la acción realizada en 1971 en California

Dejar caer el cuerpo sin control contra muros de piedra o dejarse disparar con un rifle sólo son algunas de las acciones que en el último siglo han sobrepasado los límites reales de arte para convertirse en atracciones donde la posibilidad de un peligro real genera en el artista como en su público una importante descarga libinal que responde a la satisfacción de un secreto deseo. La presencia del peligro, la cercanía de la muerte, la experimentación del dolor ajeno o propio atrae a la humanidad. Es posible que se deba a que la presencia de la muerte nos recuerda de alguna manera lo que significa estar vivos, es posible que esta atracción exista porque a través del la herida sangrante del disparo de Burden podemos asomarnos, como si se tratara de una ventana, a la experiencia de la muerte.

MÁS HISTORIAS DE AMOR, Más, más y más

2008-08-23T00:05:00.012+01:00

“Habría que optar entre dejar de sufrir o dejar de amar. Pues el amor, que al principio está formado de deseo, más tarde sólo se mantiene únicamente por una ansiedad dolorosa. .”

De la imaginación y del deseo

Marcel Proust

Vivimos una epidemia de amor patológico.

Las consultas psicológicas están llenan de pacientes cuya dependencia afectiva les perjudica. La psicoanalista Julia Kristeva en la sinopsis de uno de sus últimos libros historias de Amor, dice que la única conclusión de sus años de psicoanalista es que todas las historias acaban hablando de amor. El amor es dañino, si miro a mi alrededor el panorama se me vuelve insoportable, mujeres y hombres que se dejan aplastar, gritar y humillar a cambio de tener un a alguien en sus vidas. Mujeres y hombres que viven encadenando historias de amor pocos satisfactorias por mantener encendida la cerilla del amor que es, al mismo tiempo, lo único que les mantiene con vida. Mujeres y hombres que se regalan, que venden sus labios al mejor postor para dejarse amar intensamente en sucios colchones abandonados sólo por un poquito de calor .

Y yo digo. ¿Por qué tanto sufrimiento?

Quizás porque no hemos sido educados para sobrellevar nuestros afectos, no hemos sido educados para construir formas de amor sanas. Nos dejamos llevar por una idea de romanticismo exacerbado y, porque no, amores de papanatas que promueve el consumismo y la música de violines, un amor que vende flores, colonias y cajas de bombones en forma de corazón y te invita al cine los domingos. Un amor que exalta el concepto judeocristiano de amar a cambio de nada, del sacrificio y la devoción como la mayor de las recompensas. Un amor donde la entrega es total y nada más existe en el mundo para los enamorados que su propio amor.

¿Y cómo es posible que un amor tan romántico, tan bonito, envuelto en lazos rojos y púrpurinas en forma de corazón se vuelva patológico?

El buen amor se degrada y se convierte en neurosis afectiva de la misma manera que se extiende un cáncer haciendo metástasis en el corazón, se vuelve una droga de igual modo que esa inocente copita de licor después de la comida se convierte en un alcoholismo sin control que te destruye y del que sólo puede salvarte más alcohol, más , más y más.

Es una droga, Y es que el amor como ya hemos dicho en otros apartados de este blog tiene efectos bioquímicos estudiados, trabajan las mismas hormonas que en una adicción, nos hace sentir bien, nos encanta, da sentido a nuestras vidas y por eso es como el vampiro que prueba por primera vez la sangre y quiere más, más y más.

Un día, sin previo aviso, te ves rastreando como un perro de policía en busca de unas gotitas de esa droga, te arrodillas una y otra vez, espías detrás de las columnas, persigues, interrogas a sus amigos, imploras, y como dice calamaro: No sabes con que inocente excusa pasar por su puerta. Pierdes la dignidad una y otra vez, envías otro mensaje y la retahíla correspondiente de llamadas perdidas, finalmente decides llamarle de verdad y gritarle: ¿Por qué no me llamas?

Le gritas a él, pero te estas gritando a ti misma, a tu impotencia por controlar tu ansiedad, a tu insostenible necesidad por recibir esa pequeña gratificación bioquímica que te hace sentir tan bien, quieres más, más y más y no sabes como pedirlo.

Te arrastras por las paredes intentando rasparte y dejarte las marcas del gotele por la espalda, te arañas, quizás el dolor pueda calmarte, y entonces estrellas con fuerza el móvil contra el suelo, después de unos segundos, cuando la respiración entrecortada y las lágrimas te lo permiten recoges el móvil y dices: Te necesito.

Al otro lado nadie te oye. Tiiiiiiiiii tiiiiiiiiii tiiiiiiiiii tiiiiiiiiiii, hace tiempo que han colgado.

El sonido del teléfono parece decirte más, más y más.

Te estas auto-destruyendo y lo sabes, pero te justificas diciendo es por amor, dices que quieres a esa persona más de lo que te quieres a tí mismo. Pero sabes que no es verdad, sabes que te encanta esa forma de amar que te auto-destruye, porque en esa auto-destrucción rozas de algún modo lo sublime y te gusta esa sensación , porque lo sublime siempre es un grado superior a el goce, porque lo sublime te araña, se remueve el estómago, te hace temblar.

Richard Klein escribió sobre la relación de las adicciones (y en concreto el tabaco) y las sensaciones sublimes, dice así:

Sólo mediante su pertenencia a lo sublime puede entenderse la afición de la gente hacía los cigarrillos y por qué les gusta tanto algo que sabe a rayos y marea. El fumador es como aquel personaje de Byron que se sitúa audazmente al borde del abismo para contemplar, lo efímero y fútil de nuestra existencia, y la grandeza inconmensurable de lo negativo a través de una colilla.

Amando, fumando ¿Qué más da?

y recuerdo aquel célebre verso de cuplé que dice: Y mientras fumo mi vida yo consumo, fumando espero al hombre que más quiero.

porque este verso no es más que una bonita metáfora de ese juego estético entre el amor y la muerte, entre el desafío al cáncer de pulmón que brilla en cada aspiración de nicotina y el saber que el amor te salvará por fin de ella. Fu(a)mando por neurosis enfermiza a la espera de una llamada que no llega, matándome lentamente de amor, a cada minuto sin ti me hago más daño, consciente de lo que eso significa sigo fu(a)mando, saboreando el dolor que tu ausencia infiere en mi garganta, como un Samurai que estetiza una y otra vez su milagroso harakiri, o un torero que construye artísticamente la muerte que le dedica a su tonadillera.

Así, te dedico cada uno de mis cigarros

SOBRE EL CONCEPTO DE LO ABYECTO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO EN RELACCIÓN A LAS TEORIAS PSICOANALÍTICAS DE JULIA KRISTEVA.

2008-08-19T00:01:00.006+01:00

Según la definición de la RAE (Real Academia Española), lo abyecto es un término que hablaría de lo despreciable, de lo sucio, de lo vil hacía el extremo.

Julia Kristeva en su Obra Poderes de perversión, define en un primer momento, lo abyecto como aquello que se escapa desde el interior del cuerpo: los excrementos, los fluidos corporales y relaciona todo estos elementos con la suciedad.

Cierto es que el concepto de abyecto se ha introducido en los últimos años como relativo al mundo del arte, en un sentido general hace referencia a aquellas obras artísticas que usan fluidos corporales o aluden a ellos directamente, podríamos hacer referencia a la fuente (1917) de Duchamp, un urinario ubicado al revés, como uno de los precesores a esta tendencia encaminada a airear lo escatológico del cuerpo humano, Ya en la segunda mitad del siglo XX no se puede obviar nombrar la Merda d’ artista (1961) de Piero Manzoni, una lata llena de excremento del autor o las Pinturas oxidada (1964) de Andy Warhol, hechas con orina y pigmentos metálicos.

MARCEL DUCHAMP, La fuente, 1917

Una gran parte de los ejemplos de arte abyecto pueden encontrarse en las performances de las décadas de los 60 y 70, como las representaciones sangrientas representadas por los Accionistas vieneses y otros representantes del emergente movimiento artístico body art que utilizaron su propio cuerpo y sus fluidos como protagonista directo de la pieza artística. Podemos destacar la obra titulada Seedbed (1972) de Vito Acconci, donde el autor, que yacía bajo una rampa especialmente construida, guiaba a los visitantes por la galería de arte mientras se masturbaba.

Julia Kristeva afirma que el niño carece del concepto de abyecto porque su cuerpo continúa profundamente unido al de la madre, y es la madre quien va instruyendo al niño en el rechazo de todos los elementos, el niño poco a poco va relacionando el cuerpo de la madre con sustancias sucias y dejan de ser para él objetos de placer para empezar a ser objetos de disgusto. En este adiestramiento el individuo se va separando del cuerpo materno y entregándose a la pulcritud del mundo social. Unos años antes, Freud, en su obra El esclarecimiento sexual del niño diría que:

El niño es un perverso polimorfo, que disfruta perversamente de todos los orificios de su cuerpo y dirige sus deseos sexuales hacia cualquier objeto, desorganizadamente (por carecer de identidad) y sin represión, lo que le hace carecer de identidad sexual (género), identidad personal e incluso de inconsciente[1].

Apoyándose en estas palabras, Kristeva describe la expulsión de lo abyecto como una condición necesaria para la formación sexual, psicológica y social de la identidad. El niño debe renunciar a una parte de sí para transformarse en yo, el individuo debe reprimir la parte de sí mismo más intima y más propia, para poder ofrecerse como individuo apto para la sociedad. Sin embargo los designios del arte último parecer ir hacía la búsqueda de la parte más íntima del individuo, adentrándose en el interior del cuerpo mismo, revolviéndose en sus fluidos para procurar la victoria del yo sobre sociedad.

Durante los 90 los ejemplos de arte abyecto en el panorama artístico se tornan incontables, de modo que es posible hablar de una tendencia reiterante en el arte actual. Es ineludible citar los trabajos de Cindy Sherman, que a través de sus esculturas deformadas y escatológicas intenta mostrarnos el reverso mismo de la belleza, y Kiki Smith que realizó una obra llamada Recipientes con sangre y silicona (1986), donde expuso los residuos de una operación de cirugía plástica.

CINDY SHERMAN. Sin título, 1992

También en el terreno de lo abyecto es necesario nombrar al artista estadounidense Paul McCarthy, conocido por sus transgresivas acciones donde utilizaba líquidos corporales y alimentos, Y las fotografías del español Andrés Serrano, como la polémica Piss Christ, en la que expuso un crucifijo sumergido en un recipiente de orina.

La abyección, dice kristeva, se conecta con las tres fases del proceso de desarrollo del individuo que enunció Freud: fase oral, anal y genital. Esas aberturas del cuerpo humano funcionan como borde entre lo que pertenece al cuerpo del sujeto y lo que, por pertenecer al mundo exterior, debe ser considerado un objeto. Distingue tres categorías de cosas que, según las circunstancias socio-culturales, se consideran abyectas: en la fase oral, las comida y los residuos, en la fase anal los desechos corporales y en la fase genital todos aquellos signos de la sexualidad.

Así, todos estos objetos de abyección son utilizados de forma literal en las performances y acciones artísticas que hemos introducido y que seguiremos analizaremos a continuación. Kristeva afirma que todo el arte, la literatura e incluso la religión son formas sublimadas de liberar los deseos libidinales reprimidos a través de la simbolización, sostiene que« la abyección es lo que perturba la identidad, sistema y orden. Lo que no respeta bordes, posiciones ni reglas.» En este sentido establece una relación entre las formas de abyección y los movimientos más revolucionarios de vanguardia, Desde estos planteamientos el teórico Hal Foster en su obra El retorno de lo real, llega a la misma conclusión, y dice así:

Tanto espacial como temporalmente, la abyección es la condición en la cual la identidad se encuentra perturbada, donde se produce un colapso del significado. De ahí la atracción que ejerce sobre artistas de vanguardia, que quieren perturbar tanto e orden del sujeto como el de la sociedad [2].

Lo abyecto, pretendería una negociación moral del individuo para su cultura, lo abyecto es el escudo con el que cada individuo se protege de lo real para vivir fuera de su cuerpo, rechaza su cuerpo real para existir en un cuerpo imaginario. A través de lo abyecto, se excluye aquello que no aceptamos, lo despatriamos fuera de nuestros límites a través de un escalofrío o un grito pavoroso. Lo abyecto no sería posible sin un otro castrador, el primer castrador es la madre, pero más adelante el individuo se enfrenta con otros castradores como puede ser la cultura, la sociedad, religión o las construcciones morales de cada individuo, que nos van instruye en aquello que debemos reprimir para poder vivir conforme a la normas de la moralidad social

Pero aquello excluido no quiere dejarse olvidar, y retorna como ya hemos visto en diversas formas. Una forma de retorno sería el arte, en sus diversas representaciones: el cine, la literatura, las artes plásticas, entre otros. Formas para hablar en lenguaje simbólico de aquello que hemos rechazado, pero que no, por haberlo rechazado, deja de ser, sin embargo, lo más nuestro, lo más intimo, nuestro abyecto.

ANDRES SERRANO, Christ Piss, 2001

El creador a través de esa vuelta, a partir de esa transformación simbólica, intenta vaciar la angustia que le supone este conflicto, y el acto creador proporciona una forma de liberación de los deseos inconscientes sin desobedecer a las barreras del superyó. La representación supone la única forma de liberar al individuo de sus deseos expulsados.

(1) FREUD, Sigmund. Obras Completas El Esclarecimiento Sexual del Niño. Tomo IX. Buenos Aires Argentina. 1978

(2) FOSTER, Hal, El retorno de lo real, La vanguardia a finales de siglo. Ed. Akal ediciones, Madrid, 2000

(3) En psicoanálisis el concepto del otro castrador, hace referencia a aquel que establece las normas, para que el individuo empiece a reprimir sus pulsiones. El primer otro castrador en la vida del individuo es la madre, que se encargan de instruir al niño en las normas sociales, de una manera que no sea traumática para el niño.

ClicK-ClicK

2008-08-16T15:45:00.004+01:00

Es increíble como la ilusión del amor puede encender y apagar tu vida en un simple click como si se tratara de un interruptor mágico. Es posible que algún día cuando queramos encenderlo de nuevo pegue un chispazo, la bombilla se funda y no vuelva a dar luz nunca más. Mientras tanto cada click solo significa que tu corazón sigue vivo a pesar de las decepciones, aunque también es cierto que cada vez la bombilla se enciende con menos fuerza, al principio te crees que las pasiones que sientes son verídicas y que el amor es la fuerza más grande capaz de empujarte violentamente hacía un terraplén de emociones, que se trata de una pulsión desorbitada imposible de frenar como poner diques sobre un mar enfurecido. Pero con el tiempo acumulas desencantos a tus espaldas, las mentiras acaban tallando grandes grietas de desconfianza que no se borran ni en el mejor taller de chapa y pintura, y los cuentos de hadas empiezan a no parecerte tan bonitos, te empiezas a dar cuenta que después de otra desilusión estas lágrimas pasaran y que un día te levantarás con una sonrisa, con el tiempo aprendes a relativizar los sentimientos, la tristeza se atenúa y aprendes a lavarte la cara y disimular el bajón con tu mejor vestido y un maquillaje nuevo.

Aprendes que la vida esta llena de enamoramientos fulminantes, encuentros maravillosos y amargas separaciones, momentos de gloria y de desconsoladas tristezas, acumulas pasiones olvidadas y deseos vertidos en nada. Te das cuenta que este amor que se va al traste no será el único y que en otro momento te volverás a ilusionar.

Aprendes a cuidar tu corazón, a protegerlo de los golpes que atraviesan las costillas, unos minutos de spinning al día son suficientes para saber que sigue allí, palpitando toc-toc, como un interruptor click-click esperando en momento para poder salir de su guarida, toc-toc, click-click. En los días como este en que mi casa esta oscura y los rallos de sol atraviesan las ventanas, me gusta sacarlo al balcón para que todos puedan verlo, espolvorear los sobrantes de sus grietas mientras escucho canciones como esta.

MI VERDE CON TU AZUL

2008-08-10T22:09:00.005+01:00

Si hablase de tí no pronunciaría
las sílabas supremas

pero besas bien y me gusta estar contigo.
Mi verde con tu azul.
Delirio de ramas.
Mi verde con tu azul.

Me abstengo de pronunciar esas sílabas sublimes
pero me gusta cómo abrazas y tu pelo hace juego con mi vestido.
Tus dedos patinan en mis medias.
Mi verde con tu azul.

YOLANDA CASTAÑO www.yolandacastano.com

Y esque resulta que a veces aquello que quisieras decir ya esta dicho, y la magia de la casualidad hace que choques bruscamente con las palabras que deseas esconder.

El BOSQUE ANIMADO

2008-07-31T12:40:00.007+01:00

Eva Cristina Mesas Escobar
El bosque Animado, 2008
óleo sobre lienzo
120 x 80 cm

(si desesas verlo más grande pincha sobre la imágen)

Supe que nunca dejaría de dibujar cuando de muy pequeñita me regalaron mi primer estuche de colores. Los supe mucho antes, porque cada noche frente a la pared rosa de mi habitación y como por arte de magia, aparecían miles de siluetas, hombrecillos con extraños gorros y disfraces, instrumentos voladores increíbles, peces con patas, monstruos de mil cabezas, castillos construidos en el aire, princesas con fantásticos encantamientos y caballos alados que me pedían que les dibujara para que el mundo pudiera conocerlos. Lo supe porque las nubes nunca me parecieron nubes y siempre he creído que las montañas son gigantes cubiertos de polvo y piedras que duermen placidamente víctimas del encantamiento de un mago. Lo supe porque siempre intenté atravesar los espejos y la mejor manera de mirar el mundo era bocabajo. Lo supe porque a veces los troncos de los árboles me aparecían de color violeta y el cielo encendido aparecía tras una explosión de colores.

Un día, a mis rotuladores carioca le crecieron alas, empezaron a volar por todo el universo imaginario de mi pared de gotéele, en ella los seres extraños gritaban por salir del imaginario y trepaban ferozmente para dejarse ver.

Todo empezó en aquella pared ,que como era de esperar, no tarde mucho en colorear.

UNA LÍRICA DE LA REPETICIÓN

2008-07-11T16:42:00.002+01:00

Los artistas se han considerado los traductores del las palabras del alma, aquellos iluminados que regalan imágenes al mundo para que podamos comprenderlo y reflexionarlo, los redentores de la palabra, los únicos capaces de expresarlo TODO

Sin embargo poco a poco te vas dando cuenta de que los artistas no quieren decir tantas cosas. De hecho, al final acabas dándote cuenta de que cada uno de nosotros sólo quiere decir una única cosa. Y que finalmente los artistas repiten siempre las mismas obras, las mismas imágenes, las mismas palabras. que solo tienen una sola cosa que decir, pero la repite incansablemente durante toda su vida, sin poder evitarlo, atrapados en su neurosis de repetición que se vuelve lo único que le concede sentido a su vida.

El artista es como aquel abuelito del parque que espera a un interlocutor al que contarle una y otra vez las mismas historias de la mili, todo aquello que no por haber pasado ha dejado de ser quizás lo único que hoy desde su vejez le constituye. El artista es como alguien que hizo un viaje muy importante hace mucho tiempo, un viaje tan importante que pasa todo el resto de su vida contándolo. Lo cuenta de diferentes maneras, en diferentes anécdotas, y al final cualquier indicio de su vida le termina remitiendo a aquel viaje.

Cada uno de nosotros cuenta a lo largo de toda su vida una única cosa, y quizás lo más interesante es que generalmente aquello que el artista cuenta ha ocurrido en realidad, quizás que aquello que cuenta repetidamente es aquello que evita las palabras, quizás que este esquivar continuamente la historia a base de metáforas silenciadas es lo único que le permite contar eternamente su misma historia para que parezcan otras.

GRAFOLOGÍA

2008-06-07T23:00:00.003+01:00

Hace un tiempo que ando maravillada con esta nueva disciplina llamada Grafología, concretamente desde que asistí a una conferencia en Murcia sobre "Expresión y grafismo infantil ", impartida por la grafóloga laura Lizancos Mora.

Resulta fascinante como los grafólogos consiguen deslizarse por un garabato y leer todo lo que nuestro cuerpo expresa entre sus líneas alborotadas, a medio camino entre la arteterapia y los análisis psicológicos de los dibujos, entre la magia y la ciencia.!Apasionante!

Según los estudios en esta nueva ciencia mi firma diría todo esto de mí:

La ubicación central en el papel indica que ud se manifiesta como una persona centrada, que marca presencia.
Según el tamaño de la firma, grande, tiende a la extroversión y que odia pasar desapercibida.
El predominio de formas curvas, revela gustos estéticos y hacía las artes, también amabilidad y buenos modos.
El ángulo ascendente indica una buena ambición y deseo constante de superación.
Según la presión de la escritura, posee un temperamento muy intenso, apasionado.
La rúbrica envolvente revela una búsqueda de protección, de seguridad. Una personalidad que se protege, denota también una personalidad muy sensible y romántica.
Al tener solo algunas letras legibles, indica que toma ciertas reservas antes de conceder su confianza a los demás.
La utilización de las mayúsculas en la firma permite deducir que tiene vd una muy buena autoestima y autovaloración.

En esta página web puedes hacerte un estudio grafológico de tu firma de forma gratuita, sólo tienes que firmar en un papel y después compararlos sinceramente con las imágenes del cuestionario. Conmigo han dado en el clavo. Anímate y me cuentas.

www. grafológico.com

KISS ME STUPID

2008-06-01T17:53:00.005+01:00

Tú que tanto me has besado, tú que tanto me has enseñado, sabes mejor que yo que hasta los huesos sólo calan los besos que nunca me has dado. Con estos versos comienza una canción de Joaquín Sabina, a través de sus palabras es imposible no pensar en todos aquellos besos que únicamente existieron en el deseo, todos esos besos paralizados en la insurgencia, besos que fueron sublimados. Dice Proust. El deseo es algo que exige de la insurgencia de un todo. No nace ni subsiste como no haya una parte por conquistar. Sólo deseamos aquello que no poseemos por completo(1).

Siempre viví fascinada por los mensajes secretos de los besos, hay tantos besos como intenciones, cada uno puede desarrollar su clasificación personal. En el primer lugar de mi lista están los besos anónimos sin origen ni destinatarios, todos esos besos que nunca me atreví a dar, esos mensajes sellados que nunca sabré a que lugar del amor me hubieran conducido.

Antes de mi primer beso, me inquietaban los besos que aparecían en el cine, besos de amor que hablaban más que los diálogos, besos que podían abrir negocios o cerrar tratos, besos que empezaban a rozar un corazón que apenas se había expuesto al amor. Pero en mi vida había muchos más besos: los besos de mamá en la parada del autobús que permanecían a lo largo del todo el día en forma de carmín, los mordiscos de papá de broma pero sinceros, besos entre amigas, besos de familiares, besos entre primos. besos que, deseados o no, siempre resultaban reconfortantes.

Pero también había besos espantosos, besos que producían un disgusto abrumante, besos que resultaban casi insoportables. De pequeña ya lo sabía, por eso rechazaba solemnemente los besos de mi tía pesada y de los desconocidos. Me escabullía con la habilidad de un guerrero ninja saltando por los tejados. Pienso que sería porque ya me sobraban con los besos que tenía, apenas sabía de otros besos que estarían por venir, pero de esa manera empezaba a entender la importancia verdadera de los labios.

Pero el primer beso en la boca es un sello indeleble. Puede ser amargo, dulce, inocente, precoz, apasionado o fugaz. Ese beso de alguna manera marca el fin de la infancia y permite descubrir que la lengua no tiene como único destino agitar las palabras.

Mi primer beso fue un deseado hurto, que me sorprendió tanto como me hipnotizó, no pude reaccionar de ninguna manera y entonces decidí una retirada decorosa, salí corriendo tan solo con el sabor de su saliva como si fuera el primer peldaño de una escalera hacia el cielo. Desde entonces muchos labios pasaron y se fueron, besos sinceros y mentirosos, besos de tornillo, besos en exceso (como si fuera esta noche la última vez) besos por compromiso, el beso de alguien que no sabes si volverás a ver, besos de despedida rápidos y definitivos.

De todos ellos aprendí que los labios son una prolongación del corazón, la más hermosa de las puertas por la que sale y regresa el alma, es la cuna donde se mecen las palabras dulces, encubridora de los silbidos anónimos por la calle, y también cómplice de los silencios que más mienten.

Si no hay besos más profundos que los aquellos que nunca se dieron, no hay peor falta que la falta de esos besos, los labios de agrietan en la espera, el alma se encoge y se hace pequeña en la insurgencia de un deseo ya sin objeto. Por eso amor: Bésame hasta que me quede sin aliento.

(1) PROUST. De la imaginación y del Deseo. Ediciones Península Barcelona, 2001

¿PRINCESAS?

2008-05-13T18:30:00.004+01:00

Lo menos frecuente en este mundo es vivir. La mayoría de la gente existe, eso es todo.

(Oscar Wilde)

Princesas que abandonaron el cuento de su vida.

Si busco en sus tutúes de bailarinas siempre asoma un hilo donde tirar, y si estiro de él cada vez se me muestran más sinceras, más desnudas.

Princesas que nunca volverán a decir que son demasiado pequeñas para luchar contra los dragones.

Princesas que cosen tapices,

Princesas que pintan,

Princesas de rosa,

Princesas de seda,

Princesas Coloreadas.

Princesas que mancharon sus zapatos de cristal saltando en los charcos. Desobedecieron a sus madrinas, y burlaron a los leñadores.

Princesas de corazones,

Princesas destronadas,

Princesas que saltan,

Princesas Sanadoras,

Princesas Dolorosas.

Princesas Doloridas.

Dolorosamente conscientes de sus coronas, andando de puntillas para que sus hijos no escuchen sus tropezones, andando despacio, con los brazos extendidos para mantener el equilibrio. Princesas Valientes.

PODERES DE SEDUCCIÓN

2008-05-11T12:19:00.005+01:00

Hoy, comentaba con un amigo residente en China sobre el poder de la seducción, mientras que yo tomaba el café matutino y él disfrutaba de otro a media tarde. La conversación, ha sido como siempre producente, y hemos acabado hablando sobre el libro llamado: 'Psicología de la seducción' de Alejandra Vallejo-Nájera, que explica cuales son los secretos psicológicos que determinan la facilidad de algunos individuos para atraer el apoyo automático de todos aquellos que le rodean.

La seducción se relaciona con el éxito amoroso, pero no es sólo eso, la seducción es para algunos casi una forma de vida, el aprender a seducir puede generar éxito, no sólo en el terreno amoroso, sin también social, laboral, entre otros.

Vallejo-Nájera, en su obra, explica nueve diferentes tipos de seductores e infiere en que es importante reconocer a que tipo de seductor pertenecemos para poder sacarle el máximo partido, la seducción consiste en hacer sentir al otro importante y convencerle de lo mucho que puede llegar a aportarle nuestra compañía. Es importante no intentar conquistar a un seductor igual que tu, sería aburridísimo y la que la relación estaría abocada al fracaso. Sin más, pasamos a comentar simplificadamente los temperamentos seductores según Vallejo-Nájera, son los siguientes:

TEMPERAMENTOS SEDUCTORES: ¿Cuál Eres?

Afrodita. Desprende sensualidad, que ofrece a hombres serios, protectores. Desea seguridad y sentirse mimada. Su emotividad fluctúa entre la risa y el llanto. El seducido siente que se afianza su imagen de hombre sexualmente poderoso. Para seducirla se le debe ofrecer lealtad, seguridad y optimismo.

El vividor. Busca aventuras y ofrece una pasión desbordante a mujeres un poco inseguras y maternales. Para ello las agasaja con ardor. Es narcisista, pero con problemas de autoestima; por ello necesita admiración. Para conquistarle hay que admirarle y ayudarle a encauzar sus emociones.

El rescatador. Es el ángel que soluciona todos los problemas, ofreciendo ayuda y generosidad. Buscan personas caóticas, despistadas y con baja autoestima. Le motiva el sentirse indispensable. Para seducirles hay que admirar su ayuda y ayudarle a dedicarse tiempo a sí mismo.

El artista. Creativo y romántico, busca personas sensibles a la belleza, a las que impacta con su genialidad. Quiere sentirse especial y por ello hay que respetar su idealismo, valorando su autenticidad.

El cautivador. Alegre y de verbo ágil, es el rey de la empatía que busca personas rígidas y autoexigentes que precisan positivismo. Disfruta de la vida y para conquistarle hay que evitar mostrarse infeliz y no criticar a nadie.

El intelectual.. Ofrece sabiduría a cualquiera que quiera estímulos intelectuales. Son muy selectivos y dan a entender que no necesitan al otro. Para conquistarlos hay que respetar su espacio y soledad y no abrumarle con exigencias emocionales.

El encantador. Es el oasis de la tranquilidad y la afabilidad, del apoyo y la falta de pretensión, sobre todo con personas con problemas de estrés. El encantador no discute y alimenta la autoestima del contrario. Le motiva sentirse cómodo.

El líder. Para ser líder y seductor hay que tener carisma. Ofrece protección y decisión a personas que necesitan sentirse integradas en un grupo. Para ello muestra una gran seguridad y energía, motivado por el control y el dominio de su espacio y las personas que le rodean. El seducido deja la responsabilidad en sus manos y debe evitar el engaño, algo que no soporta un líder.

El divo. Es el estilo, el 'glamour' sin esfuerzo aparente, con el que atrapa a personas abrumadas por la rutina. El divo se muestra etéreo, insinuante y distante y busca la perfección. Para atraerle hay que animarle a no tratarse con tanta dureza, hacerle disfrutar con pequeños placeres de la vida imperfecta

ADICTOS AL AMOR, El último chute....!Por favor!

2008-05-10T14:11:00.005+01:00

Mucho hemos oído sobre el amor: Colin Tellado, telenovelas venezolanas, maravillosas comedias románticas americanas, el especial San Valentín del diario de Patricia, dedicado a demostrarle tu amor a tu pareja, y más, y más….

Mas allá de todos esos indicios sociales que nos hacen pensar que somos seres para el amor, poco sabemos de su verdadera causa y trascendencia.

Para empezar, ¿Por qué nos enamoramos de una determinada persona, y no de otra que sensatamente sabemos que nos beneficia mucho más?, Según el Psicoanálisis la respuesta esta en los recuerdos inconscientes, principalmente recuerdos de la primera infancia. Parece ser, que mucho antes de haberse construido nuestro psiquismo ya hemos construido un molde completo de circuitos cerebrales que determinan de quién nos enamoraremos. Según el sexólogo John Money estos mapas se desarrollan entre los 5 y 8 años como resultado de asociaciones de miembros de la familia con los que se ha establecido apego. Esto hace que cuando aparece ante nosotros el verdadero amor ocurra un sinfín de relaciones inconscientes que nos lleven a reconocerlos.

Por otro lado, hay psicólogos que atañen a “la teoría de la correspondencia”, esto quiere decir que, cada cual busca y se enamora de la persona que cree merecer, dependiendo de su estructura mental de autoconcepto y autoestima de cada uno. Esto explicaría casos en los que personas nunca llegan a enamorarse de nadie ,porque el nivel de autoestima es tan alto que nadie llegaría a ser lo suficientemente bueno como para satisfacerlo o los casos en los que determinadas personas eligen una pareja que les trata vilmente y aguantan sacrificadamente, porque consideran que es e lo que ellos merecen.

También he oído, que los que se enamorarse locamente , son personas inmaduras, personas con baja autoestima y desajustes emocionales, y que las personas maduras y sensatas no se dejan caer en las tormentas emocionales.

Quizás la causa del amor que más adeptos ha ganado en los últimos años, es que el amor es pura “electro-Química". En la cascada de reacciones emocionales, hay electricidad (descargas neuronales) y hay química (hormonas y sustancias que participan). Esto es una causa orgánica que explica porque una pasión amorosa descontrola nuestra vida y explica los extraños síntomas del enamoramiento.

Parece que cada vez hay menos dudas, el amor es una enfermedad, es como un persistente rosario de circuitos obsesivos que te descontrolan. Si en una gastroenteritis los síntomas se instalan en el estomago, los padecimientos del amor se esconden irónicamente en esa desconocida red de filamentos que llamamos sistema nervioso. En él, todo es pura pulsión y oleaje químico, una tempestad donde se asienta sentimientos raramente encontrados como el miedo, el goce, el dolor, el orgullo, los celos, el ardor sexual, el odio, y por supuesto en amor.

A través de los nervios microscópicos, los impulsos se transmiten a todos los poros de nuestra piel, a todos nuestros folículos pilosos. Todo nuestro cuerpo se ve envuelto en la trinchera del amor, desde el músculo intestinal, las glándulas lacrimales, la vejiga y los genitales, el organismo estero esta sometido a este bombardeo. Las órdenes se suceden a velocidades de vértigo, los neuroconectores envían señales contradictorias: ¡acción! ¡control! ¡constricción! ¡control! ¡dilatación! ¡Control! ¡secreción! ¡control!.

Todo es urgente, expectante , efervescente, impelente , determinante ...... No existe en esta lucha, fuerza alguna de voluntad, es el reino cartesiano del “siento, luego existo”, todo es carne, todo es pulsión, todo es absolutamente primario. Es el lugar donde la razón se convierte en una desconocida extranjera.

Es un autentico chute que sube nuestros niveles de dopamina y serotonina, que nos vuelve impacientes a la espera del próximo chute, una enfermedad para la que posiblemente un día exista una cura, ansioliticos o antidepresivos que nos vuelvan insensibles y nos aparten de la más mínima sensación de emoción.

Mientras que eso ocurre, hoy por hoy, lo mejor que te puede pasar en la vida es amar y ser amado.

Nada Fui...

2008-05-08T17:53:00.003+01:00

Somos objetos los unos para los otros, y los otros para los unos.

Quizás, con suerte, sea una muñeca de cabellos ensortijado.

Quizás, por accidente, solo he sido el espejo roto donde nunca te mirabas.

Nada fui, que no pudieras aplastar con una sonrisa.

Nada fui, que no sonara como un gastado instrumento

Nada fui, que no acumulara polvo en una estantería.

Un objeto para juguetear a las cosquillas.

Un objeto para ascender atalayas personales.

Un objeto para ser tú, y sentir que estás vivo.

Ahora,

Bastaría con saber que no basta, con bastarte.

Ojalá pudiera abrir y cerrar los ojos, sin que tú me zarandeases.

EL ARTE: Una identificación Corporal.

2008-04-23T23:40:00.004+01:00

"El encuentro con cualquier obra de arte implica una interacción corporal. El pintor Gram. Sutherland expresa su opinión sobre el trabajo del artista: “En cierto sentido, el pintor de paisajes casi debe mirar el paisaje como si fuera el mismo; el mismo como ser humano”. Según Cézanne, “el propio paisaje piensa en mí y yo soy consciencia” Una obra de arte funciona como otra persona con quien uno conversa inconscientemente. Al enfrentarnos a una obra de arte proyectamos nuestras emociones y sensaciones sobre la obra. .. Prestamos nuestras emociones a la obra, mientra que la obra nos presta su autoridad y su aura.

Finalmente, nos encontramos a nosotros mismos en la obra. La idea de “identificación proyectiva” de Melanie Klein propone que, de hecho, toda interacción humana implica la proyección de fragmentos del yo sobre otra persona"

Fragmento de la obra:
Juhani Pallasmaa (2006): Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos. Gustavo Gili. Barcelona Pág 67

Y , ¿si volviéramos a pensar como cuando éramos niños…?

2008-04-23T00:38:00.005+01:00

De pequeña pensaba, que yo era especial porque la luna me seguía a todas partes,
De pequeña pensaba, que antes de que yo naciera el mundo era en blanco y negro, porque lo veía en las fotos y en las películas antiguas. Pensaba que conmigo nació también el color, y que gracias a mi existían los colores plastidecor y las plastilinas de colores.
De pequeña confundía siempre la palabra ignorancia, con la palabra inocencia.
De pequeña creía, que cuando fuera mayor lo sabría todo.

Ahora, quiero aprender todo lo que olvidé, Ahora sé que las respuestas de los niños siempre serán las más sabias.

(Anita tiene 5 años, nos habla sobre el dinero)

-Anita, ¿De donde viene el dinero? – Creo que de Dios, pero no lo sé bien.
- Y, ¿Cómo hace Dios el dinero? – Pues como hace todas las cosas, haciendo un milagro. Dios hace los milagros y luego los discípulos de Jesús reparten el dinero a los bancos, y los bancos se lo dan a las personas.
- Y, ¿los bancos les dan suficiente dinero a todo el mundo? – Si, vas y pides lo que quieres, pero si no tienes suficiente dinero, coges un billete y le haces fotocopias.

(Hugo tiene 6 años y nos habla de la fábrica de dinero)

-Hugo ¿De donde sale el dinero? – de una fabrica que los hacen, lo vi en la tele.
- Y ¿tu crees que hacen suficiente dinero para todo el mundo?- si, ellos hacen para todos los que le piden dinero
- y, ¿Por qué existen los niños pobres? – porque sus papás no tienen tiempo para ir a pedir dinero a la fabrica, o porque no saben donde está.

(Carla tiene 5 años, nos habla de su posición económica-social)

-Carlita, ¿tus padres y tú como sois?- Mi mamá es rica… pero mi papá es un poco pobre.
- ¿porqué? Porque mi mamá tiene muchas monedas en su bolso, y mi padre no tiene bolso.
- ¿Dónde consigue el dinero tu madre? Le sale solo en el bolso. Y tiene una tarjeta que se la enseña en las tiendas y le dan todo gratis.
-¿Por qué? Porque pone el nombre de mi madre, y como la conocen, se lo dan gratis
-¿y de donde sacó tu mamá esa tarjeta? No sé… cuando yo nací ella ya la tenia.

(Pablito tiene 7 años, y nos habla de la retribución justa de los trabajos)

-Pablito, ¿Quién gana más un cajero o el director del banco? El cajero gana más dinero, porque al director del banco no le pagan porque ya es rico.
-Y ¿Por qué trabaja el director del banco? Porque le gusta mandar a los demás y él estar sentado. Yo quiero ser director del banco.
-Y , ¿Qué hay que hacer para ser director del banco? Nada, vas al banco a pedirlo, y te dejan.

Gracias niños por vuestros consejos.

EL CADÁVER; UN RESTO VITAL

2008-04-21T11:51:00.007+01:00

ALFRED KUBIN
Nuestras madre de todos, la tierra.1901
pluma y tinta sobre papel

Desde las culturas primitivas, se ha atribuido una dimensión curativa al cadáver, sobretodo, dentro del mundo de la curandería y la brujería. En todos los ritos chamánicos eran necesarios restos cadavéricos, como huesos o cráneos, entre otros. Ya que a través de ellos, el curandero hallaba una respuesta del más allá para curar al enfermo. Es más, se afirmaba que, el sólo contacto con los restos del cadáver, hacía mejorar considerablemente al enfermo.

Los restos de cadáveres, todavía se venden para realizar conjuros en los mercados de brujos clandestinos, los más conocidos serían el mercado de brujos de Taiwan, el de Perú y el de Bélgica, donde podemos encontrar como ingredientes para nuestras pócimas, desde huesos de cadáveres,hasta cabellos, uñas, dientes, entre otros.

Es conocido dentro de la brujería, el caldo de huesos humanos, como brebaje afrodisíaco y como un atrayente infalible del amor y del deseo. Bebiendo este caldo, hecho a partir de los huesos de un cadáver, se garantiza la felicidad y el deseo sexual de los cónyuges para toda la vida.

Según esto, una sustancia de nuestros huesos estaría relacionada con nuestra atracción sexual y con el amor. Quizás de esta creencia popular, resulten frases como: “estoy hasta los huesos” o “estoy por tus huesos”, en referencia a los estados más elevados del amor. Sea como fuere, lo que es cierto que es que estas formas de curandería todavía existen clandestinamente, y no necesariamente en las civilizaciones más primitivas

Los restos cadavéricos, sin embargo, han sido útiles en la vida cotidiana, sus orígenes se pueden encontrar en la antigua farmacopea, donde se utilizaba el sudor de los muertos para la curación de las hemorroides, entre otros remedios. Muchos de ellos, todavía se utilizan en la farmacología actual.

Sin ir más lejos, pensemos también, en las operaciones quirúrgicas, donde se hace un trasplante de un órgano de un cadáver, para su funcionamiento en un cuerpo vivo. Pensemos, en todos esos donantes de órganos, en los que más allá de la mortandad de su cuerpo, sus órganos han podido seguir trabajando en otro cuerpo llenándose de nuevo de vida.

Las tierras de las tumbas, son ricas también en poderes terapéuticos, demostrado está, que la proximidad de un cadáver acelera la vegetación de la planta. Como prueba de esto, tenemos que hoy en día se utilizan restos cadavéricos en los abonos de las tierras. A partir de estas premisas, autores como el antropólogo Philip Aries, se atreven a afirmar que: La corrupción es fecunda, la tierra de los muertos, como la muerte misma, es la fuente de vida: exquisitum alimentum est (es un exquisito alimento)1 .

1) ARIÈS, Philippe, El Hombre ante la Muerte, editorial Taurus, Madrid, 1987, Pág. 298

Una Artista asesinada durante la realizacion de un Performance

2008-04-14T23:47:00.005+01:00

Estupefacción y desconcierto ante la noticia que publica el país: “Pippa Bacca muere asesinada y violada durante la realización de un performance”.

Pippa Bacca, sobrina del artista conceptual Piero Manzoni, tenia 33 años y vivía y trabajaba en Milán. Las autoridades encontraron su cuerpo el pasado sábado 12 de Abril, tras detener a Murat Karatas, un parado de 38 años, que confesó haberla encontrado haciendo autostop y haberla violado y estrangulado hasta la muerte, poco después de subirla a su coche.

La performance “Brides on tour” (Novias en viaje) ,que realizaba Pippa Baca, en este caso junto a Silvia Moro, consistía en Viajar desde Milán hasta Jerusalén, pasando por los países de la Guerra, ataviadas con un traje de novia y una mochila. "El traje era una metáfora del encuentro con el otro, la unión y la búsqueda de la parte femenina positiva, de la mujer como fuente de vida, estabilidad y sensatez", explicó su hermana.

Las dos artistas salieron de Milán el 8 de marzo y viajaron juntas por Eslovenia, Bosnia y Bulgaria, hasta Estambul. Durante el recorrido, Silvia se hacía bordar el traje, mientras que Pippa se concentró en el ritual de lavarle los pies a las matronas de cada pueblo por el que pasaba documentando fotográficamente todo el evento, que pensaba exponer en la galería Byblos de Verona.

Tras la noticia de su muerte, su hermana menor Rosalia Pasqualino di Marineo repite a los medios de comunicación: “el trabajo de mi hermana, estaba basado en la confianza en los demás”

vía: www.elpais.com

www.corrieri.it

Escenas de una Performance inacabada

La realidad ...

2008-04-09T13:30:00.004+01:00

Eva Cristina Mesas Escobar
serie "Manzanas Desesperadas"
Fotografía Digital en color

Ver la realidad es solo mirar, pasar por un lado como un simple observador.
Observar la realidad es dejar la mente en blanco, no conversarla,no respirarla, simplemente hablar por hablar, vivir.
Vivir la realidad es saborearla, interrogarla, buscar conexiones, pensarla, soñarla, contemplarla. Es devolver la realidad hacia ti, dejarla que se manifieste en ti, fundirte con ella, hundirte.
Hundirte en la realidad, es hablarle desde la tierra, fantasearla,inventarla, dejar que entre en ti, y después, volverla si cabe mucho más real.

Ahora……llámame esquizoide, si quieres…

SUICIDE GIRLS; Las nuevas chicas de Revista.

2008-04-06T02:03:00.009+01:00

Suicide Girls, se trata de una web erótica de internet: www.suicidegirls.com, que comenzó en 2001. En sus orígenes fue una red de “fotolog” donde una comunidad de chicas malas con aire intelectual, colgaban sus fotografías, y daban a conocer por voluntad propia su lado más sexy. Hoy por hoy, esta generación de “chicas suicidas”, se han convertido en un hito mediático y contra-cultural, además de ser un referente ineludible de la fotografía erótica contemporánea.

Estas chicas re-inventan una nueva forma de erotismo, además de un nuevo rol de la mujer en la sociedad, representan a esa mujer con carácter que decide mostrar con desenfado la parte más sensual, no sólo de su cuerpo, si no también de su alma. Puesto que ahora, estas chicas de revista nos cuentan lo que leen, escuchan música alternativa, escriben reflexiones poéticas, son amantes del arte y la literatura, y nos lo hacen saber a través de sus blogs personales. Son ante todo, mujeres cuyas ideas de la sexualidad no concuerdan con los ítems establecidos en los medios de comunicación. Entienden que la sensualidad y el erotismo en la mujer, va siempre unida a la creatividad a la personalidad y a la inteligencia.

Una suicide girls no busca con sus fotografías, la celebración del sexo ni el onanismo másculino, su búsqueda va en torno la integración social de lo erótico, el arte y la estética underground. A través de sus links encontramos chicas que hacen de su cuerpo un soporte artístico con insólitos tatuajes, piercings, o incluso escarificaciones, Chicas con estilos góticos, punk, metal, pop o rockero, entre otros. Con cortes extravagantes y melenas extrañamente coloreadas. Desde chicas que esbozan la dulzura de la Betty Boop hasta las que suscitan el erotismo siniestro de la mismísima Elvira.

Se ha utilizado el término “Altporn”, que traduciríamos como “porno alternativo”, para describir a este evento internauta, y a otras páginas que suscitan modelos de erotismo similares. Sin embargo, esta novedosa forma de pseudo-pornografía va ligada sobretodo, a una posición estética y a una visión artística, el sexo explícito y las piernas provocativamente abiertas no tienen cabida en esta página.
Digamos, que en estas páginas, el sexo tiene el desenfado de la misma Courtney Love, la distinción de las chicas pin-up y la sutileza de un psuedo-porno muy descafeinado.

Cabe destacar, que en los últimos años, esta web ha alcanzado la categoría de culto y se ha convertido en todo un icono representativo del siglo XXI. Puesto que "suicide girls", además de presentarnos a estas chicas raras, entrevistan a sus ídolos. Estrellas como Maliryn Manson, escritores como Irving Welsh, tatuadotes como Rich White, dibujantes de comics como Joe Matt y cineastas como David Cronenberg, están en las diferentes secciones, entre los contenidos de esta página web, lo que hace de ella mucho más que un sitio erótico.

Hay que decir, que aunque hay algunas galerías gratuitas, la mayoría de sus salas son de pago. Sus miembros, el 43% son mujeres, pagan por leer los testimonios de estas chicas en sus blogs y compartir ideas, sólo un 20% del tráfico es directamente hacia las fotos.

Este evento ha ido más allá del medio informático, y en los últimos años estas "chicas suicidas" se unen para realizar espectáculos itinerantes por todo el mundo, además, encontramos varias publicaciones de lujo, donde se recopilan las mejores fotos de la web. El fenómeno Suicide Girls ha encumbrado a Missy Suicide, como una de las fotógrafas más prometedoras del siglo; no en vano, hay que señalar que ha sido incluida por Eric Kroll y Dian Hanson en la prestigiosa antología de la editorial Taschen: “The New Erotic Photography”

Ultimamente, han sido añadidos como un subgrupo de la página, “los suicide boys”, siguiendo la misma estructura y estética de las suicide girls pero con modelos masculinos.

Esta web nos demuestra, que van perdiendo fuerza los ítems femeninos, con grandes prótesis de silicona, ataviadas con lencería fina, interminables tacones y exuberantes cabelleras californianas, claramente descerebradas que sólo serían capaces de abrir la boca para realizar una felación. Suicide grils entiende una nueva forma de erotismo que esta ganando terreno a las mismísimas conejitas de play boy o a las vecinitas de FHM.

Web:http://www.suicidegirls.com

PALABRAS PARA UNA MIRADA

2008-04-01T13:54:00.005+01:00

"Acerco tu rostro hasta mi boca, y quiero que
mi vida y tu historia concluyan bruscamente.."

audrey kawasaki

PALABRAS PARA UNA MIRADA

Miras, con ojos luminosos,
mientras hablo, mis ojos. Los cabellos
son fuego y seda,
y el rosa laberinto del oído
desvaría en la noche,
acepta las razones que doy sobre una vida
que ha perdido la dicha y su mejor edad.

¿Cómo me ven tus ojos? Yo sé, porque estás cerca,
que mis labios sonríen,
y hay en mí delirante juventud.
Inocente me miras, y no quiero saber
si soy el más dichoso hipócrita.

Sería pervertirte decir
que quien ha envejecido es traidor,
pues ha dado la vida
o dado el alma,
no sólo por placer, también por tedio,
o por tranquilidad;
muy pocas veces por amor.

He acercado mis labios a los tuyos,
en su fuego he dejado mi calor,
y emboscado en la noche
iba espiando en ti vejez y desengaño.

Francisco Brines
poesía contemporánea.

BRAGAS PONTE

2008-03-30T22:39:00.003+01:00

Yo quiero las bragas que ella esta usando.

ME CAGO EN EL AMOR

2008-03-30T02:43:00.003+01:00

Después de un largo día de trabajo cierro el word, y me viene a la cabeza un pensamiento: "me cago en el amor", sin demasiadas esperanzas de encontrar algo que me alivie busqué en google esta frase, cual fue mi sorpresa cuando encontré que existía una canción con este título.

E' un mondo difficile
e vita intensa
felicita' a momenti
e futuro incerto
il fuoco e l'acqua
con certa calma
serata di vento
e nostra piccola vita
e nostro grande cuore

Porque voy a creer yo en el amor
si non me entiende no me comprenden tal como yo soy
Porque voy a creer yo en el amor
si me traiciona y me abandona cuando mejor estoy
No sabemos muy bien entre tu y yo
y aunque parezca no tienes la culpa la culpa es del amor

No puedo convencer a mi corazón
si yo no dudo, y estoy seguro que el tiene razón
No voy a asesinar esa sensación
si yo la quiero, yo la deseo aunque me de dolor
Yo no quiero sufrir, pero aqui estoy
y estoy sufriendo, y no me arrepiento: me cago en el amor

Me cago en el amor
Me cago en el amor
Me cago en el amor
Me cago en el amor

Es más, para quien pueda interesarle, deciros que también encontré una página web, donde cualquier usuario tiene la posibilidad de escribir en que desea cagarse.
En fin.. una vez más... el ciber-espacio no deja de sorprenderme.
aquí os dejo la página; una web exclusiva para cagarte en todo, y despacharte a gusto:

www.mecagoen.com

¿PARECIDOS RAZONABLES?

2008-03-29T02:41:00.005Z

Para los que todavía no lo sepan,En esta página de Internet:
http://www.myheritage.es

Te hacen un reconocimiento facial gratuito a partir de una fotografía tuya, y sacan un determinado número de celebridades "a las que te das un aire".
como podéis observar en mi reconocimiento, los resultados dejan mucho que desear, pero de todas maneras resulta muy divertido. Os animo!

Observar mi parecido con Madonna es verdaderamente increíble.

Como el Dr. Jeckyll y Mr.Hide

2008-03-27T22:48:00.005Z

Eva Cristina Mesas Escobar
" Serie Mis miedos",
acrílico sobre madera

Me siento como esa niña pequeña, que golpea los juguetes contra el suelo y chilla, cuando los mayores hablan, únicamente para que su mamá la coja en brazos y juegue con ella, pero lo que suele ocurrir es que mamá la castigue y la mande a su cuarto hasta que se vayan las visitas. Aún así, y después de estos entrenamientos infantiles por moralizar nuestro comportamiento y actuar correctamente, no llegamos nunca a entender, que nuestra necesidad de atención de los otros, no se puede pedir con reproches ni golpeando muñecos contra el suelo.

Es en estos momentos, cuando alguien que no pareces conocer, y que sin embargo eres tu mismo se comporta de manera impertinente, me gusta recordar esta frase que el Dr. Jeckyll, repetía a sus seres queridos antes de transformarse en Mr.hide:

Quiéreme cuando menos lo merezca, porque será cuando más lo necesite.

MANUAL DE CONTRA-AYUDA

2008-03-26T01:54:00.012Z

¿CÓMO ECHAR A PERDER UN LIGUE ANTES DE LA QUINTA CITA?

Porque perder un ligue antes de la 5º cita, sólo es fácil para algunas.
Para otras, resulta muy complicado, ya que requiere un gasto de energía incalculable, haber adquirido a lo largo de la vida algún tipo de trastorno emotivo-sentimental o ser una neurótica histérica desde el nacimiento.
Sin embargo gracias a los últimos estudios psicológicos y con este manual de contra-ayuda tú también puedes arruinar cualquier cita de una manera fácil y sencilla.

Este Manual es Para aquellas que siempre han deseado que sus citas fueran siempre un auténtico fracaso, olvídate de amores interminables, de largas horas de enchochamiento colgada del teléfono, de recibir flores el día de San Valentín. Ahora, hacer que tu chico te mande a paseo antes de la 5º cita, Es fácil, si sabes como.

(primera cita): La primera impresión siempre es la que cuenta, por eso debes procurar que la primera imagen que tenga de ti sea patética.

Atrezzo ideal para tu cita. (No olvides estos básicos)

1. Relleno en el sujetador, procurando que se termine saliendo la esponja y se vea descaradamente
2. Minifalda estilo “parece un cinturón”, que la medida de la minifalda no sea más larga que el hilo que cuelga del tampón.
3. Taconazo de quince centímetros, modelo “chúpame la punta” con cinco centímetros más de plataforma, con los que casi no puedas andar para parecer una perfecta inútil.
4. Los postizos, una cita es la ocasión ideal para sacar del armario todos los postizos que puedas colgarte, pelucas, uñas, pestañas, gorros, pamelas, entre otros…

Imágen Fuente vía:
http://anaelenapena.blogspot.com

Cuando llega el momento íntimo, puedes tomar dos posiciones básicas, a depender del carácter y la personalidad de la usuaria, ambas resultas infalibles.

Posición 1: (La Virginal) Hazle saber desde la primera noche que eres Virgen, y que piensas llegar virgen al matrimonio. Adviértele que debe pedirte permiso cuando quiera besarte.

Posición 2: (La Promiscua) Acuéstate con él la primera noche, pero hazle saber que es el tercer chico con el que te acuestas en la misma noche. Mientras que os acostáis dile insistentemente que "le quieres". Cuando acabéis pregúntale si "te quiere". Bautiza su aparato reproductor con un nombre cursi y siempre en diminutivo (los más usados son; mi lombricita, mi pililita, mi capullito de alhelí, entre otros..)

En cuanto llegues a casa llámale, si no ha llegado llámale mas tarde para montarle un pollo por tardar tanto en llegar.
Después llámale más tarde todavía, (si es posible despiertalo a mitad de la noche) para pedirle perdón.

Puedes pedir consejo a tu mejor amigo gay, el siempre sabrá como fomentar y potenciar tu neurosis histérica con comentarios malintencionados (¿verdad, jaimito?), Aprovecha para ponerle verde y criticarle con tus amigos en cualquier ocasión.

(Segunda cita):Ves a buscarle al trabajo y preséntate a todos sus compañeros como su novia. Dirígete a él en público, con el mismo nombre con el que has bautizado a su aparato reproductor.
Dile que no soportas a ninguno de sus amigos y coméntale que tiene que cambiar su forma de vestir. A partir de este momento sustituye el pronombre “yo” por el de “nosotros”.
Si has elegido la versión promiscua llévale a casa y acuéstate con él, haz todo lo posible porque se de cuenta que llevas el mismo tanga que ayer.
Si has elegido la versión Virginal, acúsale de mirarte las tetas con cara de pervertido móntale un pollo, llámale pervertido en medio de la calle.

(Tercera cita): Regálale un disco de lo Panchos pirata con vuestros nombres dibujados en un corazón, y oblígale a ponerlo siempre que montéis juntos en el coche.
Cuando le suene el móvil, cógelo tú y di que no se puede poner porque está contigo.
Échale en cara que no te quiere porque pasa más tiempo con sus amigos y con su familia que contigo. Prohíbele quedar con sus amigos porque son una mala influencia para él.

Por la tarde engáñale y llévatelo sin avisar a una reunión familiar en una casa de campo donde no pueda escapar, y oblígale a tragarse todos los vídeos familiares de bodas y comuniones, y todos los registros fotográficos, no le dejes escapar hasta altas horas de la madrugada.

Después, si has elegido la versión promiscua acuéstate otra vez con él, vuélvele a enseñar el tanga de siempre. Si llega a darse cuenta, hazle saber que es el mismo, y dile que le diste la vuelta la semana pasada.
Cuando llegues a casa Llámale en mitad de la noche y dile que crees que estás embarazada, oblígale a salir de la cama y a acompañarte a buscar un predictor en farmacias de 24 horas.

si has elegido la versión Virginal, llámale igualmente a mitad de la noche y dile que crees que estás embarazada, si el te recrimina que no puede ser porque ni siquiera os habéis acostado, explícale que por eso le has dicho que "creías", si no le hubieras dicho directamente que estás embarazada.

(Cuarta cita):Si has elegido la versión Promiscua plántate en su casa a media noche llorando y dile que ya no sientes nada cuando hacéis el amor y que se ha vuelto para ti un perfecto desconocido, que estás segura de que es gay y de que te pone los cuernos con su amigo Lucas.

Si has elegido la versión Virginal plántate en su casa a media noche y dile que es un cerdo y que sólo quiere acostarse contigo.

En ambos casos, sin parar de llorar insúltale, sácate el chicle de la boca y pégaselo en el pelo, quítate el zapato de taconazo de quince centímetros y tíraselo a la cabeza. Saca un bote de pastillas del bolso y amenázale con tomártelas todas si te deja, finge un ataque histérico, tírate al suelo y finge que no puedes respirar de la ansiedad, patalea, llora, empléate a golpes con todos los muebles de su casa, después coge la puerta y vete, no sin antes pasar por su coche rallarle toda la tapicería, romperle la antena y pincharle las ruedas.

Si has seguido hasta ahora las instrucciones tal y como han sido expuestas en el contra-manual las posibilidades de éxito son casi absolutas. La quinta cita jamás ocurrirá. Ahora busca entre tus vínculos sociales a tu siguiente víctima, y vuelve a empezar, con la práctica es muy posible que llegues a espantarlos en tu primera cita

Ánimo usuaria.

Desde el Lugar de la Nostalgia

2008-03-23T23:52:00.001Z

Nostalgia….

Añoramos, porque un día la pérdida de lo absoluto se cebó sobre nosotros, añoramos la perdida insalvable de “atmósfera anglos”, ese lugar de plenitud del vientre materno, un espacio de perfección, un momento de no distancia entre el deseo y la satisfacción. Donde todos nuestros deseos fueron una día satisfechos automáticamente, y nos creímos omnipotentes.

Añoramos desde esa primera experiencia de separación de la “atmósfera anglos”.
Una vez fuera del vientre materno anhelar se torna algo esencial, el individuo se enfrenta siempre a un “pudo ser y no fue”. Anhelar, es un recuerdo de algo que jamás se tuvo. Anhelar , es siempre sin anhelo, sin deseo, sin objeto.

Esta sensación de no-deseo aparece también en el amor, el amor recupera en el individuo ese espacio de totalidad, esa primaria “atmósfera anglos”, donde el otro que nos ama y al que amamos responde con exactitud a todos nuestros deseos, donde la felicidad es plena, donde el otro nos da todo, nos vuelve omnipotentes de nuevo, nos devuelve la integridad y en esa plenitud del amor es imposible anhelar, el amor nos devuelve a un espacio de no-anhelo.

Pero sin embargo, en ese vínculo amatorio, siempre hay algo de melancólico, pese a la integridad que nos ofrece el amor, la sombra de la nostalgia planea sobre nosotros, después de hacer el amor pensamos: “Si fuéramos siempre así de felices”, intuimos la perdida, pero no queremos aceptarla, y preguntamos: “cariño, ¿Me amarás siempre?”, esperamos un sí por respuesta, y nos dormimos tranquilos, con las comisuras de los labios sonrientes creyendo haber recuperado lo que nunca se tuvo, ese algo que nos falta a todos, ese recuerdo primario de la atmósfera anglos que en el amor se recrea simbólicamente en lo imaginario.

Pero en el paso de esa plenitud imaginaria a la realidad, esa nostalgia inicial se vuelve insondable en la indeterminación de un anhelo desbordado, el otro con el tiempo parece no ser como lo habíamos recreado en lo imaginario, cuando se rompe el amor nos invade la culpa: “Como pude perder la plenitud que tuve”, después el reproche: “como tú permitiste que yo perdiera esa plenitud que teníamos”.La pérdida nuevamente irrecuperable es una sensación de “haber estado en otra parte ideal” y querer siempre volver, el deseo odiseico de volver a la Ítaca de los orígenes.

Mariano Ibérico, en su obra “perspectiva sobre el tiempo”, definía la melancolía como: “un sentimiento de encanto ante el recuerdo del objeto ausente o desaparecido para siempre en el tiempo, un sentimiento de dolor ante la inasequibilidad de ese objeto, en fin un anhelo de retorno que quisiera transponer la enigmática distancia que separa el ayer del hoy y reintegrar el alma en la situación que el tiempo ha abolido.”

Por otro lado, podríamos pensar que cualquier acto creativo estaría ligado también con la nostalgia, y un regreso a veces doloroso al interior de uno mismo, quizás también un esfuerzo por recuperar el amor, un acto de amor sublimado.

Son innumerables los escritores y artistas que declaran, que crean para ser amados, o para seducir, o para recuperar el amor o el reconocimiento de los otros amados.

Hanna Segal dijo que “el arte es lo más similar a un proceso de duelo, solamente puede ocurrir después de una gran pérdida”, Por otra parte el cantante Joan Manuel Serrat nos hizo saber que: “siempre se canta lo que se pierde”.

Según esto se podría afirmar, que el escritor escribe porque ha perdido un algo inenarrable, y el pintor pinta para recuperar esa imagen desconocida que añora.

Dicen también que es fácil enfermar de nostalgia, y que esa búsqueda melancólica hacía los anhelos del interior es como atravesar un embravecido mar donde el individuo o el artista navega, y otras veces naufraga.

Ibérico, mariano, Perspectivas sobre el tiempo, U. N. M. San Marcos, Lima, 1958, p. 164.
Mondéjar, Lola, Proceso creador y psicoanálisis, artículo publicado por la revista CPM (centro psicoanalítico de Madrid).

Cambiamos Principe Azul por Lobo Feroz

2008-03-21T08:36:00.003Z

K2 Art. Ken Keirns
http://ponyexpress.wordpress.com

¡Atención!: Mujeres urbanas, madres trabajadoras, solteras ciclotímicas

En el siglo XXI todas estas mujeres comparten un paso evolutivo que Darwin describiría como: "la lógica selección natural".

Este nuevo milagro en la especie alcanza su cumbre el día en el que la mujer
deja de querer ser la princesa para convertirse en la madrastra.

El momento en el que desea un cambio de rol en el cuento popular.
Porque ¿quién querría ser una lánguida princesas al cuidado de siete enanitos?

Ya está bien de historias
malintencionadas.
¡Qué jeta tenían los Grimm, Andersen y Perrault!
¡Cuentistas, más que cuentistas!

Ni zapatos de cristal
ni polvos mágicos ni espejos
sinceros.

Unos buenos Manolos,
polvazos de verdad y elixires
de la eterna juventud.

Te pongas como te pongas, los coches blancos son una horterada y un
rubio vestido de azul celeste de arriba abajo con una pluma en la cabeza, también lo es.

Córtate las trenzas, tira la banda de miss al mar,
regala manzanas para
dormir a la competencia, fúgate
con el lobo y date un baño de espuma con él.

Recuerda:
mientras las princesas duermen,
las brujas vuelan.

Cambiamos Príncipe Azul por Lobo Feroz
SANCHEZ SILVA, RAQUEL
EDICIONES AGUILAR

LAS SUPERAMIGAS CONTRA EL PROFESOR VINILO

2008-03-19T21:40:00.005Z

Hoy, para celebrar el día festivo, os voy a colgar un entretenido cortometraje, para todos aquellos adeptos de la música popy , de las minis, de las gafas de pasta, del flequillo recto, de la casa azul, de las chuches y las gominolas, del tang de naranja, del hula-hop, del pepper-mint, de los foskitos, de las pompas gigantes de chicles, de los globos tecnicolor y de la inocencia sexy.

LAS SUPERAMIGAS (PARTE I)

LAS SUPERAMIGAS (PARTE II)

MAMÁ...TENGO PIPI

2008-03-19T15:23:00.005Z

QUE DIFÍCIL ES IR AL BAÑO SÓLITA....

Aeric Meredith_Goujon
Goddelijke Gladiolen

Durante la pasada noche me di cuenta de lo difícil que resulta el afrontar el duro momento de ir sola al baño sin una amiga que te sirva de apoyo.

Pienso que la culpa de todo esto las tienen las madres, y es que desde que somos muy pequeñitas observamos con estupefacción todo el laborioso ritual que gira en torno a la evacuación de las aguas menores en los baños públicos, creo recordar el proceso era algo así:
Primero mamá cogía un buen trozo de papel higiénico y limpiaba toda la superficie de water, después iba recontando tiritas de papel higiénico y las iba colocando cuidadosamente sobre el perímetro de la taza, después de preparar con minuciosidad el “atrezzo”, te cogía por debajo de los brazos te levantaba casi un metro por encima de la taza del water, escena que me recuerda a la coronación del rey león, y ahí en ese momento, es cuando te tocaba orinar.

Claro, entonces no entiendes porque tu madre ha transformado todo el water en una momia con tiras de papel, cuando tu vas a mear desde aproximadamente un metro de altura…. pero poco a poco vas atando cabos, y ahora entiendo, que lo que mi madre quería era entrenar mi puntería desde las alturas, ya que la evacuación perfecta era aquella en que todo el orín caía dentro del water sin salpicar ni una gota en la tiras de papel higiénico, colocadas a modo de frontera. De hecho creo que llegué a conseguirlo con mucho esfuerzo y concentración en más de una ocasión.

A medida que vas sumando años, peso y altura, llega un momento en que tu madre ya no te puede sostener con su brazos y entonces es el momento de aprender la técnica del balanceo circular sobre el inodoro, también conocida como el “perrea, perrea” ya que el movimiento sobre el water es similar al de este paso de reggeton.
Simplificando, el “perrea, perrea”, consiste en balancearte sobre el inodoro, en posición de sentarse pero sin que tu cuerpo haga contacto con la taza, entonces levantar el culito lo máximo posible, contraer el abdomen, lo cual nos aporta estabilidad muy necesaria, sobretodo si se llevan tacones, y entonces llega el momento complicado que es el de contrarrestar con movimientos circulares de cadera la dirección del chorrito, cuando veas que el chorrito se empieza a dirigir hacia la derecha contrarrestas con un giro a la izquierda con la cadera y vas dirigiendo el movimiento.

La posición del “perrea perrea”, es una de las primeras lecciones básicas de la vida, que se transmite de generación en generación y que todas tenemos que llegar a controlar, para poder sobrevivir a las salidas nocturnas sin infecciones.

Cuando una fémina pueril se enfrenta por primera vez a las salidas nocturna por discotecas, pubs y otros antros propiciadores del vicio, tiene que tener en cuenta sobre todo los consejos maternos, que suelen ser: “hija mía, no bebas nada que te ofrezca un desconocido, ten cuidado no te metan algo el la bebida (jijiji), no sueltes el bolso jamás, y nunca, nunca, nunca te sientes en un water”.

Y la adolescente en cuestión, sin descuidar en ningún momento los sabios consejos de la madre se dirige al baño para evacuar sin rozar el inodoro por miedo a coger una infección, después de haberse bebido dos coca-colas light sin soltar en ningún momento el vaso, por miedo a que alguien le metiera algo, sujetando fuertemente el bolso en todo momento con la otra, y bailando arrinconada detrás de los altavoces por miedo a que se acerque algún malvado desconocido.

En cualquier situación de salida nocturna para cualquier mujer, Llega el momento en que las necesidades fisiológicas se apoderan de tu cuerpo y tienes que ir al baño público, para empezar siempre hay una cola de morirse, Así que se pide la vez y se espera paciente, sonriendo amablemente a las demás mujeres que también están discretamente cruzando piernas y brazos. Es la posición oficial conocidísima, llamada, “jo, tia! Como me meo!”

Finalmente cuando llega tu turno , te lanzas casi tirando a la persona que va saliendo. Entras y te das cuenta que el picaporte no funciona, no existe forma humana de cerrar la puerta que se queda como mucho entornada. Inspeccionas el espacio, buscas el gancho donde colgar el bolso y la chaqueta pero no lo encuentras, así que buscas un espacio en el suelo que esta lleno de líquido indefinibles, y claro…. evidentemente no te atreves a dejarlo ahí, así que la chaqueta te la pones al hombro, y el bolso te lo enganchas en el cuello, que se balancea por debajo de ti a modo de péndulo, interfiriendo en algunos momentos la visión del espacio para poder controlar el chorrillo mediante la técnica del “perrea, perrea”.

En este punto entraría el valorar la cantidad de utensilios que las mujeres llevamos en el bolso y que sostenemos con el cuello, pero lo vamos a dejar para otro momento y volvamos a la puerta.

Hemos quedado que no tenía picaporte, así que la única opción humana de mantener la privacidad durante el acto de evacuación es sujetarla con la mano.
Tenemos la chaqueta en el hombro, el bolso colgado del cuello, una mano en perpendicular sujetando fuertemente la puerta, entonces con la mano libre, nos bajamos las bragas, medias u otros y nos colocamos en la ya conocida posición del “perrea perrea”, es en ese momento cuando tus muslos empiezan a temblar, porque estas casi suspendida en el aire con las piernas flexionadas, contrarrestando los movimientos del chorrito con las caderas, a todo esto, las bragas y la medias te están cortando la circulación, y tienes un brazo sujetando fuertemente la puerta, y el otro cogiendo las bragas y las medias y echándolas hacía adelante para evitar que puedan mojarse en un descuido.

Después de la evacuación llega el acto sagrado de limpiarse. Entonces dirigimos la mirada hacía el papel higiénico, lo más normal es que este vacío, entonces piensas y dices. “por favor que tenga un Kleenex en el bolso, dios mío”, pero para buscar en tu bolso tienes que soltar la puerta, dudas un momento para comprobar si existe otra solución. (Yo, he llegado a intentar abrir la cremallera del bolso con la boca aprovechando que lo tenía colgado en el cuello, y rebuscar con el hocico para poder extraer los kleenex con la boca, pero ya os anuncio que es imposible) así que no queda más remedio que soltar la mano de la puerta.

Pero resulta que en cuanto sueltas, recibes un portazo que tienes que frenar con un moviendo rápido y brusco de nuevo hacía la sujeción de la puerta, y entonces gritas: 0-CU-PA-Do!.

Tras unos minutos de reflexión te planteas si volver a intentarlo o no, pero no te queda más remedio, lo tienes que volver a intentar, pero tienes que ser mucho más rápida…… te organizas; 1, 2, 3, cojo el kleenex, me limpio y sujeto la puerta otra vez.

Pero nada más soltar la puerta, se va la luz, y tienes que ponerte a palpar a oscuras la pared para encontrar el interruptor, en ese momento vuelven a intentar entrar y te meten con la puerta en toda la frente, repites: “que esta O-cu-Pa-Do”

Es entonces cuando ya no puedes más.......
Sin contar el cabreo que llevas por el portazo, el desnuque con la correa del bolso, el sudor que corre por tu frente, la circulación de tus piernas cortadas, y piensas:
“la próxima vez limpio la taza con el kleenex y me siento”...
Pero entonces llega el recuerdo de tu mamá diciendo; “Nunca, n-u-n-c-a, n-u-n-c-a” y piensas que ella se sentiría avergonzadísima si te viera montar semejante espectáculo, con todo su esfuerzo por adoctrinarte como una mujer distinguida; porque el sagrado culo de mi madre jamás tocó el asiento de un baño público, ni el de mi abuela, ni el de ningún miembro de la familia, y entonces piensas que no eres digna de llevar tus apellidos. Te sientes inferior a resto de sociedad mundana porque no sabes mear desde las alturas en un baño público como hace todo el mundo.

Después de llegar a la conclusión de que siempre serás la oveja negra de la familia, y que jamás te convertirás en una mujer hecha y derecha, tendrás suerte si no sales arrastrando en el zapato un trozo de papel higiénico recogiendo todos los residuos del río Misisippi que se han formado con los fluidos en el aseo. Lo cual te hará sentir todavía más humillada si cabe.

En fin…. Y esta es la razón por la que las mujeres vamos en grupo al baño, por solidaridad, ya que una te aguanta el bolso y la otra el abrigo, la otra te sujeta la puerta, otra te pasa el kleenex por debajo de la puerta y así es mucho más sencillo y rápido, ya que tú solo tienes que concentrarte en mantener 'la posición del perrea, perrea', y la dignidad.

Este post se lo dedico a Jaimito que es el único que confía en mi capacidad y habilidad innata para el monólogo humorístico.

Jugando a PAPaS y MAMáS

2008-03-10T15:41:00.001Z

PAPAS Y MAMAS - DADDIES & MUMMIES - Watch a funny movie here

Impactante cortometraje de Proyecta Flims (Moises Romera y Marisa Crespo)
dadys and Mumys ; 2005

RETRATO DE UNA PERVERSIÓN

2008-03-07T20:07:00.008Z

"La Razón para que alguien se quiera convertir en artista,
es que a esa extraña clase social, se le premia por hacer cosas,
que a otra persona le llevaría directamente a la cárcel,o al rechazo
social"
(Honorato de Balzac; 1830, Novelista Francés)

Sabemos bien, que en Horror como en la Sensualidad, cuando menos se ve, más excitante nos parece.

Y así es, cuanto menos se nos muestra, más se nos arrastra a acercarnos morbosamente a mirar sin querer ver, a mirar con las manos sobre los ojos y los dedos entreabiertos, a apartar el vestido transparente, a correr perversamente las cortinas y a mirar sigilosamente por la rendija de la puerta. Lo irónico es que casi siempre, la presentación del objeto literal frente a nosotros, nos resulta decepcionante, ya que por más atroz que este sea, nosotros siempre imaginábamos algo peor.

Y es que solo nosotros somos conocedores de nuestras perversiones impropias, de aquello que nuestro “yo” ha alejado, que ha exiliado a través de un escalofrió, una arcada o un grito pavoroso. Y que, sin embargo se manifiesta atento desde su guarida para gozar silenciosamente de cualquier indicio de perversión.

Y Todos los días, en cada una de nuestras vidas, nos hallamos ante uno o varios indicios perversos, actos tan cotidianos como apartar con una arcada la nata en el café con leche del desayuno o al atender con un escalofrío al cartel de desaparecida de una mujer en las paredes de tu ciudad. Y ocurre que nuestra mente, esa incansable inventora de perversiones, es capaz de reconstruir en cuestión de segundos, una gran cantidad de relaciones perversas, entre esa inofensiva superficie lechosa del desayuno y flujos corporales que entran y salen de nuestro cuerpo repulsivamente, o imaginar actos salvajes de tortura y depravación con la mujer desaparecida como protagonista.

Esto, sin encender siquiera el televisor, ni ojear el periódico matutino, canales que también nos aportan diariamente nuestra dosis necesaria de auto-perversión, para seguir girando la cabeza repulsivamente. O un paseo por internet, donde las vías de la censura se rigen por normas “diferentes”, para entender como en un simple “click” hacia una nueva ventana desconocida, se disparan manifiestamente nuestras respuestas perversas.

A veces las huellas inconscientes de esos bocados de Horror quedan grabados en nosotros para siempre, retro-alimentando nuestra perversión en un sinfín de conexiones, expresándose a través de los sueños o inicuas fantasías.

Todo esto, me ha llevado a recordar una perversión infantil difusa, una imagen indefinida grabada en mis archivos personales, que en todos estos años se mantiene latente, aguardando cualquier indicio de horror para reconstruir ese extraño encuentro infantil con la perversión.

Se trata de una escena televisiva, la escena en cuestión aparecía en la cabecera de entrada de una sesión nocturna de cine, escondida, camuflada, entre otras imágenes inocentes, en ella se dejaba ver una cabeza humana que estallaba "literalmente", eran escasamente unos segundos de estallido, de horror insoportable, que las noches de los viernes, con apenas nueve años, aguarda con las manos en la cara y cerrando los ojos fuertemente, no podía llegar a verlo completo, o quizás nunca lo llegué a ver siquiera, aunque algo de aquella imagen había quedado en mi, proporcionándome un pánico insoportable, una angustia indefinible de horror.

Esta escena, re-descubierta muchos años después, es una escena de la película de Terror de David Cronenberg, “Scranner”, es una muestra explicita de cómo Cronemberg transforma una perversión cotidiana en visible, ya que el esfuerzo extremo de concentración cerebral del personaje da lugar a que la cabeza estalle como si fuera una sandía activada, y los sesos y todas estas interioridades calientes que yo representaba sin llegar a ver jamás en mi imaginación, quedaban esparcidas por todas partes.

Cabeza que estalla, Scanners (Cronenberg, 1980)

Ahora, me acerco de nuevo a esa ventana perversa, rescatando ese horror infantil, recibo aquel pitido irritante que avisaba que el estallido iba a llegar, con la misma repulsión que lo hacía antes, con la misma excitación a la vez.
Ahora, en solo un “click”, recibo todas aquellas sensaciones de nuevo, pero el reencuentro con la escena parece dejarme impasible, y eso resulta un alivio, pero sin embargo me siento decepcionada, algo de lo que componía esa perversión se ha perdido , aquella escena explícita a perdido el velo con la que mi imaginación la representaba, quizás porque lo más perverso, el más oscuro pasaje del horror, se escondía en aquello que los dedos entreabiertos sobre mi cara tapaban.

Bibliografía:

KRISTEVA, Julia. Poderes de Perversión
KAUFFMAN, Linda S. Malas y Perversos, Fantasias en la cultura y en el arte contemporáneo, Ed.Cátedra (grupo anaya. S.A), 2000
OLIVARES, Rosa, Culpable o Muerto. Texto introductorio de la Revista Exit. Revista 8, censurados
FREUD, Sigmund. El Malestar de la Cultura.

Make me a Man

2008-03-01T16:40:00.004Z

Premasculinidad(make me a men)
Sonya Rapoport, 1997
Fotografía en Color

Premasculinidad es uno de los últimos trabajos de la Artista Sonya Rapoport, la artísta nos muestra en una serie de fotografías el entrenamiento de un niño para ser un hombre, en clave de humor o de sentencia final, lo cierto es que el trabajo de Rapoport resulta una propuesta interesante para hablar de la problemática de los géneros, y porque no, de la violencia.

No existe la menor duda q el sexo opera como un agente regulador de nuestra conducta, una regulación que conlleva además un acto motriz que nos impulsará a hacernos hombres o de lo contrario a convertirnos en mujeres.
Ni que decir tiene que este acuerdo tácito es impuesto fuertemente a través de la cultura y a través de los significados que poco a poco van adquiriendo a lo largo de la historia.

“make me a men” (hazme un hombre), supone dotar a alguien de los atributos físicos necesarios y no solamente eso. Hacerse un hombre es un rebautizo con los atributos sociales y culturales, con los esteriotipos que caracterizan a un “hombre”.

Coloquialmente solemos escuchar “te voy a hacer un hombre” para introducir a un joven en el sexo o para iniciarle en nuevas practicas sexuales. “pelea como un hombre”, resulta una clara incitación a la violencia, “compórtate como un hombre”, es una invitación a no dejarse llevar por la emociones. Recapitulando, ser un hombre consiste generalmente en tener muchas experiencias sexuales, adquirir una clara actitud violenta y no mostrar jamás sus emociones…. ¿duro, verdad?.

No puedo evitar, llegado este punto hacer alusión al Artista performance Americano John Duncan, y su espeluznante trabajo. “Blint Date” (Cita a Ciegas, 1980), básicamente, esta performance consistía en el registro en video del artista manteniendo relaciones sexuales con un cadáver de una mujer comercializado en los límites de la ilegalidad en la frontera de México.
El escándalo, la denuncia y la repulsión se ponen enseguida en tela de juicio, sin embargo, esta acción artística entraña un significado mucho más profundo que el de la mera grabación del acto de necrofilia enmarcado dentro de los términos de la perversión sexual.

El mismo Duncan resaltó en este acto una proyección de diálogo entre un hombre y una mujer, pero sobre todo un demoledor acto de inmolación hacía sí mismo.
John dice así: “….Wanted to show what can happen to men that are trained to ignore their emocións.”, (1), texto literal que podríamos traducir como: “Busqué mostrar que es lo que ocurre cuando un hombre tiene que ignorar sus sentimientos”.
Resulta extravagante que mediante este acto de brutal repulsión, Duncan pretenda expresar un discurso tan feminista, es en definitiva un respuesta a la sociedad que incita a los hombres a sostener su virilidad a cualquier precio, este acto es para Duncan un auto-castigo más, un auto-castigo del peso de ser hombre en esta sociedad.
Duncan cuenta de esta performance que fue el mayor acto de auto-inmolación que había llegado a sentir, el mismo define así, “ indescribable intense self-disgust” (1), (una indescriptible auto-repugnancia intensa), cuenta que durante el acto vomitó en varias ocasiones y le costó muchísimo continuar hasta la eyaculación, planteándose incluso abandonar la acción.

Pero…. ¿Cómo conciliar feminismo y necrofilia?, ¿Cómo distinguir en esta obra entre violador y violado? Es posible que si hubo una violación en esta relación, en la que de seguro no hubo placer alguno, fue la del propio Duncan, una violación tanto física como psíquica que le impedía parar a pesar del intenso displacer, y que infería con más fuerza ese estado de angustia y soledad hacía la posesión sin respuesta de un cuerpo muerto, de un cuerpo no reclamado.

En este sentido entiendo la proyección de ese diálogo entre un hombre y una mujer a la que hacía alusión el propio Duncan. Un diálogo en proyección donde la mujer interviene una vez más, como un mudo testigo de la bajeza y el patetismo del hombre.

Entiendo que en este acto de masculinidad de Duncan intervienen las tres característica que definíamos sobre el “ser hombre”; una inclinación casi total hacía la relación sexual, una indiscutible orientación violenta y la represión absoluta de la emociones. Entiendo que este acto de necrofilia de Duncan no dista en nada al acto de un grupo de adolescentes que deciden celebrar su dieciocho cumpleaños en un club de carretera practicando su violencia sexual a cambio de unas décimas más de auto-masculinidad. No dista tanto del grupo de jóvenes que hacen apuestas por conseguir sexo fácil, ya sea con la más ingenua o con la menos apetecible, y lo celebran con grandes ovaciones,o esos grandes rituales casi primitivos, por la masculinidad.

Y es que aquello que se apunta en clave de humor desde la fotografías de Sonya Rapoport o desde la abyección más absoluta en el acto necrofílico de John Duncan, no es más que una realidad todavía en este momento, así que después de esto, solo puedo decir:
_ “Señores, disfruten de su masculinidad”

(1) Todas las citas textuales sobre Duncan, provienen de su Web: www.johnduncan.com

Amor, DIME QUE NO ME AMAS

2008-02-26T19:08:00.012Z

AMORES CON MANCHAS DE SANGRE.
Sobre la pasional relación del amor y la violencia

"¿Puede uno acaso ser cortés con el otro, cuando se esta en el insoportable ensalvajamiento de la pasión?"
(Christine Dal Born)

"Unidos como la carne a la piel, nuestra separación solo puede provocar un gran desgarro, donde el uno sin el otro sería incapaz de vivir"
( Sólo Mía; película de Javier Balaguer)

Nan Goldin en la Introducción de su libro“ The Ballad of Sexual Dependency” señala: "como la mitología del Romance se contradice con la realidad del emparejamiento y perpetúa una definición del amor que crea expectativas en los amantes que pueden ser muy peligrosas”. (1)

La Artista y fotógrafa Nam Goldin, encuentra en la narración de las complejas relaciones de dependencia amorosa y sexual el tema artístico que le acompañará en toda su obra, para emprender esta narración Goldin trabaja con series de fotografía donde intenta plasmar sus propias experiencias amorosas, temas como la dependencia emocional, la plenitud del amor, la iniciación a las relaciones sexuales, el amor, la violencia, la pasión, entre otros se repiten continuamente en su trabajo.

Esta obsesión recurrente por los límites de las emociones, no es más que una prolongación de sus propias vivencias, Goldin vivió muy de cerca los pormenores de las relaciones sentimentales patológicas, Una hermana suya se suicido unos años antes de que ella decidiera dedicarse al Arte, tras una ruptura amorosa que la desestabilizo tanto q la llevó a la muerte. La misma Goldin también fue víctima de la dependencia sentimental y vivió a lo largo de su vida gran cantidad de relaciones muy perjudiciales que la llevaron incluso a ingresar en un hospital tras recibir una paliza de su pareja.

Goldín Explicó que comenzó a dedicarse a la fotografía para poder recordar los pormenores de su vida y aprender de ellos, necesitaba aprender a controlar sus emociones, y el arte le serviría para reforzar una nueva identidad hacia la independencia que necesitaba. Empezó a utilizar el objetivo como una forma de volcar la violencia recibida:“me enfrento al objetivo como una francotiradora, le disparo y él me devuelve golpes de realidad, que a veces son muy dolorosos, mi relación con el objetivo es una relación de amor, que supera los excesos”, reconoce Goldin.(2)

Toda la Teoría de Nan Goldin sobre la Violencia, el sexo y el amor gira en torno a la afirmación que la violencia solo ocurre cuando hay un exceso del amor. Afirma que todos buscamos ser amados pero no todos estamos preparados para ello, y es fácil dejarse arrastrar de manera peligrosa hacía los extremos.

en este video podemos observar una pequeña retrospectiva a la obra fotografica de Nan Goldin

En este sentido la presunción de Goldin no parece tan incoherente, ya que son muchos los estudios que se están realizando en esta línea, como el trabajo de la psicóloga y antropóloga Miryam Jimeno Santoyo, , “Crimen pasional, contribución a una antropología de las emociones” en el apunta que el verdadero esquema cognitivo-emocional en la violencia de pareja es un exceso de amor,(3) y de esta forma pone en marcha la aceptación de un cierto tipo de ambigüedad en la vida sentimental de las parejas, que facilita un tránsito constante entre el odio y el amor.

Nos parece paradójico, pero sin embargo nos resulta cercano encontrar que personajes acusados de crimen pasionales reiteran ante el tribunal el amor incondicional hacía su victima:
“Yo la amaba tanto, un amor que no es comparable con ninguna forma de amor,[…] yo la admiraba tremendamente, tanto que no me bastaba con tenerla, la deseaba tanto que se escapaba de los límites de lo que yo podía controlar “ repetía Pablo ante el Tribunal que le juzgaba por el asesinato a puñaladas de su mujer (4).

No puedo evitar ver en este acto horripilante de amor, en las fotografías sangrantes de realidad de Goldin, en esta descorazonada brecha entre el amor y el delito por amor, por exceso de amor, una cierta cercanía al “romanticismo más extremo”, al sufrimiento por amor hasta las últimas consecuencias, a un amor indeseable, pero poético extrañamente en su exceso.

Quiero destacar, llegado este punto, que encuadrar el crimen y la violencia pasional como un exceso de amor, no se trata más que de una forma de sublimación poética para hablar de lo que realmente es una patología emocional o una enfermedad de los sentimientos.

Creo conveniente traer en este momento al psicoanalista Sigmund Freud que en su obra, El malestar de la cultura (1988), afirma la importancia de los instintos destructivos y los instintos eróticos de los seres humanos que parten de la misma fuente pulsional, y pueden volcarse hacia el exterior como acciones agresivas o destructivas, o por el contrario, altruistas. Y esto estriba de la relación de más o menos dependencia del individuo hacía un otro.

El miedo a la pérdida del amor, es para Freud el miedo a perder el amor del prójimo del cual se depende emocionalmente, y perder con ello su protección, lo cual provocaría ansiedades insoportables, sólo comparables con las ansiedades primarias que siente el neonato en su primeros meses de vida y con la dependencia hacía la protección de la madre.

En el interior de cada persona se alojan posiciones instintivas, innatas y autónomas hacía la agresión, de manera que según Freud, emociones humanas como el la solidaridad o el odio son materiales constitutivos de la forma de amar del ser humano.

Más concretamente y entrando de nuevo en el tema del amor, Freud afirma que el amor contradice el proceso de formación de las personas, según el cual originalmente el “yo” se incluye hacía un estímulo exterior y luego se desprende de sí mismo, “En el amor el yo parece perder sus límites precisos[…] es un estado que si, bien extraordinario, puede ser tachado de patológico: en la culminación del enamoramiento amenaza esfumarse el límite entre el yo y el objeto […]. El enamorado afirma que yo y tú son uno y esta dispuesto a comportarse como si realmente fuese así” (5)

A partir de estas premisas, los posteriores desarrollos psicoanalíticos proponen que la persona que emplea la violencia en la relación amorosa tiene una deformación de las relaciones afectivas, según la cual pretende “ser uno sólo con el otro” quiera este último o no. Lo que para Freud era una fase normal del enamoramiento inicial, y por tanto pasajera, se vuelve crónica y da lugar a una enfermedad del sentimiento, a una forma de emoción patología, que solo se sacia hacia la auto-destrucción de uno mismo a través de la destrucción del otro.

Resulta curioso y a la vez desconcertante que aquella exaltación idealizada del amor que nos bombardea continuamente a través del cine, las telenovelas o el ámbito social en general, no es más que un impulso psicológico hacía las relaciones sentimentales patológicas.
Resulta por tanto ineludible no sentir un duro bloqueo al recibir como golpes las imágenes de Goldin, y saber que si algo conocemos del amor, es porque hemos estado ahí, en cada uno de sus fotogramas revolviéndonos por escapar y agarrándonos con más fuerza, entrando y saliendo de los límites de la identidad, entre el “yo” el “tu” y el “uno solo”.

Abriendo los oídos a los cantos que resuenan en las cumbres del romanticismo, alabando al vital desgarramiento del sublime “atar”, sucumbiendo a la finalidad misma del acto sexual amoroso, a la inspiración de todo acto apasionado que es, el volverse uno con el otro hacía la construcción del Amor, ignorando las manchas de sangre del camino.

(1) La Balada de la dependencia sexual, Nan Goldin, 1987
(2) Entrevista de Nan goldin, con motivo de su exposición en el Palacio de Velázquez en 2002, publicada en el periódico el mundo, el 20 de Abril de 2002.
(3) Crimen Pasional; Contribución a una antropología de las emociones, Myriam Jimeno Santoyo, Editorial Unilibros, 2004
(4) Palabras de pablo (acusado de crimen pasional) ante el tribunal, uno de los casos de crimen pasional extraídos de la obra de Myriam Jimeno Santoyo.
(5) El Malestar de la Cultura, Sigmund Freud, 1988

Eva Cristina Mesas Escobar

CUERPOS QUE CALLAN, Como cualquier otro cuerpo....

2007-12-12T13:01:00.003Z

No se cuantos cuerpos hace
que no me siento amado

(Miguel Bosé)

Somos de un cuerpo que vive lo no dicho, que no sabe hablarse, ni mirarse, si no lo hace a través de otros, otros a los que se entrega solo por una limosna de auto-conocimiento.

Un cuerpo de carne y de cansancio de ser cuerpo, que oculta sus zonas de descenso, cosido de restos afectivos hilvanados.
Dueño del drama, descubierto a diario…………se recluye, se ausenta, pero vuelve a la hora de comer, como cualquier otro cuerpo.

Reconoce su silencio, lo intuye, pero no lo muestra.
Quiebra su garganta para no gritar y disimula mientras pone la mesa……..

En el espejo se mira, se maquilla, se aleja un poco más de sí mismo y se calla. Marca de nuevo su silencio con un pintalabios, pero esto parece no importarle demasiado.

Inhabilitado para saberse cuerpo propio, sigue el itinerario dispuesto, como cualquier otro cuerpo.
Y se esfuerza por domesticar sus sentimientos, simplemente negando aquello que se escapa a sus límites corpóreos. Solo a veces, el dolor murmura desde las regiones más desconocidas y sagradas de sí mismo. Se calla de nuevo, mientras prepara una melisa…………..

Acomoda todas las noches su almohada y descansa en silencio, como cualquier otro cuerpo.

Somos de un cuerpo herido, inválido de palabras, de inexpresión consumido. Cada día cubre su piel con un vestido blanco de violencia teñida, se abre paso entre las zarzas de las que solo recibe arañazos. Busca las caricias, pero no sabe nombrarlas………….como cualquier otro cuerpo.

Transita sigiloso la realidad de su espacio, y se resiste e encontrarse una vez más. Solo es un cuerpo, una cartografía completa de rincones escondidos, nada más que eso!

Un cuerpo doliente, ribeteado de pudor, de normas establecidas, instruido por otros cuerpos con los mismos modales, dueño y esclavo de su silencio.

En su negación se hace fuerte……como cualquier otro cuerpo, se nutre de pertenencia, cree saberlo todo de sí mismo y se quita los zapatos, cree no necesitar nada más, se abraza a sí mismo, se contiene en sus brazos y anuda sus ojos, anuda sus manos, anuda su boca, sigue anudando…..

Recuenta su patrimonio, suma lugares que cada vez parecen menos, unos rotos, otros heridos de palabras puntiagudas, disimula con otro nudo, pero el hilo algún día se rompe.

Entonces… la integridad se derrama, y ese cuerpo se rompe por las comisuras de sus ojos, llora en silencio…………como cualquier otro cuerpo.
Y se mira sin verse de reojo en su reflejo, ahora ya no es un cuerpo, no es más que una silueta fragmentada a la cual bordea una mirada ansiosa de palabras.

TERNURA INTELIGENTE CONTRA LA DUREZA DEL CORAZÓN

2007-11-04T14:26:00.001Z

ENTRE CREACIÓN Y TERNURA; UN RELEVO PARA LA VIDA.

“Sentí de repente por aquel hombre algo parecido a la ternura,
Sentí la ternura que se siente por la común vulgaridad humana,
Por lo trivial cotidiano del cabeza de familia que va a trabajar,
Por los placeres alegres y tristes, de que forzosamente se compone la vida,
Por la inocencia de vivir sin analizar nada”

Fernando Pessoa. Libro del Desasosiego

Dicen Marisa y Ricardo Rodulfo que el niño dibuja para habitar el mundo, se rinde a la creación en un acto que incluye el dejar la huella, el dejarse en la huella por un trazo ligado al tacto y a la caricia, transferencia de la caricia recibida, que en el gesto artístico es dada. Huella de nosotros en el mundo, y huella del mundo en nosotros.

Tras leer esto, no pude evitar el volver a sentir aquello a lo que llamo ternura, la magia del momento en que algo de lo que estaba en mi, conecta con unas palabras escritas en un libro, y sientes que las palabras pueden tocarte, enternecerte, erizar tu piel, como si de repente hubiera sentido una intensa caricia por todo tu cuerpo.

No pude evitar visualizar esa aguda metáfora una y otra vez, dejándome llevar por la ternura, veía el bebe que intenta reproducir las caricias de la madre, acariciando las paredes con los dedos manchados de chocolate, en un acto de marcar, de dejar la huella de su afecto a través de la creación, en un intento de que las caricias perduren en el espacio y se hagan visibles.

Los pediatras saben que el origen de muchos trastornos infantiles son la falta de ternura, muchos médicos han estudiado las dermatitis rebeldes que sufren los niños que no son acariciados, no es ningún secreto que la piel necesita ser acariciada cálidamente para desarrollarse bien, pero la ternura no se detiene en el ámbito de lo maternal, sino que inicia una expansión, una colonización hacía otros territorios, y uno de ellos, según esto, podría ser el arte.

Otro carácter expansivo de la ternura, se ha transferido como falacia a las relaciones sexuales. El sexo es brusco, siempre ha sido así, existe desde siempre una estrecha relación entre el sexo y la violencia, entre el placer y el dolor, violencia es un sinónimo a la pasión. El sexo es un acto de agresión y violencia al que abatimos todos los seres humanos en un acto de egoísmo e ingratitud, en una búsqueda hacía nuestra propia satisfacción pulsional, sin embargo el rodearlo de ternura ha sido una operación transfiguradora, Supone un salto cualitativo y cuantitativo que engrandece nuestras relaciones. Mediante la ternura los amantes se “aniñan”, experimentan por este proceso una extraña regresión infantil sin dejar de ser adultos, mediante el cual dulcifican el sadismo natural de sus actos sexuales. Porque la ternura esta directamente proyectada a lo “pequeño”, y para disfrutar de ella hay que “empeñecerse”. Y los besos y las caricias forman parte de esta “pequeña” estrategia. Los amantes se alimentan boca a boca, se piden los labios como un bebe que se amamanta.

Sospecho entonces, que la pérdida de esa ternura adaptada es la causa de muchos fracasos sentimentales, es como si los amantes en un determinado momento envejecieran de repente, se vuelven adultos y dejan de expresarse mediante diminutivos, se endurecen los sistemas de defensa, se marcan los roles, se seca el cemento y todo lo que pueda resultar enternecedor queda más cercado en las áreas del ridículo. Y la como consecuencia de este prematuro envejecimiento, llega la muerte de la relación.

Pienso que esto mismo se puede aplicar a todos los campos de nuestra vida, el dejarnos enternecer continuamente, apasionarnos dulcemente por los actos cotidianos de la vida, vivir en una intensidad total los acontecimientos, nos “aniña”. Nos dispara a la ternura, nos hace estar receptivo a los pequeños guiños de ternura que se nos devuelve como un boomerang desde la dura antipatía de la vida.

Heidegger decía que la angustia ante la muerte era el sentimiento básico del hombre, pero en mi opinión no es necesario esperar esa angustia para sentir algo que vuelque todos nuestros frutos, yo creo en la ternura como el sentimiento que nos vuelve humanos, porque conecta directamente con el primer soplo de vida que sentimos cuando aún éramos bebes, y aunque hallamos olvidado, nos recuerda a algo que aún no queda de nuestra inocencia, antes que el conocimiento de la realidad consiguiera insensibilizarnos.

2007-09-11T00:54:00.000+01:00

¿ARTISTAS O LOCOS?

2007-06-29T00:33:00.000+01:00

La diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco
(Salvador Dalí)

Hizo suya Dalí esta cita que manifiesta la cercanía entre el mundo de la locura y el arte, pero además cuenta que la segunda parte de la cita que decidió omitir es que un loco pasó por su lado y le contesto: "Yo tampoco", la respuesta sorprendió a Dalí y le hizo cuestionarse entonces: "¿Cual es la diferencia?".

Resulta difícil llegar a conclusiones dentro de este enmarque tan ilimitado, como es el binomio arte y locura. Hoy por hoy los autores defienden posiciones contrapuestas entorno al arte del enfermo mental.

Lo que queda claro, al menos desde mi prisma, es que la enfermedad mental suscita gran interés en el mundo del arte, compone gran curiosidad en general para cualquier individuo, extrañeza y al mismo tiempo cercanía, porque aún con el desconcierto que nos puede provocar la obra artística o el discurso de un demente, existe algo que sin duda conecta con lo más profundo de cada ser humano, existe algo que nos resulta cercano, existe algo que nos conecta con nuestra propia locura.

Durante la realización de un Master en Arteterapia en la ciudad de Murcia, tuve la oportunidad de acercarme al tortuoso mundo del enfermo mental, observar la mirada de un enfermo mental, es sin duda lo que más nos engancha, se trata de una mirada que nos deja en un estado de ingravidez, no te permite acercarte pero al mismo tiempo es imposible alejarte, simplemente flotas.

Cuando estas delante de un enfermo mental te das cuenta de la delgada línea que separa la salud de la locura, existe una comunicación que conecta directamente con capítulos precisos de nuestra vida, con momentos intensamente dolorosos y entonces entiendes que el enfermo mental se ha rebelado contra la sociedad para mostrarnos su infierno, nos muestran un espacio de tormentas y huracanes que suscita y conecta con nuestro propio dolor de la misma manera que Fiedrich o Turner lo hicieron desde sus paisajes.

Entiendo entonces que para el enfermo mental la expresión artística se torna una muleta para mantenerse erguido, un mecanismo que le permite no solo expresarse con el exterior sino comunicarse con él mismo, establecer un medio que permita al artista enajenado barajarse en unos parámetros fijos, que aporten orden en medio de todo el caos.

Las preguntas se superponen y la curiosidad se acrecienta: ¿Es más creativo el enfermo mental que el artista sano? ¿La creatividad aumenta a medida nos acercamos a la línea de la locura? En esto, una vez más, las respuestas se enfrentan, desde los que asumen que la respuesta es claramente positiva, hasta los que consideran el tema un mito sin pruebas concluyentes. La realidad, en cualquier caso, es que existe el debate, y existe desde tiempos remotos, la realidad es que existen grandes genios que han pasado largas etapas encerrados en psiquiátricos, que existen enfermos mentales que ha partir de su enfermedad han conseguido crear obras de arte inapelablemente geniales. Llegado este punto, rescato las palabras del Psiquiatra R.D.Laing, el cual opina que la creatividad es un factor subversivo a la locura y que se alimenta de ella, y es más, afirma que: La locura es una respuesta creativa a un mundo insoportable (Arte, Individuo y sociedad, 2006, vol.18, pág 148).

Y entonces: ¿Se podría llegar a afirmar que el arte del enfermo mental es esencialmente distinto al arte de los "sanos"? ¿El arte realizado por locos debe valorarse con las mismas herramientas y parámetros que el realizado por cuerdos? Esto plantea otra encrucijada por resolver, quizás la que genera más reacción social y la respuesta depende básicamente del concepto de artista que asuma cada individuo, resulta casi imposible entablar parámetros a nivel formal, ya que existen obras de enfermos mentales mejor resueltas formalmente que las realizadas por muchos artistas "sanos" consagrados, Entonces la cuestión se define en el campo de la intencionalidad, el artista "sano" genera un discurso alrededor de la obra, la dota de significado, reside una intencionalidad reflexionada, sin embrago, el enfermo mental crea de una forma instintiva, una pulsión creadora que surge del interior del individuo.

Desde mi opinión, el artista enajenado supone dentro del arte contemporáneo el mayor profeta de los sentimientos humanos, un poeta ensimismado que crea de una forma intuitiva, fuera de la cultura y de los cánones establecidos, que nos muestra sin tapujos los más cercano a la realidad del ser, los fantasmas, los monstruos, las tormentas emocionales que componen nuestro complejo mundo emocional, acercarte a ellos, es entender que existen tanta realidades como individuos, entender que la razón no nos pertenece, es una invitación a la reflexión que instiga a plantearnos incluso: ¿Quiénes son los locos? o como se pregúnto Dalí: ¿Cual es la Diferencia?.

Piel de Manzana

2007-06-02T23:57:00.000+01:00

El símbolo conlleva la creación de una envoltura psíquica,
Que le da piel psíquica a las emociones.
El símbolo es la caricia de otro.
(Didier Anzieu)

LO QUE DICEN MIS AMIGOS...

2007-05-30T22:59:00.001+01:00

Mis amigos me dicen q mis poemas, sugieren cosas y que lo dicen todo, pienso que no soy siempre yo quien escribe un poema, creo que existe otra cosa…, creo en la magia y en el amor…

Dicen que soy un ser cargado de contradicciones, soy yo misma y una multitud, que en mí conviven muchos yoes, dialogan entre ellos, charlan, ríen y a veces se enfadan.

Dicen que tengo tendencias opuestas, introspectiva a veces, a veces no, siempre curiosa. Notablemente humilde y orgullosa.

Dicen que escapo de los roles, siempre me salto las reglas y disfruto creando un mundo entero de leyes propias.

Mis amigos dicen que mis poemas son a veces tristes, melancólicos, será porque lo que más me inspira es todo lo que ya no tengo, me gusta rescatar las pequeñas cosas q viven en mi memoria.

Dicen que soy terriblemente sensible, intensamente expuesta al dolor y al placer, todo resulta intenso desde mi prisma, cualquier sensación, cualquier gesto…
Dicen que a veces es como si faltara la piel, y cualquier movimiento me roza sutil, como en una insufrible carne viva.

Mis amigos me miran y yo ando a tientas buscando un rostro donde no aparezco todavía.

Un Secreto...

2007-04-22T14:01:00.001+01:00

Un secreto es algo que nunca puede desvelarse, es para quien lo vive lo más íntimo y profundo del ser.

Yo tengo muchos secretos… y casi todos son inconfesables

Un secreto se estructura a través de un vacío, un sentimiento amargo que empieza a volverse intolerable incluso para uno mismo, y que ha de ser apartado para siempre.

Para ello, casi siempre hago un agujero muy profundo, lo más alejado posible de mí, y en esa cripta misteriosa guardo mis secretos bajo llave, y allí, mis secretos deambulan como habitantes de otro mundo, se mantienen aislados, allí, donde lo más familiar se torna un extraño.

Me dijeron un día, que la intimidad era un lugar donde uno puede hablar consigo mismo como si fuera otro, y donde otro puede acceder también si tú le dejas. Ese lugar debe ser mi cripta, pero con tanto secreto deambulando como fantasmas, puede resultar muy complicado decidir invitar a alguien allí. Entonces... ¿Donde guardo mis secretos?...

Conozco muchos secretos…. Y casi todos siguen siendo un secreto, porque simplemente prefiero negarlos, pensar que nunca los supe.

Lo secreto, lo oculto, lo clandestino, lo prohibido, lo siniestro, el mal.

Lo secreto aparece unido siempre a una experiencia yoica subjetiva, que casi siempre se relaciona a la represión de un deseo, en mayor o menor grado sexual. En el arte nos encontramos a menudo con la sagrada revelación de un secreto, casi siempre preferimos no verlo y otras pocas intentamos disimularlo, pero a mí, sin embargo desvelar un secreto me produce una extraña satisfacción.

¿Cuánto secretos hablan de amor, de atracción, de deseos inconfesables, de sentimientos que se oponen al yo?

En muchas ocasiones la narrativa de un secreto resulta inofensiva, incluso su banalidad puede provocar la risa en nuestro interlocutor. Pero para quien lo vive, para quien ha hecho de esa vivencia el núcleo de su conflicto interior, resulta monstruoso, una anomalía en medio de su circuito interior que interfiere con los valores morales y éticos con los cuales se ha construido.

Y entonces… hablemos de amor, de la evolución histórica del amor, del amor como la construcción de lo femenino y de lo masculino, del matrimonio en una relación subordinada de un género frente al otro, que exalta el amor romántico y gustosa fidelidad de ambos, que convierte a la dama en gozosa dependiente de su caballero. (Esto no parece ser ningún secreto).

Y ahora hablemos de deseo, de ese que permanece siempre por fuera de las instituciones del amor, de ese que ha de ser reprimido porque pone en cuestión las mismas instituciones. Es por eso que nuestro yo trata de orientarnos hacia cómo, dónde y cuándo debemos sentir deseo, y sobre todo hacia quién, que no es más que un esfuerzo siempre malgastado por intentarnos domesticar y adaptarnos a la civilización.

El deseo casi nunca tiene objeto, el deseo se recrea en su propia satisfacción de desear. Según Freud: “El niño es un perverso polimorfo que goza de todos los orificios y mucosas de su cuerpo”, las fantasías sexuales de los hombre y las mujeres también son perversiones, la pervivencia del beso clandestino, la versatilidad de las zonas erógenas, el transito a través de la sexualidad heterosexual hegemónica y convencional. El puritanismo sexual ha dado paso a la llegada de lo más inquietante del ser, a lo más íntimo, a las profunda cripta de los secretos más inconfesables.

Yo sé un secreto…pero no te lo voy a decir.
Eva Cristina Mesas Escobar
Desvela tu secreto: http://www.tusecreto.es/espana/

2007-04-09T16:48:00.001+01:00

La vida te obsequia un libro en blanco. Ese libro existe únicamente en nuestra cabeza.
Lo que en escribas será de tu propia inspiración. De ti depende, solo tú sabes sobre que trata tu libro, elige las palabras hermosas que componen un poema de amor o el relato tenebroso y destructor del odio.

Esto es lo que mi libro dice hoy:

Muere lentamente quien no viaja, quien no lee, quien no escribe…
Muere lentamente quien no encuentra la felicidad en sí mismo.

Muere lentamente quien se transforma en esclavo del hábito, repitiendo todos los días los mismos trayectos, quien no conversa, quien no aprende nada, quien evita una pasión o un remolino de emociones…

Muere lentamente quien no gira el volante cuando es infeliz, quien no cambia de amigos cuando se siente incomprendido, quien no arriesga lo cierto ni lo incierto para ir detrás de un sueño….

(Fragmento de un texto de Pablo Neruda)

INEVITABLEMENTE AMOR/MUERTE/AMOR.

2007-03-13T21:05:00.003Z

"Una parte de todas las mujeres y de todos los hombres se niega a saber que en todas las relaciones amorosas la muerte también tiene que intervenir. Finjimos poder amar sin que mueran nuestras ilusiones acerca del amor, fingimos poder avanzar sin que jamás tengan que morir nuestros vehementes arrebatos de emoción. Pero en el amor, desde un punto de vista psíquico, todo, absolutamente todo, se desmenuza. El ego no lo quisiera, pero así tiene que ser, y toda persona dotada de una profunda naturaleza salvaje se muestra inclinada a aceptarlo.¿qué es lo que muere?. Las ilusiones, las expectativas, el ansia de tenerlo todo, todo muere.

Puesto que el amor siempre da lugar a un descenso a la naturaleza de la Muerte, se comprende por qué razón es necesario tanto dominio sobre uno mismo y tanta fuerza espiritual para entregarse a un compromiso.

Cuando uno se compromete con el amor, se compromete también con la resurrección. (...) Cuando los amantes son capaces de soportar la naturaleza de la vida/muerte/vida y de entenderla como un continuo- como una noche entre dos días- y como la fuerza capaz de crear un amor para toda la vida, pueden enfrentarse con la presencia de la mujer esqueleto en su relación. Entonces se fortalecen juntos y ambos se llaman a una comprensión más profunda de los mundos en que viven, el mundo material y el del espíritu."

(Clarissa Pinkola Estés

"mujeres que corren con lobos")

20 formas de Morir y una Manzana Desesperada

2007-02-22T15:38:00.002Z

Nadie quiso desmentir redondez,

La suavidad de su piel jamás corrompida por un beso.

Nadie quiso amputar su perfección,

Acariciarla seria pecado en cualquier lugar del mundo.

Desde su silencio ensimismado,

Nos muestra el mundo en su reflejo.

Pero ella, ambiciosa, disimula sus bocados.

Roja, sensual, excitante y redonda, sobretodo redonda,

Esta manzana no merecía el mordisco de su propia seducción.

Mordida, destrozada en su universo por el apetito del deseo,

Nadie la probó jamás, fue mordida y repudiada.

Se desgranaba la luz encarnado en su refugio,

Su rubor se volvió sangre, se presentía su muerte.

(2o Formas de Morir y una manana desesperada- Eva Mesas)

EL AMOR HACE QUE EL ALMA ALGA DE U GUARIDA EN UN ACTO DE PERDÓN INTERMINBLE

2007-01-25T22:37:00.001Z

Siento el dolor de un duelo interminable,
soy una mujer desgastada que hablo con una lengua desgastada que ya no usa,escribo con una mano desgastada y a veces hago tachones.

A veces no sabemos lo que perdemos hasta que no desaparece el ser más nuestro que en él habitaba, el nombre que solo el nos llamaba, los momentos que con sólo él compartías, la parte de ti que solo él conocía y que ahora ha dejado de ser, ha dejado de existir con él.

A veces intento ser, pero no será hoy.
Hoy narciso no se reunirá con su imagen, ¿si al menos pudiera encontrarme con alguien en este laberinto?

Soy la que no tiene tiempo para hacer nada, y cuando lo tengo no sé que hacer, haciendo y deshaciendo me estoy sin hacer nada, hasta que el sentido desfallece, esperando el último velo echado sobre el vacío, la ultima mecha que tiende a consumirse poco a poco.

DECIR...HACER...POESIA

2007-01-23T22:13:00.001Z

Entre lo que veo y lo que digo,
Entre lo que digo y lo que callo,
Entre lo que callo y lo que sueño,
Entre lo que sueño y olvido,
La poesía

Se desliza

Entre el si y el no:
Dice lo que callo,
Calla lo que digo,
Sueña lo que olvido.

No es un decir: Es un hacer
Que es decir.
La poesía se dice y se oye.
Es real.

Se disipa

¿Así es aún más real?

(Octavio Paz)